Formalmente, il De profundis è una lunga e accorata lettera che Oscar Wilde scrisse a partire dal 1897 mentre si trovava nel carcere di Reading, detto anche “della Regina”, indirizzata al suo amato Alfred Bosie Douglas, il giovane e vanitoso aristocratico con il quale aveva avuto la controversa relazione che gli provocò la condanna per omosessualità. In realtà, il testo è divenuto principalmente una riflessione dello scrittore sulla propria vita in relazione a quella del ragazzo, un’opera dove al pentimento per ciò che è avvenuto, vengono descritte  le differenze comportamentali tra i due amanti. La nobiltà d’animo di Wilde e il suo immenso amore, si scontrano con l’egoismo di Alfred e la sua dissipatezza; la visione di “arte come filosofia e filosofia come arte” del primo, contrasta con la povertà culturale e la viziosa sterilità coltivata nell’odio del secondo. La lettera è infatti un continuo rimprovero a Douglas per la sua stoltezza, ma anche a se stesso per aver ceduto a tutti i capricci dell’amante, dimostrandosi un burattino nelle sue mani, fino al punto di credere alla necessità di denunciare il padre, John Sholto Douglas, nono marchese di Queensberry, per liberare la famiglia dalla sua arrogante presenza, scelta che si dimostrerà fatale per lo scrittore. E tuttavia, dopo la descrizione delle umiliazioni subite, della perdita di ogni avere, accompagnata dalla richiesta di divorzio della moglie e l’interdizione nei confronti dei figli, Wilde comprende la suprema natura del dolore: il testo diviene un insegnamento di perdono nell’umiltà cristologica di un’essenza ritrovata, in cui Gesù trova posto tra i poeti, poiché è attraverso la poesia che l’uomo incontra se stesso e la libertà.

Claudio Marconi, spostandosi su più punti lungo un percorso circolare, dove ad ogni stazione corrisponde un particolare stadio emozionale, riesce ad interpretare attraverso una lettura scenica l’anima dello scrittore, raggiungendo l’apice della sua poetica. Le musiche di Matteo Pennese, eseguite dallo stesso compositore e Walter Prati, divengono a tutti gli effetti una componente essenziale del contesto drammaturgico, dove i diversi strumenti impiegati – cornetta, bandoneon, violoncello e live electronics – sembrano cogliere con i loro suoni la sofferenza e l’esaltazione lirica dell’autore. Il De profundis esce così dal contesto che l’ha generato, divenendo il manifesto poetico di Oscar Wilde da trasmettere ai posteri con tutto il suo carico semantico ed espressivo. Nella salvificazione dell’anima dopo la spoliazione, come per San Francesco, di ogni legame materiale, unitamente all’umiliazione estrema a cui segue il perdono nei confronti di chi ha voluto infierire, si raggiunge la consapevolezza di un’estetica del dolore. Un insegnamento che lo spettacolo ha saputo cogliere per poterlo a sua volta offrire.