INCANTO E FATICA NELLE CRETE SENESI
2024-09-27 08:00 - 2025-08-30 23:30 (Europe/Rome) | Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio, Via dell’Antica Grancia, 3, Serre di Rapolano - Rapolano Terme, Italia
Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio di Serre di Rapolano (esterno) © Fondazione Musei Senesi
Bellezza paesaggistica e mezzadria si incontrano nella mostra ‘Incanto e fatica nelle Crete senesi’ fra dipinti dal ‘900 a oggi, foto e videoart
Al Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio 40 dipinti in arrivo dai depositi di Banca MPS e dalla Pinacoteca Nazionale di Siena. Al cinema teatro ‘G. Verdi’ foto, filmati storici, videoart e un’opera audiovisiva
L’esposizione animerà Serre di Rapolano dal 27 settembre 2024 al 30 agosto 2025 in due location storiche
Le Crete senesi viste attraverso tecniche artistiche diverse per raccontare una bellezza paesaggistica amata da secoli e il patrimonio sociale e culturale legato alla mezzadria e alla durezza del lavoro. Sono loro le protagoniste assolute della mostra ‘Incanto e fatica nelle Crete senesi’, in programma a Serre di Rapolano dal 27 settembre 2024 al 30 agosto 2025 in due location di eccezione del borgo nel comune di Rapolano Terme: il Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio ospiterà 40 dipinti in gran parte mai esposti in arrivo dai depositi della Banca Monte dei Paschi di Siena e dalla Pinacoteca Nazionale di Siena, firmati da grandi autori dal ‘900 a oggi da Dario Neri a Renato Guttuso fino ad artisti contemporanei, mentre il cinema teatro ‘Giuseppe Verdi’, recentemente riqualificato, accoglierà la proiezione di filmati storici e videoart oltre agli scatti di 4 fotografi contemporanei. La mostra, curata da Anna Maria Guiducci, è promossa dal Comune di Rapolano Terme in collaborazione con Visionaria e Fondazione Musei Senesi e le due location saranno aperte durante il fine settimana.
La mostra ‘Incanto e fatica nelle Crete senesi’ ruota attorno alla bellezza inconfondibile del paesaggio delle Crete senesi, “portatore d’incanto” fra i più rappresentati dai pittori dal Quattrocento a oggi, e ne valorizza al tempo stesso l’elemento umano e l’aspetto lavorativo che per secoli ha visto protagonisti tanti uomini e donne con la mezzadria. Il risultato è un viaggio attraverso dipinti, filmati storici, scatti fotografici e videoart per raccontare non solo il fascino paesaggistico di questo territorio e delle sue inimitabili “biancane” ma anche il duro e aspro lavoro su queste colline che ne ha caratterizzato lo sviluppo antropologico. A rendere ancora più uniti i due temi è il dialogo fra il Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio e il cinema teatro ‘Giuseppe Verdi’, edifici lontani per epoca di costruzione ma legati dalla loro importanza per la storia di Serre di Rapolano, pronti ad accogliere chi vorrà scoprire la singolarità e il fascino elegante del borgo.
Il Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio accoglierà 40 dipinti dedicati ai paesaggi delle Crete senesi e ad alcuni particolari che li rendono unici con una raccolta preziosa e in gran parte poco conosciuta. Le opere provengono, infatti, dai depositi della Banca Monte dei Paschi di Siena e dalla Pinacoteca Nazionale di Siena, che partecipa all’evento con il prestito delle preziose pitture di Renato Guttuso ispirate dalla campagna nei dintorni della città e donate alla famiglia dell’amico Cesare Brandi nel 1938 per ringraziarla dell’ospitalità nella villa di Vignano. Insieme a Guttuso, sarà possibile ammirare le opere di Dario Neri, Otello Chiti, Aldo Marzi, Vittorio Zani, Roberto Corsini e Vittorio Giunti, a cui si uniranno i contemporanei Carlo Pizzichini, Franca Marini e Luca Bellaccini. L’esposizione sarà arricchita da due bassorilievi di Alberto Sani, scultore autodidatta scoperto e valorizzato da Dario Neri, e proporrà un itinerario culturale composto da linguaggi stilistici eterogenei pronti a conquistare il pubblico con opere in larga parte mai esposte.
Il cinema teatro ‘Giuseppe Verdi’ ospiterà, invece, un omaggio alle Crete senesi e al lavoro nei campi dal passato ai giorni nostri attraverso gli scatti di 4 fotografi contemporanei – Davide Borghi, Marco Bruttini, Alessio Duranti, Marco Muzzi – pronti a raccogliere il testimone dei pittori protagonisti al Museo dell’Antica Grancia e dell’Olio per continuare a raccontare l’unicità e la bellezza paesaggistica e sociale di queste colline brulle e biancastre. L’esposizione dei fotografi sarà arricchita dall’opera audiovisiva curata dall’artista inglese Jacqueline Tune per raccontare la particolarità paesaggistica delle Crete e l’elemento umano che l’ha caratterizzata nei secoli attraverso le voci di alcune persone che hanno vissuto l’ultimo periodo della mezzadria.
L’allestimento nel cinema teatro ‘Giuseppe Verdi’ conta su un’attenta ricerca svolta in collaborazione con il Museo della Mezzadria senese di Buonconvento, che ha messo a disposizione i suoi materiali visivi d’archivio dedicati al lavoro nelle campagne senesi tra Ottocento e Novecento.

NATALE IN CASA CUPIELLO di Eduardo De Filippo
2024-11-26 20:45 - 2024-12-08 15:30 | Teatro Manzoni di Milano, Via Alessandro Manzoni 42, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Natale in casa Cupiello – Vincenzo Salemme © Chi è di scena – Diana Or.I.S.
Chi è di scena e Diana Or.I.S.
presentano:
Dal 26 novembre all’8 dicembre 2024
feriali e 7 dicembre ore 20,45 – domenica ore 15,30
VINCENZO SALEMME

NATALE IN CASA CUPIELLO
di Eduardo De Filippo
Scene Luigi Ferrigno Costumi Francesca Romana Scudiero
Luci Cesare Accetta Musiche Nicola Piovani

Regia VINCENZO SALEMME
INTERPRETI E PERSONAGGI:
Vincenzo Salemme è Luca Cupiello; Antonella Cioli è Concetta; Antonio Guerriero è Tommasino; Franco Pinelli è Pasquale; Vincenzo Borrino è Nicola Percuoco; Sergio D’Auria è Vittorio Elia; Fernanda Pinto è Ninuccia; Oscarino Di Maio è Raffaele; Agostino Pannone è Luigi Pastorelli; Pina Giarmanà è Carmela; Geremia Longobardo è Il dottore; Nuvoletta Lucarelli è Olga Pastorelli; Gennaro Guazzo è Alberto; Marianna Liguori è Rita.
VINCENZO SALEMME IN TEATRO RITROVA EDUARDO DE FILIPPO
Natale in casa Cupiello, la commedia eduardiana per eccellenza, nella messa in scena di uno dei più celebrati protagonisti del teatro di oggi
Rispettando il testo originale, Salemme ha compiuto l’impresa di “modernizzare” una delle commedie più conosciute del Teatro del Novecento, lavorando come mai prima sulla trasposizione di quei dialoghi e di quella gestualità che fanno parte della tradizione e della cultura del nostro Paese: «Mi sono avventurato nel capolavoro di Eduardo, mettendo in piedi una macchina pazzesca, davanti e dietro le quinte, a cui lavorano più di 40 persone. Portare in scena per la prima volta un’opera così fondamentale per il teatro italiano è stata una gioia immensa. Attraverso il meraviglioso testo di Eduardo, ‘respirando’ le sue parole ho potuto riscoprire una civiltà culturale che credo si stia affievolendo nel mondo di oggi. Anche per questa ragione, quindi, non potrei essere più felice di averlo ritrovato sul palco».
Dopo la strepitosa tournée dello scorso anno che ha registrato il tutto esaurito nei maggiori teatri Italiani, ‘Natale in casa Cupiello’, diretta e interpretata da Vincenzo Salemme, è un successo letteralmente travolgente, il pubblico entusiasta ha accolto con grandi consensi il “presepio” di Eduardo De Filippo, in una nuova versione inedita a cui il regista e drammaturgo lavorava da tempo.
Vincenzo Salemme e la sua compagnia riprendono per il secondo anno questo testo capolavoro del teatro mondiale, rievocando un tempo nel quale lo stesso Salemme ha iniziato a muovere con entusiasmo e passione i primi passi nel mondo del teatro, incontrando proprio il Maestro Eduardo nel 1977: «Andai a Cinecittà per provare a fare la comparsa in qualcuna delle sue commedie che stava registrando per la Rai. E lo incontrai in una pausa della lavorazione. Aveva sulle spalle lo scialle color vinaccia pallido, un camicione da notte e i mutandoni che finivano dentro i calzettoni di lana. Era il costume della commedia più bella, più amara, più divertente, più sentimentale, più intensa, più malinconica, più festosa, più struggente della storia: Natale in casa Cupiello. Sono passati, da allora, ben 46 anni. Nel frattempo, sono diventato attore a tempo pieno e, dopo aver avuto il privilegio di lavorare con Eduardo nei suoi ultimi due anni di palcoscenico, ho potuto continuare a frequentare il suo magnifico teatro grazie ai 12 anni nella compagnia del figlio Luca. Poi da più di 30 anni scrivo e metto in scena commedie e spettacoli scritti da me. E ho avuto anche la fortuna di lavorare nel cinema come attore, regista e sceneggiatore».
Tra i protagonisti più apprezzati dello Spettacolo, da più di 30 anni scrive e mette in scena commedie e spettacoli scritti da lui, spesso portati anche al Cinema, dove lavora con successo come attore, regista e sceneggiatore. «Ma la voglia di tornare in quella casa degli anni ‘40 del secolo scorso, di sentire il freddo del dopoguerra addolcito dai preparativi del presepe, la voglia di rivedere quel prototipo di bamboccione, indimenticabile nelle sembianze di Luca De Filippo, la voglia di sentire le zampogne a fare da colonna sonora alla forza travolgente e incontrollabile delle passioni della figlia, la voglia di rivedere la potenza disperata di Concetta/Pupella, le sue lacrime di fronte al pericolo della disgregazione familiare, la voglia di abbracciare la tenera impotenza di Luca Cupiello di fronte alle promesse disilluse della vita, quella voglia non mi ha mai lasciato. Ecco perché ho deciso di mettere in scena questo capolavoro. E di farlo come io ho imparato a fare in questo mestiere. Con semplicità e amore. Amore per le mie origini, amore per Eduardo, per Luca, amore per quei Natali passati davanti alla televisione per scaldarci il cuore tra una manciata di struffoli e una giocata a tombola».
Buon “Natale in casa Cupiello” a tutte e a tutti!
BIGLIETTI
Da martedì a venerdì
Prestige € 41,00 – Poltronissima € 36,60 – Poltrona € 26,50 – Poltronissima under 26 anni € 18,50
Sabato e domenica
Prestige € 46,00 – Poltronissima € 40,00 – Poltrona € 29,00 – Poltronissima under 26 anni € 21,50
Per acquisto:
biglietteria del Teatro
online
telefonicamente 027636901
circuito Ticketone

LA FINE È IL MIO INIZIO
2024-11-30 17:00 - 2024-12-01 11:00
Foto: Tiziano Terzani © Teatro Menotti Filippo Perego Milano
sabato 30 novembre ore 17.00
domenica 1° dicembre ore 11.00
LA FINE È IL MIO INIZIO
tratto dal libro di Tiziano Terzani
regia Emilio Russo
con Chiara Tomei e Antonio Perretta
musica dal vivo di Danilo Rossi
INFO
Una lettura scenica intensa e commovente, tratta da uno dei libri più amati di Tiziano Terzani
Il racconto dell’ultima tappa di un lungo viaggio alla ricerca della verità, una vita trascorsa esplorando, imparando e cercando di comprendere il mondo
Questo spettacolo itinerante guiderà il pubblico attraverso diverse tappe all’interno del teatro, partendo dal foyer e attraversando spazi trasformati in frammenti del suo straordinario percorso. Ogni angolo del teatro diventerà una scena viva, un momento del suo incredibile viaggio, fatto di incontri, emozioni e profonde riflessioni.
Dedicato ai giovani, questo racconto celebra la fantasia, la curiosità verso l’ignoto e il coraggio di vivere una vita autentica e libera. È il ritratto di un’esistenza straordinaria, ricca di avventura, amore e significato, capace di toccare l’animo di ciascuno.
Un’esperienza di intensa emozione che invita a riflettere sul valore e sul senso dell’esistenza.
Spettacolo + aperitivo: 11€*
*il biglietto comprende lo spettacolo+aperitivo (vino o bibita + degustazioni di prodotti)

FAUST tratto da Faust I e II di Johann Wolfgang von Goethe
2024-12-10 21:00 - 2024-12-22 17:00 | Teatro Vascello, Via Giacinto Carini 78, Roma, 00152, Italia
Foto di scena: Faust – Al centro: Paola Giannini © La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello Roma
STAGIONE TEATRALE 2024-2025
Faust
tratto da Faust I e II di Johann Wolfgang von Goethe
di Leonardo Manzan e Rocco Placidi
dal 10 al 22 dicembre dal martedì al venerdì h 21, sabato h 19 e domenica h 17
Prima Nazionale
con Alessandro Bandini, Alessandro Bay Rossi, Chiara Ferrara,
Paola Giannini, Jozef Gjura, Beatrice Verzotti
regia Leonardo Manzan
scene Giuseppe Stellato
costumi Rossana Gea Cavallo
Music and Sound Franco Visioli
light designer Marco D’Amelio
fonico Filippo Lilli, datore luci David Ghollasi
macchinista Giuseppe Russo, assistente scenografa Caterina Rossi
aiuto regia Virginia Sisti
produzione La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello,
Teatro Piemonte Europa, LAC Lugano Arte e Cultura
in collaborazione Teatro della Toscana Teatro Nazionale
si ringrazia per la collaborazione l’associazione Cadmo
durata 100’
Atteso debutto al Teatro Vascello – in prima Nazionale – per il Faust di Leonardo Manzan, giovane autore e regista che si è già distinto per la sorprendente originalità dei suoi lavori che hanno ottenuto per due anni consecutivi i riconoscimenti della Biennale Teatro di Venezia.
Dopo i successi nelle passate stagioni in Italia e all’estero di Cirano deve morire, Glory Wall e Uno spettacolo di Leonardo Manzan, il giovane regista sceglie di misurarsi con un monumento della letteratura teatrale moderna, il Faust di Johann Wolfgang Goethe.
Manzan attraverso un Faust artista indaga il tema del ruolo del teatro nella società, della responsabilità di chi crea nei confronti del pubblico e dei limiti dell’espressione del desiderio individuale.
Il pubblico, sempre protagonista negli spettacoli di Manzan, è accompagnato da un affiatato gruppo di sei giovani interpreti – Alessandro Bandini, Alessandro Bay Rossi, Chiara Ferrara,
Paola Giannini, Jozef Gjura, Beatrice Verzotti – attraverso la vicenda di Faust ed è invitato a muoversi insieme a loro in equilibrio sul filo teso tra fantasia e realtà, intrattenimento e impegno, quel filo sottile su cui ogni artista cerca disperatamente il suo equilibrio.
Completano il cast dei collaboratori artistici: Rocco Placidi per la drammaturgia, Franco Visioli per le musiche e il suono, Giuseppe Stellato per la scena e Rossana Gea Cavallo per i costumi, Marco D’Amelio per le luci. Lo spettacolo è prodotto da La Fabbrica dell’Attore-Teatro Vascello, TPE Teatro Piemonte Europa e LAC Lugano Arte e Cultura, in collaborazione con il Teatro della Toscana-Teatro Nazionale. Si ringrazia l’Associazione culturale Cadmo.
A partire dal Faust di Goethe
La sinossi del Faust di Goethe si potrebbe riassumere in una riga: c’era una volta un uomo che fece un patto col diavolo. Eppure, a partire da questo semplice spunto, perfetto per una favola da teatro delle marionette, Goethe ha costruito un’opera monumentale che fa da specchio alla modernità.
Colta e goliardica, tragica e parodica, cosmica e sentimentale, tra il dramma e avanspettacolo, la prima opera moderna è in realtà un’opera post-moderna.
Non si può tornare indietro e riportare all’ordine il caos che Goethe attraversa. Bisogna assecondarne la varietà, nel tentativo di recuperare la leggerezza di un racconto popolare che inizia appunto così: c’era una volta un uomo che fece un patto col diavolo.
Note di regia
Il Faust di Goethe comincia con una sorpresa per noi teatranti. Da due secoli di distanza, l’autore ci fa un ritratto perfetto in forma di parodia: scrive un Prologo sul Teatro.
L’impresario, il drammaturgo e l’attore discutono su quali siano gli ingredienti giusti per fare uno spettacolo di successo. Il risultato è una scena divertentissima, ma anche impietosamente rivelatoria.
«Io vorrei proprio piacere a tutti (…) Come fare perché tutto sia nuovo, vivace E, pur essendo profondo, diverta?» dice per esempio l’impresario, ricordandoci che l’unico vero problema di un teatrante è come portare il pubblico in sala.
Ritrovando noi stessi in questo prologo abbiamo scelto di far intervenire il personaggio di Faust nella discussione.
Il nostro Faust ha un problema concreto e insormontabile: vuole mettere in scena il Faust di Goethe. Vuole rappresentare sé stesso. Ma questo non è più possibile: sa troppo di sé, è troppo intelligente, non crede più al diavolo.
Leonardo Manzan, nato a Roma nel ‘92 si diploma come attore alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano nel 2015. Debutta come regista, interprete e autore con It’s App to You – o del solipsismo che inaugura la sua collaborazione con l’attrice Paola Giannini. Lo spettacolo-videogioco sul tema della realtà virtuale e del rapporto con la tecnologia vince numerosi premi e riconoscimenti, tra cui InBox, Dominio pubblico, Kilowatt-Italia dei visionari. Nel 2018 si rivela tra i giovani talenti alla Biennale Teatro di Venezia aggiudicandosi il premio di produzione per Registi under 30 per la realizzazione di Cirano Deve Morire, riscrittura del Cyrano de Bergerac di Rostand in forma di concerto rap. Scritto insieme a Rocco Placidi con musiche originali di Franco Visioli e Alessandro Levrero, lo spettacolo debutta alla Biennale Teatro di Venezia nel 2019.
«Leonardo Manzan – recita la motivazione di Antonio Latella che in qualità di direttore gli ha assegnato il Premio – ha avuto il coraggio di esporsi e di rischiare. Nonostante la giovanissima età ha dimostrato di essere pronto ad attraversare quella linea gialla che delimita la zona di sicurezza per andare in zone anche pericolose, mai rassicuranti e ovvie. Al suo coraggio, vogliamo aggiungere la nostra scommessa».
Invitato nuovamente a Venezia nel 2020, presenta Glory Wall – anche questo scritto con Rocco Placidi e interpretato da Paola Giannini. Spettacolo dissacrante sul tema della censura prodotto da La Fabbrica dell’Attore e Elledieffe che viene premiato come Migliore spettacolo della Biennale Teatro. Il riconoscimento è stato attribuito da una giuria internazionale composta da Maggie Rose, corrispondente di Plays International, Susanne Burkhardt, corrispondente di Deutschlandfunk Kultur, Evelyn Coussens, giornalista di teatro del quotidiano De Morgen, Justo Barranco, giornalista di teatro del quotidiano La Vanguardia: «il modo in cui Manzan mette in discussione il ruolo e il significato del teatro oggi è provocatorio e inesorabile, ma allo stesso tempo dedito e impegnato. Nell’Italia dove ‘la nuova scrittura e i nuovi drammaturghi’ sono stati per troppo tempo ignorati, malnutriti e poco sostenuti, è un piacere poter conferire questo nuovissimo premio a una nuova scrittura che non solo affronta il tema della censura posto dalla Biennale, ma offre anche al pubblico uno spettacolo impegnativo e molto divertente che recupera il potere del teatro. E della sua comunità».
INFO ORARI:
dal martedì al venerdì h 21
sabato h.19
domenica h.17
lunedì h 21
Circo El Grito h.19
Emma Dante Il Canto della Sirena Vascello dei Piccoli sab. 16,30 dom.11,30
BIGLIETTERIA:
intero € 25
over 65 € 20
CRAL e convenzioni € 18
studenti € 16
Vascello dei piccoli € 15 / € 12 (bambini)
Concerti € 15 / € 12 (studenti e anziani)
ABBONAMENTI:
Zefiro (8 titoli) € 120
Eolo (9 titoli) € 135
Card libera (6 spettacoli a scelta su tutta la programmazione) € 108
Card love a 2 spettacoli a scelta su tutta la programmazione per 2 persone (4 ingressi) € 72
Zefiro
DE PROFUNDIS
CAPITOLO II
IL GIARDINO DEI CILIEGI
IL RITO
IL MINISTERO DELLA SOLITUDINE
MOBY DICK
LA PULCE NELL’ORECCHIO
LA GATTA SUL TETTO CHE SCOTTA
Eolo
UCCELLINI
LA VEGETARIANA
LA SCORTECATA
FAUST
BAHAMUTH
IL GRANDE VUOTO
BOCCONI AMARI SEMIFREDDO
EDIPO RE
FELICISSIMA JURNATA
CAMPAGNA ABBONAMENTI:
Abbonamento Zefiro 120 euro (8 titoli) (ACQUISTA ONLINE) con eventuale scelta del posto
Abbonamento Eolo 135 euro (9 titoli) (ACQUISTA ONLINE) con eventuale scelta del posto
Card libera 108 euro (6 spettacoli a scelta) (ACQUISTA ONLINE) con eventuale scelta del posto
Card love 72 euro (2 spettacoli a scelta per 2 persona) (ACQUISTA ONLINE) con eventuale scelta del posto
INFO e prenotazioni esclusivamente tramite abbonamenti Zefiro , Eolo e CARD LIBERA E CARD LOVE info promozioneteatrovascello@gmail.com
Biglietti: Intero 25 euro – Ridotto over 65: 20 euro – Ridotto addetti ai lavori del settore e Cral/Enti convenzionati: 18 euro – Ridotto studenti, studenti universitari, docenti e operatori esclusivamente delle scuole di teatro, cinema e danza 16 euro e gruppi di almeno 10 persone 16 euro a persona È possibile acquistare i biglietti, abbonamenti e card telefonicamente 065881021 con carta di credito e bancomat abilitati,
acquista direttamente alla biglietteria https://www.teatrovascello.it/biglietteria-23-24/
acquista tramite bonifico bancario a favore di Coop. La Fabbrica dell’Attore E.T.S. BANCA INTESA SAN PAOLO ag. Circ. Gianicolense 137 A di Roma iban IT28f0306905096100000013849
oppure acquista on line
CONTATTI:
06 5881021 – 06 5898031
promozioneteatrovascello@gmail.com – promozione@teatrovascello.it
Teatro Vascello Via Giacinto Carini 78
Monteverde Roma
Come raggiungere il teatro con mezzi privati:
Parcheggio per automobili lungo Via delle Mura Gianicolensi, a circa 100 metri dal Teatro. Parcheggi a pagamento vicini al Teatro Vascello: Via Giacinto Carini, 43, Roma; Via Maurizio Quadrio, 22, 00152 Roma, Via R. Giovagnoli, 20,00152 Roma
Con mezzi pubblici:
autobus 75 ferma davanti al teatro Vascello che si può prendere da stazione Termini, Colosseo, Piramide, oppure: 44, 710, 870, 871. Treno Metropolitano: da Ostiense fermata Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello. Oppure fermata della metro Cipro e Treno Metropolitano fino a Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello

IL BAR SOTTO IL MARE da Stefano Benni
2024-12-12 20:00 - 2024-12-31 22:00 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Il bar sotto il mare – Regia di Emilio Russo © Alessandro Fibbi
Dal 12 al 31 dicembre 2024

Con Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo degli Innocenti
Regia e adattamento Emilio Russo
Musiche dal vivo Cosimo Zannelli
Musiche Fabrizio Checcacci e Cosimo Zannelli
Scene e costumi Pamela Aicardi
Luci Mattia de Pace
Produzione Tieffe Teatro / La Macchina del Suono
Prima milanese
Dal 12 al 31 dicembre, in prima milanese al Teatro Menotti, va in scena Il bar sotto il mare, tratto dall’omonimo romanzo di Stefano Benni. Un luogo magico e senza tempo, dove le storie si intrecciano e i personaggi diventano indimenticabili.
È il bar in cui tutti vorremmo perderci almeno una notte, per ascoltare i racconti di personaggi straordinari: il barista enigmatico, l’uomo col cappello, il vecchio con la gardenia, la sirena ammaliatrice, il marinaio solitario, l’uomo invisibile, la bionda misteriosa, la pulce del cane nero e molti altri avventori, ciascuno con il suo bagaglio di follie e meraviglie.
Ogni storia, con la sua comicità surreale e la sua profonda umanità, ci farà ridere, riflettere e sognare, riportandoci a quella dimensione dell’immaginazione in cui è ancora possibile sorprendersi e non prendersi troppo sul serio.
La nostra versione teatrale di uno dei capolavori di Stefano Benni si propone di catturare questa stessa magia, portando sul palco il suo mondo illogico, immorale e irresistibilmente poetico. Parole e musica si fondono in uno spettacolo che restituisce la follia ragionata di questi personaggi incredibili, che tanto somigliano alle persone che incrociamo nella vita reale.
In scena, un trio di compagni di viaggio composto da Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli e Lorenzo degli Innocenti: attori versatili e carismatici, capaci di recitare, cantare e danzare con energia travolgente, dando vita a uno spettacolo unico e irripetibile. Accanto a loro, la musica dal vivo di Cosimo Zannelli, che arricchisce e amplifica le emozioni dello spettacolo.
Un viaggio teatrale dove l’assurdo diventa ragione e l’immaginazione prende il comando, per una serata che farà divertire, emozionare e sognare spettatori di ogni età.
Le poesie di Stefano Benni – come Dormi Liù, Hooligan Love, Quello che non voglio, Ma che notte è, Little Red Hood – si trasformano in canzoni originali, grazie alle musiche composte da Fabrizio Checcacci, che riesce a tradurre in note la forza evocativa delle parole del grande scrittore bolognese.
Il 31 dicembre replica speciale di Capodanno alle ore 22 per salutare il nuovo anno con brindisi finale.
STAGIONE 2024 | 2025
BIGLIETTERIA:
Prezzi
Intero – 32.00 € + 2.00 € prevendita
Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
Abbonamento Menotti Card 4 ingressi €60, 8 ingressi €110
SPECIALE CAPODANNO:
Ore 22
Intero – 55.00€
Ridotto under/over – 45.00€
TEATRO MENOTTI:
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org
ORARI BIGLIETTERIA:
Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
Acquisti online
Con carta di credito su www.teatromenotti.org
ORARI SPETTACOLI:
Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

TOOTSIE
2024-12-26 17:30 - 2025-01-01 17:30 | Teatro Manzoni di Milano, Via Alessandro Manzoni 42, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Tootsie – Paolo Conticini © PeepArrow Entertainment – Il Sistina
Dal 26 dicembre al 1 gennaio
feriali ore 20,45 – domenica ore 15,30
26 dicembre e 1 gennaio ore 17,30
31 dicembre ore 16,00 e ore 21,00
Per la prima volta in Italia
TOOTSIE
la nuova commedia musicale firmata Massimo Romeo Piparo
Al Teatro Manzoni di Milano per tutte le feste di Natale
Divertente, romantico e con una irresistibile vena dissacrante che fa sorridere ma anche riflettere: per la prima volta in Italia è in scena “Tootsie”, il nuovo Musical firmato e adattato in italiano da Massimo Romeo Piparo tratto dal famoso film del 1982 di Sydney Pollack con l’indimenticabile interpretazione di Dustin Hoffman.
Interpretato dall’inedita ma affiatatissima coppia formata da Paolo Conticini – già protagonista acclamato di successi come “Mamma Mia!” e “The Full Monty”- ed Enzo Iacchetti che torna finalmente al Musical dopo il grande successo personale ottenuto nei panni di Zazà ne “Il Vizietto”, “Tootsie” –già in tour da novembre- sarà in scena da giovedì 26 dicembre e per tutte le feste di Natale, fino a mercoledì 1° gennaio.
Dopo i grandissimi successi e le novità degli ultimi anni, da “Cats” a “Matilda”, e al trionfale ritorno di “Jesus Christ Superstar”, Massimo Romeo Piparo porta in scena un nuovo spettacolo, destinato a sorprendere e conquistare il cuore degli spettatori.
«Come sempre il Teatro arriva più in fondo e in modo più diretto al cuore dei temi fondamentali della nostra società”, afferma Massimo Romeo Piparo. «In un momento in cui si fa tanto parlare (o urlare) di temi così delicati e sensibili come “sessismo”, “patriarcato”, “identità”, Tootsie, con leggerezza e grande ironia, oltre che con la ineguagliabile forza della musica, li rappresenta in modo chiaro e deciso, affidando a poche ma significative indimenticabili battute la prova di quanta confusione ci sia ancora oggi tra “essere” e “apparire”. Nella versione teatrale si aggiunge anche una caustica e pungente critica all’intero mondo dello showbusiness in cui – purtroppo – la differenza tra i sessi è ancora marcatamente segnata. La mia versione italiana – continua Piparo – tiene fedelmente conto dell’indirizzo dato dagli autori e ne esalta tutta l’ironia e la rinnovata comicità, integrandola grazie anche alla grande ispirazione che una inedita e strepitosa coppia di attori come Conticini e Iacchetti mi hanno fornito. Un cast di grandissimi professionisti, tutti perfettamente aderenti ai propri ruoli, ha completato la ricetta che mi ha permesso di offrire al pubblico italiano un prodotto attualissimo, scorrevole e di grande intrattenimento, che per la prima volta in Italia viene rappresentato dopo il suo successo a Broadway. Tootsie è un (meritato e doveroso) inno alle donne, uno spettacolo al femminile anche quando a parlarne… sono gli uomini, che potremmo condensare nella celeberrima battuta finale: “sono stato un uomo migliore con te, da donna…di quanto non lo sia stato con le altre donne…da uomo. Devo solo imparare a farlo…senza la gonna!».
Con il libretto di Robert Horn, vincitore del Tony Award per questo titolo, e la musica e i testi di David Yazbek, già autore di un altro grande successo come “The Full Monty, “Tootsie” è classificato come una delle migliori commedie di tutti i tempi nella lista stilata dall’American Film Institute e acclamato come “Il Musical più divertente di Broadway!” (The New York Post), oltre ad aver ricevuto l’incredibile cifra di 11 nomination agli Oscar del Musical (Tony Award), tra cui quello per il miglior musical e la migliore colonna sonora originale.
Lo spettacolo, prodotto da PeepArrow Entertainment in collaborazione con Il Sistina, racconta la storia di Michael Dorsey (Paolo Conticini), un bravo attore con un particolare talento per… non riuscire a mantenere un lavoro! Avvilito e disoccupato, Michael decide di fare un ultimo, disperato tentativo per realizzare i suoi sogni: si presenta al provino del musical sequel di Giulietta e Romeo, travestito da donna con il nome di Dorothy Michaels e, dopo un’ottima performance, lo vince. In una fulminea ascesa verso la celebrità di Broadway, Michael (travestito da Dorothy) diventa presto un’attrice amatissima dal pubblico ma, mentre il lavoro comincia ad andare a gonfie vele, Michael si innamora di una sua collega. Sarà il suo amico e coinquilino Jeff (Enzo Iacchetti), uno squattrinato ma navigato scrittore che per sopravvivere gestisce un ristorante, a metterlo di fronte alla realtà, facendogli realizzare che mantenere quel successo “di attrice” è molto più difficile di quanto si possa aspettare.
Con il suo ritmo serrato, la coinvolgente colonna sonora e una vicenda incredibilmente attuale, “Tootsie” è una commedia brillante e piena di colpi di scena, che si prende amabilmente gioco dell’intero mondo dello showbusiness con le sue dinamiche distorte, in cui “merito” e “scorciatoia” spesso si confondono. Ma la storia di Michael, grazie anche allo scoppiettante rapporto con il suo alter-ego Jeff, offre anche l’occasione per riflettere su temi importanti, come l’amore e il rapporto tra i sessi, l’identità e il ruolo della donna nella società, la genialità e il coraggio di rischiare per guadagnarsi un’opportunità per emergere. Celeberrima la frase finale che il camaleontico Dustin Hoffman rivolge alla sua amata nel disperato tentativo di “giustificare” il suo scambio di identità: «Sono stato un uomo migliore con te da ‘donna’, di quanto lo sia stato con le altre donne da ‘uomo’».
Per San Silvestro sono previste 2 recite, alle ore 16,00 e alle ore 21,00. Al termine della recita delle 21,00, allo scoccare della mezzanotte, si brinderà al nuovo anno con spumante, panettone e un buffet di dolci insieme alla Compagnia.
Inoltre in occasione della recita delle ore 21,00 sarà possibile cenare nel foyer del Teatro a partire dalle ore 20,00. Info su prenotazione, prezzo e menù sul sito del Teatro alla pagina di questo link
La realizzazione di Tootsie – unitamente alla prossima produzione di “West Side Story” sancisce per Peeparrow Entertainment e per il Teatro Sistina l’inizio dell’importante partnership con Fineco che per un biennio sarà Main Sponsor delle rispettive attività. Una collaborazione prestigiosa e di grande qualità che vede affiancate due realtà molto affermate nei rispettivi ambiti.
TOOTSIE
Musica e testi di David Yazbek
Libretto di Robert Horn
Tratto dalla storia di Don McGuire e Larry Gelbart e dal film Columbia Pictures prodotto da Punch Production, interpretato da Dustin Hoffman
Regia e adattamento di Massimo Romeo Piparo
Prodotto da PeepArrow Entertainment e Il Sistina
in accordo con Music Theatre International (Europe) Limited: www.mtishows.eu
TEAM CREATIVO
Emanuele Friello Direzione Musicale
Teresa Caruso Scene
Cecilia Betona Costumi
Roberto Croce Coreografie
Umile Vainieri Luci
Stefano Gorini Suono
Con
Paolo Conticini nel ruolo di Michael Dorsey/ Dorothy Michaels
con la partecipazione di Enzo Iacchetti nel ruolo di Jeff
E con
Beatrice Baldaccini/ Julie
Ilaria Fioravanti/ Sandy
Matteo Guma / Max
Massimiliano Carulli / Ron
Elena Mancuso-Gea Rambelli / Rita
Sebastiano Vinci / Stan
Nico Colucci / Clar
Fabrizia Scaccia / Suzie
Roberto Tarsi / Stuart
Ensemble
Martina Bassarello
Benjamin Bemporad
Matteo Germinario
Silvia Giacobbe
Paolo Giammona
Ginevra Grossi
Clara Intorre
Alice Longo
Denis Scoppetta
BIGLIETTI
Prestige € 58,00 – Poltronissima € 49,00
31 dicembre ore 16,00
Prestige € 63,00 – Poltronissima € 54,00
31 dicembre ore 21,00
Prestige € 115,00 – Poltronissima € 97,00
Per acquisto:
biglietteria del Teatro
online
telefonicamente 027636901
circuito Ticketone

L’AMORE SCOPPIÒ DAPPERTUTTO
2025-01-10 20:00 - 2025-01-18 20:00 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Laura Marinoni © Laila Pozzo
Per Fabrizio De André
Dal 10 al 18 gennaio 2025
Ideato e diretto da Emilio Russo
Con Laura Marinoni
Arrangiamenti musicali di Alessandro Nidi
Musica dal vivo Nidi Ensemble
Pianoforte Alessandro Nidi
Percussioni Sebastiano Nidi
Trombone Filippo Nidi
Fisarmonica e sax Andrea Coruzzi
Arrangiamenti musicali di Alessandro Nidi
Costumi Pamela Aicardi
Luci Mattia De Pace
Total look di Laura Marinoni a cura di Antonio Marras
Produzione Tieffe Teatro in collaborazione con il Festival Teatrale di Borgio Verezzi
Dal 10 al 18 gennaio al Teatro Menotti ritorna in scena L’amore scoppiò dappertutto, un omaggio a Fabrizio De André tra parole e musica, con Laura Marinoni e un quartetto di musicisti con arrangiamenti di Alessandro Nidi.
Ventisei anni di assenza. Era l’11 gennaio 1999 e, per noi che restavamo, sembrava impossibile continuare le nostre vite senza Fabrizio De André, senza la sua musica, senza la sua poesia, senza il suo sguardo lucido e penetrante sul mondo. Ci sbagliavamo: è rimasto con noi, e la sua presenza è oggi più forte che mai, estendendosi anche alle generazioni che non l’hanno conosciuto in vita. La sua luce non si è affatto spenta.
Non per ricordarlo, poiché non ce n’è affatto bisogno, ma per festeggiarlo, abbiamo pensato ad uno spettacolo a modo nostro, tra le parole e la musica, con nuovi pensieri e ricordi che creano un intreccio di emozioni tra il palco e la platea. Sul palcoscenico una grande protagonista delle nostre scene LAURA MARINONI, che con sensibilità, energia e intensità “naviga” tra le parole e le canzoni lungo il filo rosso dei temi cari a Fabrizio De André.
Un viaggio senza soluzione di continuità, uno sguardo trasversale e originale, un racconto di parole e musica che spazia tra riferimenti alti (Baudelaire, Villon, Mutis) e storie degli ultimi, dei diseredati. In scena un quartetto di musicisti con gli arrangiamenti non convenzionali di ALESSANDRO NIDI in grado di dare nuove sonorità alle canzoni e ai momenti teatrali dello spettacolo.
Un atto d’amore per il più grande dei nostri cantautori, racchiuso in un titolo, che rappresenta anche uno dei suoi ultimi appunti. “E poi a un tratto l’amore scoppiò dappertutto”
Spettacolo sostenuto da NEXT- Laboratorio delle Idee

STAGIONE 2024 | 2025
BIGLIETTERIA
PREZZI

Intero – 32.00 € + 2.00 € prevendita
Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
Abbonamento Menotti Card 4 ingressi €60, 8 ingressi €110

TEATRO MENOTTI
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org
ORARI BIGLIETTERIA
Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
Acquisti online
ORARI SPETTACOLI:
Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

Il ritorno di CRISI DI NERVI. TRE ATTI UNICI DI ANTON ČECHOV
2025-01-21 20:00 - 2025-01-26 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Maddalena Crippa © Tommaso Le Pera
Regia di PETER STEIN
Adattamento di Peter Stein e Carlo Bellamio
L’Orso con Maddalena Crippa, Alessandro Sampaoli, Sergio Basile
I Danni del Tabacco con Gianluigi Fogacci
La Domanda di Matrimonio con Alessandro Averone, Sergio Basile, Emilia Scatigno
Assistente alla regia Carlo Bellamio
Scene Ferdinand Woegerbauer
Costumi Anna Maria Heinreich
Luci Andrea Violato
Produzione Tieffe Teatro / Quirino Srl
Recensione di Claudio Elli del 25 maggio 2024
Dopo il grande successo, che è valso a Peter Stein il Premio Le Maschere 2024 per la regia, lo spettacolo sarà di nuovo sul palco del Teatro Menotti di Milano dal 21 al 26 gennaio.
Il celebre regista tedesco Peter Stein dirige una straordinaria compagnia mettendo in scena CRISI DI NERVI. Tre atti unici di Anton Čechov e ritorna ad uno dei suoi autori di riferimento creando una non consueta modalità produttiva artistica attorno ad un gruppo di attori e collaboratori, per una continuità creativa collettiva di notevole spessore.
Stein ha scelto L’ORSO, I DANNI DEL TABACCO, LA DOMANDA DI MATRIMONIO e per l’interpretazione MADDALENA CRIPPA, ALESSANDRO AVERONE, SERGIO BASILE, GIANLUIGI FOGACCI, ALESSANDRO SAMPAOLI, EMILIA SCATIGNO che si alterneranno nelle varie pièce, che lo stesso Čechov non ancora trentenne definiva “scherzi scenici”: sono i drammi più piccoli del mondo… in generale, è molto meglio scrivere cose piccole che grandi: poche pretese e successo assicurato. Cos’altro? In realtà gli atti unici del grande autore russo sono stati rappresentati in tutto il mondo.
Scritti tra il 1884 e il 1891, questi atti unici si ispirano alla commedia francese e al vaudeville, generi molto in voga in Francia all’epoca di Čechov. Nel corso del tempo, hanno conquistato il pubblico di tutto il mondo e sono diventati una preziosa fonte di ispirazione per attori, scrittori e registi, oltre che un irresistibile divertimento per intere generazioni di spettatori.
Note di Regia
Dopo l’insuccesso delle sue prime due opere, il giovane Čechov giurò di non scrivere mai più per il teatro drammatico e decise di dedicarsi esclusivamente ai vaudeville. Questa circostanza ci ha regalato una serie di atti unici, pieni di sarcasmo, di comicità paradossale, di stravagante assurdità e di folle crudeltà, e che a loro volta sono diventati il terreno fertile per l’esperienza e la preparazione delle grandi opere della maturità dell’autore.
Nelle tre opere esemplari che presentiamo, i personaggi di volta in volta si fanno prendere da crisi di nervi, si ammalano, sono preda di attacchi isterici o litigano in continuazione fra loro.
Ne L’Orso il protagonista quasi muore dalla rabbia, per un debito che non gli viene rimborsato da parte di una donna, che lui arriva a sfidare a duello, per finire in ginocchio a chiederle di diventare sua moglie.
Ne I Danni del Tabacco un presunto oratore deve tenere una conferenza sugli effetti negativi del tabacco, ma, tra starnuti e attacchi d’asma, confessa in realtà di voler mettere fine alla vita disastrosa che conduce come marito della propria moglie.
Ne La Domanda di Matrimonio il futuro sposo, per timidezza e altre difficoltà fisiche, non riesce a porre alla futura sposa la fatidica domanda, e anzi si mette a litigare con lei, che a sua volta gli ribatte a muso duro ed è preda di un attacco isterico quando lui cade svenuto per ipocondria.
L’estrema comicità, l’esasperazione e gli eccessi di crudeltà utilizzati dall’autore, possono funzionare soltanto se accompagnati da un sottofondo realistico e psicologicamente giustificato. Comunque si tratta pur sempre di opere di Čechov. Sono questi i presupposti su cui gli attori hanno dovuto lavorare. Speriamo di averlo fatto con successo.
Peter Stein
Spettacolo sostenuto da NEXT- Laboratorio delle Idee
STAGIONE 2024 | 2025
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TEATRO MENOTTI
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Domenica ore 16.30
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NATALE IN CASA CUPIELLO di Eduardo De Filippo
2025-01-28 20:00 - 2025-02-02 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Natale in Casa Cupiello © Anna Camerlingo
28 gennaio | 2 febbraio
Luca Saccoia
Spettacolo per attore cum figuris
Un progetto a cura di Interno5 e Teatri Associati di Napoli
Con il sostegno della Fondazione De Filippo e Teatro Augusteo
Per i 90 anni di Natale in casa Cupiello
Ideazione Vincenzo Ambrosino e Luca Saccoia
Con Luca Saccoia
Spazio scenico, maschere e pupazzi Tiziano Fario
Regia Lello Serao
Produzione Teatri associati di Napoli/Teatro Area Nord e Interno 5
Premio dell’Associazione Nazionale dei Critici di Teatro per la stagione 2023
Premio Hystrio-Twister 2024
Dal 28 gennaio al 2 febbraio torna al Teatro Menotti “Natale in casa Cupiello”, un classico intramontabile del teatro italiano che ha conquistato importanti riconoscimenti. Lo spettacolo, apprezzato per la sua profondità e intensità della messa in scena, è stato insignito del Premio dell’Associazione Nazionale dei Critici di Teatro per la stagione 2023, confermandosi come una delle produzioni più apprezzate del panorama teatrale contemporaneo. Inoltre, ha ottenuto il prestigioso Premio Hystrio-Twister 2024, un riconoscimento assegnato dal pubblico agli spettacoli più amati e di maggior successo. Un appuntamento imperdibile per gli appassionati di teatro e per chi desidera riscoprire un capolavoro senza tempo.
Lo spettacolo è nato da un’idea di Vincenzo Ambrosino e Luca Saccoia, per la regia di Lello Serao, prodotto da Teatri Associati di Napoli/Teatro Area Nord e Interno e sostenuto dalla Fondazione Eduardo De Filippo e dal Teatro Augusteo. Una messinscena non convenzionale che vede un unico attore interagire con sette pupazzi realizzati dallo scenografo Tiziano Fario autore dell’intera scenografia e animati da un gruppo di manovratori costituito ad hoc per il progetto e coordinato da Irene Vecchia attraverso un laboratorio di formazione aperto ai giovani del territorio, svoltosi con il sostegno della Fondazione Campania dei Festival nell’ambito della rassegna “Quartieri di Vita” 2020.
Lo spettacolo, fedele al testo di Eduardo, evoca le vicende della famiglia Cupiello, aprendo uno squarcio dentro l’immaginario e la memoria di ogni spettatore. Un sogno che prende vita attraverso il teatro di figura nel quale l’attore Luca Saccoia s’immerge riemergendone come “Tommasino” che, dopo aver detto il fatidico “sì” a suo padre, rivive e fa rivivere quel “Natale” che ci accompagna da 90 anni. Eccolo, allora, farsi interprete a suo modo di una tradizione, testimone di un rito e di una rievocazione di fatti e accadimenti familiari comici e tragici che hanno segnato la sua vita e quella di quanti alla rappresentazione prendono parte. Per farlo e rendere ripetibile il rito, si serve di pupazzi, di figure che si rianimano dentro i suoi sogni/incubi, che continuano a riaffacciarsi ogni anno come il presepe e i suoi pastori. Si lascia sorprendere ancora una volta dalle storie che questi raccontano, vi prende parte, gli fornisce le battute, raccapezza il sogno di Luca Cupiello di smussare i conflitti attraverso il rituale del presepe. «Il presepe – così in una nota del regista – è l’orizzonte in cui si muove tutta l’opera, sia in senso reale che metaforico. È l’elemento necessario a Luca Cupiello per sperare in un’umanità rinnovata e senza conflitti, ma anche la rappresentazione della nascita e della morte. È il tempo del passaggio dal vecchio al nuovo, la miscela tra passato e presente, un’iconografia consolidata e, al tempo stesso, da destrutturare di continuo. Il presepe si rinnova ogni anno, è ciclico come le stagioni, può piacere o non piacere».
STAGIONE 2024 | 2025
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TEATRO MENOTTI
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PINOCCHIO da Carlo Collodi
2025-02-04 20:00 - 2025-02-09 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Pinocchio – Il Gatto e la Volpe © Teatro del Carretto
Dal 4 al 9 febbraio 2025

Teatro del Carretto
Adattamento e Regia Maria Grazia Cipriani
Scene e Costumi Graziano Gregori
Con Giandomenico Cupaiuolo, Elsa Bossi, Giacomo Pecchia, Giacomo Vezzani, Nicolò Belliti, Carlo Gambaro, Ian Gualdani, Filippo Beltrami
Suoni Hubert Westkemper, Luci Angelo Linzalata, Foto di scena Filippo Brancoli Pantera
Organizzazione MAT-Movimenti Artistici Trasversal
Produzione Teatro Del Carretto
Al Teatro Menotti dal 4 al 9 febbraio sarà in scena Pinocchio, uno spettacolo storico della Compagnia Teatro Del Carretto, che dal 2006 affascina pubblico e critica in Italia e all’estero. La pièce, ispirata al celebre racconto di Carlo Collodi, è un viaggio suggestivo e visionario attraverso le avventure del burattino più famoso al mondo, con una messa in scena che unisce poesia, teatro d’immagine e artigianalità.
Riconosciuto come una delle creazioni più significative del teatro contemporaneo, Pinocchio ha calcato prestigiosi palcoscenici internazionali, dagli Stati Uniti alla Russia, conquistando ovunque gli spettatori con la sua magia senza tempo. Lo spettacolo ha ricevuto prestigiosi riconoscimenti, tra cui il Premio E.T.I. Gli Olimpici del Teatro assegnato allo scenografo Graziano Gregori e il Premio del pubblico come miglior spettacolo al XIX Baltic House International Theatre Festival di San Pietroburgo.
«Ho pensato di fabbricarmi un bel burattino di legno…Il burattino deve ballare, tirare di scherma e fare i salti mortali»
Geppetto, misteriosamente custodendo nel suo corpo una scelta da adolescente, sogna di fabbricarsi un burattino meraviglioso e di girare con costui il mondo: viaggio da clown, da circo, avventuroso e illusionistico.
Pinocchio fa suo il sogno di Geppetto. Per realizzare quel sogno, egli dovrà toccare il fondo della sua sventura, fino a quando, trasformato in somaro, sarà stella della danza nel circo del Paese dei Balocchi e rischierà di diventare una pelle di tamburo per la banda.
Pinocchio è già riconosciuto come fratello dalle marionette del Teatro di Mangiafuoco: il suo ingresso trionfale nel mondo di quelle Maschere immortali sembra un battesimo ufficiale.
Qui egli raggiunge il luogo che spiega e motiva la sua nascita.
Da quel progetto accarezzato dal genitore (ridotto a puro fantasma nel ventre della balena) …passando attraverso il Carrozzone di Mangiafuoco (Suoni festosi di grancassa, il giubilo del Gran Teatro, attori che sembrano marionette e marionette che sembrano attori e la scena, straziante satira parodica della commedia popolare e del melodramma, in cui Pinocchio chiede a Mangiafuoco la grazia per “Arlecchino”);
… o presso la casa della fata, creatura dominata dal terrore di essere abbandonata, perduta, e costretta a sua volta a rischiare di perdere, abbandonare (ma anche quello della fata sembra essere un mondo teatrale con quei dottori e quei becchini grotteschi e surreali, con quel suo apparire e scomparire, resistendo sempre, di morte in vita, quella emblematica “massa” di capelli turchini);
…a quella ribalta che è il circo dove Pinocchio-somaro è costretto ad esibirsi;
…l’approdo è in un finale con il palcoscenico ormai vuoto quando, uscito dal sogno “di legno”, Pinocchio vede il suo simulacro abbandonato come un costume di scena.
Avventura onirica, notturna, di una notte definitiva, dove il giorno è solo recitato da sarcastici lampi temporaleschi e il destino del grande burattino si rivela, letteralmente, teatrale.
Maria Grazia Cipriani

STAGIONE 2024 | 2025
BIGLIETTERIA:
PREZZI

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Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
Abbonamento Menotti Card 4 ingressi €60, 8 ingressi €110

TEATRO MENOTTI:
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org

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Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
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Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

IL CALAPRANZI
2025-02-18 20:30 - 2025-02-23 15:45 | Teatro Franco Parenti Sala Blu, Via Pier Lombardo 14, Milano, Italia, 20135
Foto di scena: Il calapranzi – Giuseppe Scoditti, Dario Aita © 2025 Rosellina Garbo
Dal 18 al 23 Febbraio | Sala Blu
IL CALAPRANZI
di Harold Pinter
traduzione Alessandra Serra
regia Roberto Rustioni
con Dario Aita, Giuseppe Scoditti
scene e costumi Valentina Console
assistente alla regia Giuseppe Bongiorno
produzione Teatro Biondo Palermo
Durata 60 minuti
Dal 18 al 23 Febbraio, nella Sala Blu del Teatro Franco Parenti di Milano, Dario Aita e Giuseppe Scoditti, diretti da Roberto Rustioni, sono i protagonisti de Il calapranzi, uno dei testi più emblematici di Harold Pinter (The Dumb Waiter), scritto nel 1957 e andato in scena per la prima volta a Londra nel 1960. Lo spettacolo fa parte della prima stagione drammaturgica dell’autore in cui quasi tutte le opere sono metafora di un solo meccanismo, quello della violenza: violenza sotterranea, quasi impalpabile, ma che manifesta con scatti improvvisi tutta la sua furia oppressiva.
Nella traduzione di Alessandra Serra e con le scene di Valentina Console, Rustioni ripropone le atmosfere noir create da Pinter.
I protagonisti della pièce, Ben e Gus, sono due killer confinati in uno squallido e asfittico seminterrato, nel quale attendono istruzioni sulla vittima designata. Un misterioso mandante comunica con loro attraverso un montacarichi, il calapranzi appunto. Tra l’autoritario nervosismo di Ben e la pacata rassegnazione di Gus si configura una situazione surreale, che assurge a metafora della condizione umana.
Tra echi kafkiani e riflessioni filosofiche, assistiamo a una sorta di “varietà” dell’assurdo, nel quale possiamo riconoscere tutte le preoccupazioni e le angosce della nostra epoca.
NOTE DI REGIA
«Da tempo avevo il desiderio di lavorare su Harold Pinter non solo perché è uno degli scrittori di teatro più affascinanti e stimolanti che un regista possa affrontare, ma soprattutto perché è uno dei pilastri su cui si fonda la poetica della modernità. Insieme a Čechov, Beckett e Joyce, esplora la dimensione misteriosa della condizione umana mettendo in atto nella sua scrittura il nascosto, il non detto, ciò che non si vede ma che conta più di ogni altra cosa. (…) Ben e Gus si affrontano in continui conflitti dentro un perfetto ring tragicomico avvincente, duro e divertente: la loro lotta comica e disperata riflette una dimensione politica del testo. Si parla di potere, di violenza e di come la violenza sia strettamente legata al potere. In un atomo spazio/temporale, lo spazio di una stanza, il tempo di un’ora, attraverso una vicenda minimale ma coinvolgente, Il calapranzi ci dà la possibilità di scendere in profondità: quando prendiamo coscienza di come vanno le cose e iniziamo a farci delle domande sulla realtà che ci circonda e non ci accontentiamo più del nostro ruolo nel mondo… allora che succede? il potere che fa? Credo che chiunque di noi possa rispecchiarsi nella storia di Ben e Gus».
GLI INTERPRETI:
Dario Aita nasce a Palermo nel 1987. Dopo aver conseguito la maturità classica presso il Liceo “Giovanni Meli” di Palermo, nel 2011 si diploma presso la scuola di recitazione del Teatro Stabile di Genova. Nel 2009, mentre frequenta il secondo anno dell’accademia, viene scritturato per il ruolo da co-protagonista per il film La prima linea di Renato De Maria. Nel 2010, nuovamente diretto da Renato De Maria, debutta sul piccolo schermo nella fiction di Rai 1 Il segreto dell’acqua. Nel 2012 interpreta il ruolo di Bernardo Strano nella fiction Questo nostro amore, per la regia di Luca Ribuoli. Tra il 2015 e il 2016 torna a collaborare con il regista Luca Ribuoli in tre nuovi progetti targati Rai 1: la serie in costume Grand Hotel, la fiction L’allieva, tratta dai fortunati romanzi di Alessia Gazzola, e La mafia uccide solo d’estate, serie TV tratta dall’omonimo film di Pif, Nel 2016 è co-protagonista nel film Caffè di Cristiano Bortone, accanto a Miriam Dalmazio e in La cena di Natale di Marco Ponti.
Nel 2019, a partire dalla dodicesima stagione, entra a far parte del cast della fiction italiana campione di ascolti Don Matteo. Nel 2020 prende parte al film State a casa, per la regia di Roan Johnson, commedia nera ambientata in pieno lockdown, e al film Il giorno e la notte, regia di Daniele Vicari. La pellicola, disponibile dal 17 giugno 2021 su RaiPlay, è stata girata interamente a distanza durante la pandemia di COVID-19. Nel 2021 entra nel cast di Noi, per la regia di Luca Ribuoli. Lavora anche con il regista Paolo Sorrentino che lo dirige nel film Parthenope (2024) in concorso al Festival di Cannes.
Giuseppe Scoditti è un attore e autore barese, classe 1991. Si diploma in recitazione presso la Civica Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano nel 2014,dove studia, tra gli altri, con Maurizio Schmidt, Maria Consagra, Marco Plini, Ida Kuniaki, Laura Marinoni, Cesar Brie. Nel 2015 viene ammesso al Seminario di Alta Formazione Artistica per Attori “Il Corpo nelle Parole” presso il Centro Teatrale Santa Cristina fondato da Luca Ronconi e, nel 2017, al Corso di Alta Formazione per l’Attore di Emilia Romagna Teatro condotto da Ivica Buljan.
In teatro lavora con Massimo Navone, Fabrizio Arcuri, Massimo Verdastro, Luciano Melchionna, Rosario Lisma, Aldo Cassano, Bruno Fornasari, Michele Sinisi, Giampiero Solari.
Nel 2018 è protagonista della serie web “L’involontario”, regia de La Buoncostume, vincitriceal Roma Web Festival. Fonda il progetto Contenuti Zero Varietà di cui è attore e presentatore e con cui è in scena su importanti palcoscenici italiani. Nel 2019 partecipa al programma Quelli che il Calcio in onda su Rai 2. Al cinema lavora con Nanni Moretti nel film “Il Sol dell’avvenire” e con Pierluigi Ferrandini nel film “Percoco”. Partecipa a programmi televisivi come Quelli che il Calcio, Bar Stella su Rai2 e Italia’s Got Talent. È il fondatore del gruppo “Contenuti Zero” di cui è attore e presentatore. Nel 2020 scrive il suo primo stand up comedy show “1e95”. Nel 2023 debutta lo spettacolo teatrale “Paolo Sorrentino vieni devo dirti una cosa” , produzione Teatri di Bari, di cui è interprete e coautore con il regista Gabriele Gerets Albanese.
ORARI:
martedì 18 Febbraio – 20:30
mercoledì 19 Febbraio – 19:15
giovedì 20 Febbraio – 20:15
venerdì 21 Febbraio – 19:15
sabato 22 Febbraio – 19:15
domenica 23 Febbraio – 15:45
PREZZI:
SETTORE A (file A-F)
intero 38€
SETTORE B (file G-S)
intero 28€;
under26/over65/Carta giovani 18€;
convenzioni (valide tutti i giorni) 21€
GALLERIA (file T–Z)
intero 20€;
under26/over65/Carta giovani 16€;
convenzioni (valide tutti i giorni) 18€
Tutti i prezzi non includono i diritti di prevendita
INFO e biglietteria:
Biglietteria
via Pier Lombardo 14
02 59995206
biglietteria@teatrofrancoparenti.it

L’AVARO di Molière
2025-02-18 20:45 - 2025-03-02 15:30 | Teatro Manzoni di Milano, Via Alessandro Manzoni 42, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: L’avaro © Federico Pitto
Teatro Nazionale di Genova, a.ArtistiAssociati Centro di produzione teatrale
Teatro Stabile di Bolzano, Centro Teatrale Bresciano
presentano:
TEATRO MANZONI
Dal 18 febbraio al 2 marzo 2025
feriali ore 20,45 – domenica ore 15,30
sabato1° marzo ore 15,30 e 20,45
L’AVARO
di Molière
regia Luigi Saravo
traduzione e adattamento Letizia Russo
interpreti Ugo Dighero, Mariangeles Torres, Fabio Barone, Stefano Dilauro, Cristian Giammarini,
Paolo Li Volsi, Carolina Leporatti, Rebecca Redaelli, Luigi Saravo
musiche Paolo Silvestri
costumi Lorenzo Russo Rainaldi
scene Luigi Saravo, Lorenzo Russo Rainaldi
movimenti coreografici Claudia Monti
luci Aldo Mantovani
Ugo Dighero, già apprezzatissimo protagonista di opere di Stefano Benni e Dario Fo, si confronta per la prima volta con un grande classico, interpretando Arpagone nel nuovo allestimento diretto da Luigi Saravo.
Nella commedia di Molière si assiste a un epico scontro tra sentimenti e soldi. Il protagonista è disposto a sacrificare la felicità dei figli, pur di non dovere fornire loro una dote e anzi acquisire nuove ricchezze attraverso i loro matrimoni.
«L’Avaro di Molière ruota attorno a un tema centrale, cui tutti gli altri si riconnettono: il danaro – afferma il regista – Il conflitto tra Arpagone e il suo entourage è il conflitto tra due visioni economiche: una consumistica e una conservativa. Nella nostra contemporaneità, in cui vige l’imperativo di far circolare il danaro inseguendo una crescita economica infinita, il gesto immobilista di Arpagone, ossessionato dall’idea di non intaccare il proprio patrimonio, suona quasi sovversivo, in opposizione alla tirannia del consumo».
La regia di Saravo ambienta lo spettacolo in una dimensione che rimanda al nostro quotidiano, giostrando riferimenti temporali diversi, dagli smartphone agli abiti anni Settanta agli spot che tormentano Arpagone (la pubblicità è il diavolo che potrebbe indurlo nella tentazione di spendere il suo amato denaro). Anche le musiche originali di Paolo Silvestri si muovono su piani diversi, mentre la nuova traduzione di Letizia Russo, fresca e diretta, contribuisce a dare al tutto un ritmo contemporaneo.
A fianco di Ugo Dighero, Mariangeles Torres è impegnata in un doppio ruolo: sarà Freccia, il servitore che sottrae la cassetta di denaro di Arpagone, e la domestica / mezzana Frosina, ovvero i due personaggi che muovono l’azione, scatenando l’irresistibile gioco degli equivoci, sino al ribaltamento di tutte le carte in tavola.
L’Avaro di Molière: dall’analisi dei bisogni alla fine dei sogni – Note di Luigi Saravo
La narrazione de L’Avaro di Molière ruota attorno a un tema centrale, cui tutti gli altri si riconnettono: il danaro.
Il danaro e la sua conservazione, il suo sperpero, il gioco d’azzardo, l’acquisto di beni e il loro degrado che porta all’acquisto di nuovi beni, i prestiti, gli interessi e i rapporti di potere che dal danaro discendono.
Nella nostra contemporaneità orientata al consumo, definita dalla necessità di far circolare il danaro inseguendo una crescita economica infinita, il gesto conservativo e immobilista di Arpagone, dal punto di vista finanziario, ci suona come sovversivo, in netta opposizione alla tirannia consumistica, alla pubblicità che ne è motore, e a quella patologia del desiderio che vede nella sostituzione il suo fondamento. Se analizziamo il fulcro del testo, ovvero il conflitto tra Arpagone e il suo entourage, ci troviamo di fronte al conflitto di due visioni economiche: una consumistica di stampo capitalistico novecentesco e una, relativamente nuova, conservativa, che si oppone al consumo e si orienta alla conservazione dei beni, al loro riutilizzo, al loro scambio e, infine, alla protezione di essi, primi tra tutti quei beni definiti come “beni naturali”. Non vogliamo dire che Arpagone sia un eroe positivo, che sia mosso da una spinta ideologica, ma, senz’altro, che con la sua attitudine si ponga chiaramente in opposizione all’economia capitalistica novecentesca e più in linea con la visione conservativa. Intorno a lui si muovono gli altri personaggi, apparentemente vittime della sua tirannia, ma, in realtà, figure votate a ideali ben riconoscibili in questo slittamento di contesto. Queste figure lamentano la loro prigionia, la loro sottomissione forzata alle volontà di Arpagone, ma in realtà sono sottomesse soprattutto al vincolo economico che le lega a lui, potenzialmente capaci di sottrarsi a quella tirannia abbandonando la casa e gli averi promessi da eredità e salari. E in ultimo, per dirla con Voltaire: gli uomini odiano coloro che chiamano avari solo perché non ne possono cavar nulla.
PERSONAGGI e INTERPRETI:
ARPAGONE padre di Cleante e di Elisa, innamorato di Marianna Ugo Dighero
CLEANTE figlio di Arpagone, amante di Marianna Stefano Dilauro
ELISA figlia di Arpagone e sorella di Cleante, amante di Valerio Carolina Leporatti
VALERIO figlio di Anselmo, amante di Elisa Fabio Barone
MARIANNA amante di Cleante, amata da Arpagone Rebecca Redaelli
ANSELMO padre di Valerio e di Marianna Cristian Giammarini
FROSINA ruffiana Mariangeles Torres
MASTRO SIMON faccendiere Cristian Giammarini
MASTRO GIACOMO cuoco e cocchiere di Arpagone Paolo Li Volsi
SAETTA servo di Cleante Mariangeles Torres
COMMISSARIO Luigi Saravo
BIGLIETTI:
Prestige € 37,00 – Poltronissima € 34,00 – Poltrona € 26,00 – Poltronissima under 26 anni € 18,00
Per acquisto:
biglietteria del Teatro
online
telefonicamente 027636901
circuito Ticketone

Cure di masturbazione per rimanere sano, ovvero IL RE DEL PLAGIO di Jan Fabre
2025-02-19 19:30 - 2025-03-09 16:00 | Teatro Out Off, Via Mac Mahon 16, Milano, 20155, Italia
Foto di scena: Roberto Trifirò © Angelo Redaelli © Teatro Out Off
Dal 19 febbraio al 9 marzo
Teatro Out Off, Milano
PRIMA NAZIONALE
Regia, interpretazione Roberto Trifirò
Scene, costumi, luci Gianni Carluccio
Traduzione e drammaturgia Roberto Trifirò
Assistente alla regia Tommaso Di Pietro
Tecnico Iacopo Bertrand Bonalumi Lottieri
Produzione Teatro Out Off
Debutta in prima nazionale, mercoledì 19 febbraio al Teatro Out Off, Cure di masturbazione per rimanere sano, ovvero IL RE DEL PLAGIO di Jan Fabre, monologo con la regia, l’adattamento drammaturgico e l’interpretazione di Roberto Trifirò. Prosegue così la quarantennale relazione tra l’opera e la poetica del regista fiammingo e il Teatro Out Off diretto da Mino Bertoldo; iniziato nel 1985 e mai interrotto, questo legame si è ulteriormente rinforzato nel 2023, con l’ospitalità in prima nazionale al Teatro Out Off di Peak Mytikas. (On the top of Mount Olympus) e, nel 2024, con il Festival Fabre, oltre che con numerose produzioni del Teatro Out Off su testi di Fabre. E proprio uno dei suoi monologhi “manifesto” sull’arte e sulla sua idea di posizione dell’artista nel mondo porta in scena Roberto Trifirò dal 19 febbraio al 9 marzo: con il testo Il re del plagio Fabre propone una profonda riflessione sul tema dell’autenticità, reiterando il credo artistico della sua opera. Il re del plagio è l’artista-ciarlatano, che difende l’imitazione come strumento di bellezza e di fragilità per creare arte e, allo stesso tempo, per plasmare la propria identità artistica. Un testo di metateatro, in cui Fabre smaschera l’artificio scenico e rigetta radicalmente il concetto di originalità come assioma artistico.
Come un imperatore, l’attore-re si rivolge frontalmente al pubblico, con lo scopo di sedurlo: in modo ingenuo e spontaneo gli chiede di rispettarlo, stimarlo e accettarlo; si mette alla prova, ricerca, ripete. Il re del plagio è un angelo che vuole diventare uomo, che vuole rinunciare alla sua immortalità ed essere ascoltato da un tribunale composto da “scimmie chiacchierine” – perché è così che vede gli umani- per giustificarsi, difendersi ed essere ammesso nell’olimpo dell’umanità. Per riuscirci, ha dovuto prima di tutto imparare a “parlare con le parole degli altri”, a plagiare appunto.
Il testo, riadattato e interpretato da Roberto Trifirò, ha più livelli di lettura: la caduta dell’angelo, la genesi dell’uomo, la riflessione sull’imitazione in generale e, più concretamente, sull’imitazione nell’arte, e infine, l’elogio dell’intertestualità. Il tema della copia e della falsificazione non sono nuovi nell’opera di Fabre: ne Il re del plagio, che forma un dittico con L’imperatore della perdita del 1994, la genesi dell’uomo è chiaramente associata alla sua capacità d’imitazione. Il testo riflette anche sul dualismo tra l’arte in quanto creazione ex nihilo (romanticismo e modernismo) e l’arte in quanto cultura mimetica (rinascimento e post-modernismo).
«L’uomo non si crea mai a partire dal niente, ma attraverso l’esempio di altri esseri umani. L’uomo è per definizione “cultura”, e non “natura originale”. Il desiderio dell’angelo di diventare umano deriva dal fatto che gli uomini possono prendere dei rischi, subire dei fallimenti, perdere la partita, ma anche desiderare e gioire, al contrario dell’angelo che è al di sopra di tutto. L’angelo vuole diventare umano per poter comprendere gli uomini: un’aspirazione il cui tema è stato interpretato in modo mirabile nel film Il cielo sopra Berlino di Wim Wenders. L’angelo che vuole diventare uomo, nell’opera di Fabre, è l’angelo che abiura il pensiero dell’originalità e che difende il caos socioculturale della letteratura e dell’arte come genio dell’imperfetto, l’arte umana per eccellenza. Si pensi alla celebre asserzione del filosofo e scrittore Paul Valéry: “Ce qui est fini, n’a pas été fait.” (Cahiers, 1894-1914). Il re del plagio combatte contro l’ossessione dell’originalità, della purezza e del fondamentalismo creativo. L’intertestualità e il plagio sono qualità umaniste: lo scambio di conoscenze, di testi, di frasi, di parole, dal primo disegno rupestre fino alla copia, sono l’impronta attuale. Il desiderio profondo dell’angelo di diventare uomo non implica in alcun caso un’immagine idealizzata di quest’ultimo. Si tratta, al contrario, dell’amore che suscita l’uomo nel suo difficile esercizio d’equilibrio tra l’angelo e il diavolo che sono in lui. «È tempo di diventare umani e di comprendere che siamo dei mostri.» Mostri nel senso di Frankenstein: l’uomo che si crea, che si clona. Il re del plagio prende anche in prestito, nel suo processo di umanizzazione, delle parti dal pensiero di Albert Einstein, Gertrude Stein, Ludwig Wittgenstein e dalle quattro “Stein” alle quali John Brockman ha dedicato un libro negli anni ‘80.» Roberto Trifirò.
INFORMAZIONI:
Teatro OUT OFF via Mac Mahon 16, Milano
Dal 19 al 23 febbraio; dal 26 febbraio al 2 marzo; dal 5 al 9 marzo 2025
ORARI SPETTACOLI:
mercoledì, venerdì e sabato ore 19.30
giovedì ore 20.30
domenica ore 16.00
PRENOTAZIONI:
0234532140 | M. biglietteriaoutoff@gmail.com
Biglietteria aperta da lunedì a venerdì dalle ore 10.00 alle ore 16.00.
Ritiro biglietti negli uffici in via Principe Eugenio 22 dal lunedì al venerdì dalle ore 11.00 alle ore 13.00.
Ritiro biglietti in botteghino via Mac Mahon 16 dal mercoledì alla domenica un’ora prima dello spettacolo.
PREZZI:
Intero: 20€ | Under26: 14€ | Over65: 10€
Spettacolo inserito nell’abbonamento Invito a Teatro.
ABBONAMENTI:
OutCard 50€ 4 ingressi a scelta per uno o più spettatori/spettatrici.
J&S Card – Junior (under26) & Senior (over65) 45€ 6 spettacoli.
Passepartout Promozione riservata ai residenti del Municipio 8; acquistando la tessera a 10€ ingresso a 6€ per tutti gli spettacoli in programma.
Trasporti pubblici: M5 FERMATA CENISIO; TRAM 14; TRAM 12; AUTOBUS 78

EZRA IN GABBIA o il caso Ezra Pound
2025-02-19 20:30 - 2025-02-23 16:00 | Piccolo Teatro Grassi, via Rovello, 2 – M1 Cordusio, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Ezra in gabbia – Mariano Rigillo © Pino Le Pera
Piccolo Teatro Grassi, dal 19 al 23 febbraio
Scritto e diretto da Leonardo Petrillo
con MARIANO RIGILLO

Dal 19 al 23 febbraio, Mariano Rigillo e Anna Teresa Rossini portano in scena Ezra in gabbia o il caso Ezra Pound al Teatro Grassi
Piccolo Teatro Grassi (via Rovello 2 – M1 Cordusio), dal 19 al 23 febbraio 2025
Ezra in gabbia
o il caso Ezra Pound
scritto e diretto da Leonardo Petrillo
liberamente tratto dagli scritti e dalle dichiarazioni di Ezra Pound
con Mariano Rigillo e Anna Teresa Rossini
scene Gianluca Amodio
costumi Lia Francesca Morandini
disegno luci Enrico Berardi
musiche Carlo Covelli
aiuto regia Mario Rinaldoni
produzione TSV – Teatro Nazionale, OTI – Officine del Teatro Italiano
nell’ambito del progetto VenEzra promosso dalla Regione Veneto
Quella di Ezra Pound rinchiuso in gabbia è un’immagine emblematica, che genera rifrazioni tra la vicenda biografica del poeta, che conobbe una lunga prigionia in un manicomio giudiziario, e rimanda, allo stesso tempo, alle incrostazioni e alle interferenze ideologiche che lo hanno legato a una fama controversa.
Sul palcoscenico, Mariano Rigillo, diretto da Leonardo Petrillo – che firma anche la drammaturgia – colloca l’immagine di Pound nella cornice della purezza dell’arte e della sua poesia.
Lo spettacolo ha debuttato al Teatro Goldoni di Venezia, città in cui il poeta americano è sepolto. La Serenissima è stato il luogo della bellezza, della nostalgia e della libertà per Pound, figura di riferimento in quel raffinato circolo intellettuale veneziano che dialogava con uomini e donne di cultura internazionale, come Peggy Guggenheim o Ernest Hemingway.
Delle visioni e delle acque di Venezia, ultima amata dimora, sono intrisi quasi tutti i Cantos, evocati in scena da Anna Teresa Rossini.

Orari: giovedì e sabato ore 19.30; mercoledì e venerdì ore 20.30; domenica, ore 16
Durata: 105 minuti senza intervallo
Prezzi: platea 33 euro, balconata 26 euro
Informazioni e prenotazioni 02.21126116 – www.piccoloteatro.org

RIGOLETTO. La notte della maledizione
2025-02-25 20:00 - 2025-03-02 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Rigoletto – Marco Baliani © Guido Mencari
TEATRO MENOTTI FILIPPO PEREGO
25 febbraio – 2 marzo 2025
di e con Marco Baliani
e con
Giampaolo Bandini (chitarra), Cesare Chiacchiaretta (fisarmonica)
Musiche Giuseppe Verdi, Nino Rota, Cesare Chiacchiaretta
Foto Guido Mencari
Una produzione Casa degli Alfieri Soc. Coop., Società dei Concerti di Parma
in collaborazione con Teatro Regio di Parma
Prima milanese
Arriva al Teatro Menotti di Milano, dal 25 febbraio al 2 marzo, “Rigoletto. La notte della maledizione” di e con Marco Baliani, accompagnato da Giampaolo Bandini, alla chitarra, e da Cesare Chiacchiaretta, alla fisarmonica, una produzione Società dei Concerti di Parma, in collaborazione con il Teatro Regio di Parma.
La nostalgia per la donna amata, la gelosa premura nei confronti della figlia, la sete di vendetta contro chi minaccia la sua purezza: i sentimenti di Rigoletto, che la musica di Verdi ha reso immortali, rivivono nell’animo e nella storia di un clown che si esibisce in un piccolo teatro di periferia. Davanti allo specchio, mentre trasforma col trucco il suo viso, si prepara per una serata speciale, quella in cui si consumerà la sua vendetta, sotto gli occhi di tutti. Pensieri, rancori, ricordi si susseguono in un monologo accompagnato, interrotto e per certi versi ostacolato da una musica sempre presente.
«Rigoletto è un monologo, quindi per farlo c’è bisogno di un personaggio in carne e ossa, spirito e materia – scrive Marco Baliani – È uno dei motivi che mi ha spinto a questa impresa. Poter rivestire per una volta la pelle di un altro e starci dentro dall’inizio alla fine: è una gioia particolare per me che in scena da narratore non ho mai la possibilità di calarmi interamente nelle braghe di chicchessia, sempre devo stare vigile a controllare e dirigere l’intero svolgersi della vicenda. Quando invece dirigo altri attori, loro sì, sono personaggi e li invidio sempre un po’, perché so che vuol dire poter essere un altro fisicamente e spiritualmente, una sensazione di pienezza, aver generato un altro avvicina noi uomini al mistero della duplicazione femminile». E ancora: «la seconda motivazione è stata la mia passione per gli esseri del circo, ma quei circhi piccoli, non eclatanti, non amo i “soleil” circensi fatti di effetti speciali e artisti al limite della robotica per la bellezza scultorea e bravura millimetrica del corpo. No, preferisco la rozzezza faticosa ma meravigliosa di quei circhi dove chi strappa i biglietti te lo ritrovi dopo vestito da pagliaccio e il trapezista sa anche fare giocolerie, esseri nomadi, zingarescamente affamati di vita, mi prende uno struggimento totale quando varco quei tendoni, a percepire la fatica quotidiana di un vivere precario ma impeccabile. Volevo fare un omaggio alle cadute, alle sospensioni, alle mancanze di appoggi».
Con Rigoletto. La notte della maledizione Baliani dà vita alla prima di tre tappe di scoperta dell’impianto drammaturgico di alcune opere verdiane, sottraendo il melò e portandolo verso un più spietato dramma, quello che sta al fondo dell’opera come cuore pulsante. Partendo dalla figura di Rigoletto, procederà con il Trovatore e la Traviata. Ogni volta la scrittura muterà spessore e forma, così come mutevole sorprendente sarà l’interpretazione fisica e posturale di Marco Baliani.
STAGIONE 2024 | 2025
BIGLIETTERIA
PREZZI:

Intero – 32.00 € + 2.00 € prevendita
Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
Abbonamento Menotti Card 4 ingressi €60, 8 ingressi €110

TEATRO MENOTTI:
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org
ORARI BIGLIETTERIA:
Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
Acquisti online
ORARI SPETTACOLI:
Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

GIOBBE al Teatro Out Off di Milano
2025-03-13 20:30 - 2025-03-16 16:00 | Teatro Out Off, Via Mac Mahon 16, Milano, 20155, Italia
Foto: Federico Olivetti, regista – Giobbe © Drama Teatro e Teatro dei naufraghi – Teatro Out Off Milano
Dal 13 al 16 marzo
Teatro Out Off, Milano
Quattro serate uniche per approfondire la figura di Giobbe con autorevoli personalità del mondo della cultura.
In scena:
GIOBBE
regia e scenografia Federico Olivetti
con Paolo Musio, Francesco Sferrazza Papa e Flavio Capuzzo Dolcetta
drammaturgia Paolo Musio, Federico Olivetti
scenografia e costumi Emanuela Dall’Aglio
luci Carmine Marino
suono Claudio Tortorici
produzione Drama Teatro e Teatro dei naufraghi
Ogni sera, lo spettacolo è preceduto da quattro diversi incontri con Emanuele Trevi, Enzo Bianchi, Luigi Zoja e Haim Baharier
Prosegue la stagione del Teatro Out Off con quattro serate d’eccezione che vedranno eminenti personalità del mondo della cultura dialogare, da prospettive differenti, intorno ai temi, di grande attualità, spessore e complessità, affrontati nello spettacolo Giobbe, produzione Drama Teatro e Teatro dei naufraghi, in scena per la prima volta a Milano da giovedì 13 a domenica 16 marzo: introdurranno lo spettacolo, analizzando le tematiche presenti nella storia biblica, il critico letterario e scrittore premio strega 2021 Emanuele Trevi (13 marzo), il saggista e monaco cristiano – fondatore della Comunità monastica di Bose – Enzo Bianchi (14 marzo), lo psicoanalista e sociologo Luigi Zoja (15 marzo) e il filosofo, studioso e scrittore francese Haim Baharier, tra i massimi esperti di ermeneutica biblica e del pensiero ebraico (16 marzo). Ogni serata sarà dunque un evento unico, grazie agli incontri che precederanno lo spettacolo Giobbe, con Paolo Musio, Francesco Sferrazza Papa e Flavio Dolcetta, la regia di Federico Olivetti, che firma anche la drammaturgia insieme a Paolo Musio, e i costumi di Emanuela Dall’Aglio, Premio Ubu 2021 per i Migliori Costumi e Premio della critica 2012.
Con questi quattro eventi, che uniscono gli incontri allo spettacolo, il teatro Out Off offre al pubblico la possibilità di interrogare il libro di Giobbe, riflettere da diversi punti di osservazione e approfondire i temi di uno dei più complessi e controversi testi della Bibbia. Il testo e lo spettacolo, “rischiarati” da queste voci, assumeranno così, di replica in replica, lineamenti differenti.
Sinossi
Giobbe è un uomo sapiente e ricco. Possiede molte terre, molti animali, servi, figlie e figli. Un giorno Satana propone a Dio una scommessa: se gli permetterà di toccare i beni di un uomo, qualunque uomo, anche il migliore – quell’uomo lo maledirà. Dio è d’accordo e affida a Satana Giobbe. Satana toglie a Giobbe ogni cosa e lo affligge di una malattia che gli procura dolore atroce in tutto il corpo. Tre personaggi arrivano da lontano per portargli conforto. Ma il loro proposito fallisce.
Lo spettacolo
Nello spettacolo con la regia di Olivetti, Giobbe giace sotto un cielo sordo, senza speranza, divorato dall’angoscia, dalla rabbia e dallo sdegno. Insieme a Giobbe, sono in scena un ragazzo e un uomo che non accettano la sua condizione e che vedono la sofferenza dell’uomo, innanzitutto, come un errore. La salute, conseguentemente, è vista come un dovere. Il ragazzo, vestito da Arlecchino, è un illusionista che propone a Giobbe la cura dell’artificio: dipinge di cielo le pareti della sua casa malata, alleggerisce i suoi passi, distende il suo pensiero. L’uomo, un beduino, è invece l’avvocato di Dio: accusa Giobbe e vuole che si riconosca responsabile della propria sofferenza: “chi semina miseria, sempre miseria mieterà” dice, affermando così che chi vive nella pena, senza dubbio ne è responsabile.
La vita di Giobbe è quasi meccanica: sbriga le faccende quotidiane, senz’anima, senza propositi, senza alcun orizzonte. Spogliati da ogni valore, i giorni di Giobbe si rivelano come un’angosciosa, incessante, ripetizione. In questo deserto di umanità, in cui non c’è “niente di nuovo sotto il sole” (da un altro libro sapienziale, il Qoelet), Giobbe si pone come la voce di una fede folle che nessuna catastrofe può abbattere. La sua certezza è che “nei cieli impossibili”, dove la ragione è cieca, ci sia un principio ordinatore che raccoglie in sé tutte le cose, l’uomo e la storia.
«Perché la sofferenza degli innocenti? Questa è stata la prima domanda con cui ho iniziato la mia ricerca. Non c’è parola che possa giustificare un simile scandalo. Mi sono indirizzato allora a un personaggio mitico – Giobbe – al quale la Bibbia dedica un intero libro, forse il più difficile fra tutti».
Federico Olivetti, regista.
La leggenda di Giobbe è terribilmente attuale: in essa la questione del Male è oggetto di un dibattito appassionato, irrisolto e, forse, irrisolvibile. Lo spettacolo non vuole dare risposte ma piuttosto porre domande e suggerire la possibilità di un altro ordine delle cose. Un ordine non comprensibile razionalmente ma solo intuibile, attraverso l’arte che è sospensione della vita ordinaria.
Gli incontri prima e compartecipanti dello spettacolo
Al centro dello spettacolo ci sono due grandi interrogativi: Se Dio esiste, perché c’è il male? Perché vivere, se nel mondo c’è il male? Emanuele Trevi introdurrà lo spettacolo da una prospettiva letteraria, Enzo Bianchi proporrà una analisi teologica, il sociologo e psicoanalista junghiano Luigi Zoja suggerirà un approfondimento dal punto di vita psicologico mentre Haim Baharier proporrà una riflessione filosofica. Gli incontri saranno occasione per offrire spunti di riflessione sul libro di Giobbe e sullo spettacolo. Ogni incontro permetterà quindi di guardare lo spettacolo in modo diverso e da più punti di vista.
Federico Olivetti si è laureato in Storia e Filosofia all’Università di Padova. È stato assistente di Jacques Lassalle, Benno Besson, Bernard Sobel e Jean Francois Sivadier. È stato assistente e dramaturg per Massimo Castri e Luca Ronconi. È stato attore per Anton Milenin, Giancarlo Cobelli e Carlo Cecchi. Ha lavorato per Peter Stein come drammaturgo. Al fianco di Bruce Myers ha debuttato alla regia, allestendo Romeo e Giulietta per la scuola del Teatro Stabile di Torino. Ha fondato la compagnia “La rabbia giovane”, mettendo in scena Persona, Sonata d’autunno, Les Riens di Bergman, Il tempo e altrove di Isaksson, Onora il padre e la madre di Kieslowski, La signorina Else di Schnitzler, Creditori e Danza di morte di Strindberg. Ha partecipato al progetto quadriennale “Isola della Pedagogia” condotto da Anatolij Vasiliev a Venezia e a Wroclaw.
Emanuele Trevi scrittore e critico letterario, ha pubblicato recentemente Sogni e favole, Due vite (con cui ha vinto il Premio Strega) e La casa del mago.
Enzo Bianchi monaco cristiano e saggista, fondatore della Comunità di Bose; tra i suoi oltre 300 libri: La vita e i giorni. Sulla vecchiaia; Siamo tutti assetati. Gesù e la samaritana; L’arte della preghiera.
Luigi Zoja sociologo e psicoanalista, ha pubblicato ultimamente – per Bollati Boringhieri – Centauri. Alla radice della violenza maschile, Paranoia e Il declino del desiderio.
Haim Baharier matematico e psicanalista, allievo di Emmanuel Levinas; insegna Talmud e Torah. Il libro La Genesi spiegata da mia figlia è nato da un ciclo di incontri presso il Teatro Dal Verme a Milano.
INFORMAZIONI e PRENOTAZIONI:
Teatro OUT OFF via Mac Mahon 16, Milano
Programma e orari:
Giovedì 13 marzo ore 20:30: apre Emanuele Trevi; a seguire lo spettacolo
Venerdì 14 marzo ore 19:30: apre Enzo Bianchi; a seguire lo spettacolo
Sabato 15 marzo ore 19:30: apre Luigi Zoja; a seguire lo spettacolo
Domenica 16 marzo ore 16.00: apre Haim Baharier; a seguire lo spettacolo
Prezzi e biglietteria:
Intero: 20€ | Under26: 14€ | Over65: 10€
Tel.: 0234532140 | M. biglietteriaoutoff@gmail.com
Biglietteria aperta da lunedì a venerdì dalle ore 10.00 alle ore 16.30Ritiro biglietti negli uffici in via Principe Eugenio 22 dal lunedì al venerdì dalle ore 11.00 alle ore 13.00.
Ritiro biglietti in botteghino via Mac Mahon 16 dal martedì alla domenica un’ora prima dello spettacolo.
ABBONAMENTI:
OutCard 50€ 4 ingressi a scelta per uno o più spettatori/spettatrici.
J&S Card – Junior (under26) & Senior (over65) 45€ 6 spettacoli.
Passepartout Promozione riservata ai e alle residenti del Municipio 8; acquistando la tessera a 10€ ingresso a 6€ per tutti gli spettacoli in programma.

Trasporti pubblici: M5 fermata Cenisio; tram 14; tram 12; autobus 78

STORIA DI UN CINGHIALE - Qualcosa su Riccardo III
2025-03-14 20:30 - 2025-04-06 16:00 | Piccolo Teatro Studio Melato, Via Rivoli, 6, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Storia di un cinghiale – Francesco Montanari, Gabriel Calderòn © Masiar Pasquali
Piccolo Teatro Studio Melato
dal 14 marzo al 6 aprile 2025

Prima nazionale
Gabriel Calderón
STORIA DI UN CINGHIALE
Qualcosa su Riccardo III
con Francesco Montanari
Una nuova produzione Piccolo Teatro di Milano e Carnezzeria
Un re che per diventare tale ha dovuto eliminare tutti i possibili rivali; un attore che finalmente ha ottenuto il ruolo della vita. Dal 14 marzo al 6 aprile, al Teatro Studio Melato, Gabriel Calderón affida a Francesco Montanari un monologo che è un’originale “variazione sul tema” di Riccardo III, in cui i confini tra epoche e identità si fanno labili, sullo sfondo di una stessa realtà di ambizione, sete di potere, violenza repressa
Classe 1982, cofondatore, nel 2005, in Uruguay, della compagnia Complot – con cui ha creato una trentina di spettacoli, collaborando, tra gli altri, con Sergio Blanco – Gabriel Calderón è per la prima volta al Piccolo, dal 14 marzo al 6 aprile, sul palco del Teatro Studio Melato, per dirigere la produzione in lingua italiana di un suo lavoro di successo, Storia di un cinghiale. Qualcosa su Riccardo III, protagonista Francesco Montanari. Ispirato al capolavoro di Shakespeare, il testo racconta la vicenda di un attore di teatro che non ha mai avuto la soddisfazione di interpretare un ruolo da protagonista. Ora che finalmente è arrivato il suo momento, desidera sfruttare al meglio l’opportunità. A poco a poco, si accorge di un’inquietante affinità tra la sua vita e quella del personaggio: ambizione, rabbia repressa, sete di riscatto, opportunismo… Interpretandone il celebre monologo, ritrova in se stesso i lati oscuri del sovrano di York. Da vent’anni impegnato sui palcoscenici del mondo, Calderón ci parla dei pericoli del palcoscenico, teatro di passioni violente, non sempre soltanto simulate, e affida a Francesco Montanari il ruolo del protagonista.
Uno sconfinato numero di allusioni al mondo animale affolla la scena shakespeariana nella sua globalità: geniale e feconda creatrice di visioni, l’immaginazione del Bardo si serve di caratterizzazioni zoomorfe per stabilire nessi e raffronti con la dimensione umana e sondarne gli obliqui anfratti della psiche. Ad esempio, nella rappresentazione dei mostruosi e sanguinari tratti dell’antieroe machiavellico Riccardo III, protagonista dell’omonima tragedia, emerge la figura del cinghiale, in una varietà di tracce – dalla funzione di stemma araldico all’impiego di traslati, come nel caso del sogno di Lord Stanley, ed epiteti – che racchiudono il valore emblematico dello specifico rimando ferino. Muovendo proprio da questo reticolo di corrispondenze, che si sedimenta in un vibrante monologo affidato all’intelligenza e all’energia interpretative di Francesco Montanari, il regista e drammaturgo uruguaiano Gabriel Calderón presenta, per la prima volta, un suo lavoro al Piccolo Teatro di Milano.
Originale “costola” del Riccardo III shakespeariano, Storia di un cinghiale gioca con l’espediente metateatrale in un tormentato percorso di introspezione e disvelamento che porta un attore a impersonare il ruolo dello spietato e repellente tiranno, e a riconoscere in sé passioni e impeti analoghi a quelli del monarca villain. Il cinghiale diventa così uno “specchio morale” dentro cui precipitano non solo i pensieri, i turbamenti e le recondite pulsioni dell’interprete in scena ma anche i nostri stessi occhi, nell’inestricabile viluppo dei contrastanti moti d’animo – del bene e del male – che definiscono la natura umana.
Claudio Longhi
Fare teatro per porsi domande
Conversazione con Gabriel Calderón
(dal programma di sala dello spettacolo)
Gabriel Calderón, partiamo dal titolo. Perché Storia di un cinghiale?
Il cinghiale è un simbolo, è un animale che riveste diversi significati nella storia di Riccardo III. Per prima cosa, è presente sullo stemma della famiglia York, la casata del futuro re. Secondariamente è bianco, un’eccezione, esattamente come lo è il cigno nero. Candido ma non meno temibile: incarna l’ambizione del potere, non manifesta particolare intelligenza, né destrezza fisica, non è il padrone della foresta, ma si distingue per la brutalità con cui si scaglia a tutta velocità in una precisa direzione.
Da dove nasce l’idea alla base del testo e dello spettacolo?
Lo spunto per scrivere Storia di un cinghiale mi è stato offerto da Gustavo Saffores, un attore uruguayano che è anche un mio grande amico, e dalla regista che voleva lavorare con lui [al Piccolo, Saffores è stato in scena in due spettacoli diretti dal drammaturgo e regista uruguayano Sergio Blanco, presentati nel 2022 all’interno del Festival Presente Indicativo: per Giorgio Strehler (paesaggi teatrali), ossia Cuando pases sobre mi tumba e El bramido de Düsseldorf]. Per dar seguito al loro desiderio, ho incontrato Gustavo, gli ho domandato quale ruolo avrebbe sempre voluto interpretare e lui mi ha parlato di Riccardo III. Personalmente, ho sempre pensato che il teatro non sia altro che una scusa per stare con gli amici e che proprio per questo sia il più bel lavoro del mondo: è un pensiero che si può capire meglio nel contesto uruguayano, dove non abbiamo un sistema teatrale professionale, e, per sopravvivere, svolgiamo mille altri mestieri. Di giorno, c’è chi va in banca, chi è professore a scuola, chi impiegato in azienda, ma quando arrivano le sette, le otto di sera, mentre tutti tornano a casa propria, noi, appassionati di questa strana professione, ci ritroviamo per far teatro fino a notte fonda. Inesorabilmente, arriva sempre un momento in cui ci domandiamo: «Ma perché, mentre tutti i miei amici se ne vanno a casa, dalle mogli e dai figli, io me ne sto qui a provare uno spettacolo? Che senso ha? Perché lo facciamo, se non ne ricaviamo neanche di che vivere?». Perciò, se lo si fa, deve essere almeno con persone insieme alle quali si abbia il piacere di stare e per le quali valga la pena rubare tempo alla famiglia. Non è il banale esercizio di fare del teatro un luogo di amicizia, semmai è l’opposto: è conferire valore al tempo condiviso facendo teatro. Nel caso specifico, poiché non era stato semplicemente un attore a cercarmi, ma un amico, ho pensato: vediamo se riesco a esaudire il sogno di una persona cara e, allo stesso tempo, se sono capace di sfidare me stesso in quanto autore, a riassumere un’opera tanto complessa come Riccardo III in un progetto per un solo interprete, raccontando anche tutto l’universo di sentimenti che si cela dietro all’ambizione di un attore che per tutta la carriera sarebbe voluto essere Riccardo III…
Che cosa rappresenta Shakespeare per te?
Le arti – e il teatro in particolare – per me sono come una barzelletta che dura troppo. Qualcuno la racconta in un dato momento, ma, non si sa bene come, finisce per attraversare i secoli arrivando fino a noi.
Probabilmente accadeva lo stesso a Shakespeare, che, all’epoca, cercava di sopravvivere, con i suoi amici e di certo non pensava: «Un giorno mi porteranno in scena al Piccolo, o in un paese dell’Africa…». Per la maggior parte del tempo, gli artisti combattono per risolvere problemi pratici, quotidiani, ma è anche vero che qualcosa di quello di cui ci parlano finisce per risuonare in altre ere e in altre geografie. Accade a Shakespeare come a chiunque si ponga un problema umano. Di quest’opera in particolare, ciò che produce un’eco nei nostri mondi è che tutti noi artisti ci impegniamo allo spasimo per ottenere qualcosa, nello stesso modo in cui Riccardo III si adopera, anima e corpo, per conquistare il trono. È bravissimo ad architettare tutto il piano per trasformare il suo sogno in realtà, ma una volta diventato re è incapace di mantenere il potere. Riccardo III è la grande metafora dei teatranti: siamo eccezionali quando creiamo qualcosa – lo spettacolo – che non durerà. Il teatro per il quale, ogni sera, do tutto me stesso scompare al calare del sipario. Ed è per questo che non vedrò mai più uno spettacolo di Strehler, uno di Ronconi, uno di quel tale regista africano che lo sta creando nel preciso istante in cui noi stiamo parlando: il teatro si perde nel tempo.
Perché hai pensato a un “teatrino nel teatro” e a questo tipo di costume?
Lo spettacolo racconta la storia di un attore che non ha mai avuto la possibilità di essere Riccardo III e finalmente l’ha ottenuta. Me lo sono immaginato come uno che sta ai bordi del palcoscenico, ignorato, uno che guarda gli altri interpretare grandi ruoli e deve sforzarsi di mantenere alto il livello delle particine che gli toccano; vede il pubblico andare a complimentarsi con i protagonisti, legge recensioni che non lo menzionano mai… Mi sono immaginato questa figura di attrice o di attore come una persona in disparte, ai margini. Così ho chiesto al team artistico, allo scenografo Paolo Di Benedetto e al costumista Gianluca Sbicca, di pensare a tutto quello che in teatro è stato tralasciato. Ai dispositivi che sono caduti in disuso – cordami, carrucole, legno… – perché sostituiti da altro. Ci troviamo al Teatro Studio Melato – che è come un piccolo Globe Theatre – e mi sono detto: «Perché non ripartiamo da un minuscolo teatrino di legno, da corde, fondali, parrucche, trucco, da tutti quei materiali che sono stati accantonati, che al nostro occhio contemporaneo appaiono superati?». È un tratto del mio carattere: non mi interessa “imitare la vita”, rifuggo dal realismo, per lo meno nella mia poetica. Se sono spettatore, non ho alcuna preclusione, ma quando scrivo e dirigo, amo recuperare linguaggi antichi, elementi “di scarto” ma ancora funzionanti: nulla è più bello di un sipario che si apre, di un tendaggio che si solleva. Non sono un conservatore: semplicemente, in teatro, il mio talento è quello del rigattiere, mi piace cercare il nuovo nell’antico.
Hai spiegato che lo spettacolo è nato da una speciale relazione che avevi con un attore. Come hai fatto e come fai, quindi, a riallestirlo in paesi e lingue diverse, con interpreti con i quali non possiedi una relazione tanto esclusiva?
È come fare piccoli “esercizi di amicizia”… Ogni volta che mi trovo a riallestire questo testo, non organizzo audizioni: do appuntamento al candidato in un bar e stiamo un po’ di tempo insieme. In quella circostanza, si capisce immediatamente se stiamo portando avanti la conversazione soltanto perché si tratta di lavoro o se invece è nata una reale sintonia. In teatro siamo tutti molto bravi a essere amabili, ragion per cui il tempo trascorre sempre in maniera gradevole; esistono però segnali, elementi che mi fanno capire se può nascere un’intesa autentica con un attore: con Francesco Montanari, i quaranta minuti inizialmente previsti per conoscerci sono diventati un’ora e mezza, in cui abbiamo parlato di tutto, di teatro, di vita, di altri testi, perché Francesco stava lavorando su Koltès, che è un autore che mi interessa molto. Io non parlo italiano, lui non conosce lo spagnolo, ma abbiamo comunicato in una sorta di lingua franca e il tempo è volato. È fondamentale che si stabilisca una relazione profonda e immediata tra attore e regista, perché il monologo è una forma teatrale molto esigente nei confronti di entrambi. Quando si lavora con una folta compagnia di attori e attrici, gli interpreti hanno delle pause e il regista si confronta con differenti tipi di energia. In questo caso, i poli dell’azione sono due soltanto, e se il gioco non funziona è un guaio.
Il tema non è dirigere uno spettacolo in una lingua diversa, ma dirigere un attore diverso: la lingua non è altro che il corpo che la incarna. È ovvio che io non imparerò l’italiano in poche settimane, ma apprenderò la lingua di Francesco, ciò che lui, con il suo corpo e con il suo modo di recitare, può fare. Il primo giorno di prove Francesco aveva già la memoria completa del testo, paradossalmente lo conosceva molto meglio di me che l’ho scritto. Si immagina che l’autore, in quanto tale, sia onnisciente, ma in verità l’attore conosce il testo molto meglio di lui! Perciò si instaura una sorta di strana competizione, in cui io, che sarei l’originale, mi ritrovo a inseguire l’attore, la copia, che conosce la mia opera a menadito e parla perfettamente una lingua che io non domino. Gli do delle indicazioni pensando a uno spettacolo recitato in una lingua non mia, e che sarà visto da un pubblico che la parla perfettamente… è una gara che sono destinato a perdere, ma che proprio per questo mi esalta!
Che sensazione ti dà essere al Piccolo?
Da uruguaiano, da cittadino dell’America Latina, penso di trovarmi in una condizione teatralmente utile di “periferia del mondo”. Non che con questo io voglia dire che il mondo abbia un centro: però è evidente che esistono forze, non solo determinate dal capitale, che comportano una differente qualità di vita nelle diverse aree del globo. Il teatro, per sua natura, è più vicino al margine, è una periferia che coltiva relazioni con il centro: i teatri elisabettiani erano collocati sull’altra sponda del Tamigi, ma sopravvivevano solo se avevano accesso al palazzo dei sovrani. Oggi accade lo stesso: noi teatranti non apparteniamo a una classe abbiente – oserei direi che non siamo neppure classe media – ma il nostro target è un pubblico dall’elevato tenore di vita. Siamo un sobborgo che al tempo stesso è parassita del centro, siamo attratti da classi sociali e mondi ben lontani dal nostro, anche se ci piace starne fuori, essere diversi, lavorare di notte, non dover timbrare il cartellino… Poi c’è una seconda questione, che sempre si verifica, in Uruguay, quando si portino in scena Shakespeare o Molière o Pirandello: sembra quasi esista un canone, un modo “giusto” di farlo. Ma prima di andare a capire che cosa significhi “fare bene” Shakespeare, dobbiamo pensare che siamo in Uruguay: chi vuoi che sappia che stiamo allestiamo il Bardo quaggiù? La cosa diviene più problematica qualora capiti di essere programmati in Europa, magari al Piccolo o al Festival di Avignone, ed ecco che arriva un esperto in letteratura inglese e ti dice: «Ah, si vede che lei ha una profonda conoscenza di Shakespeare!». Appare evidente che siamo tutti vittime di un equivoco e che qualcuno, da qualche parte, se la ride di noi. Al di là di tutto, il punto è che la strada scelta per uno spettacolo ha molto più a che vedere con la consapevolezza e la coscienza del proprio contesto, che non con un’autorità che, dall’esterno, ci attribuisca un attestato di conformità… La vera domanda, quella che tutti dovremmo rivolgerci, è: «Che cosa significa fare Shakespeare in questo momento, nella mia città?». E vale per tutti, per il teatro commerciale, per quello d’autore, in Malesia, in Europa, in America Latina, perché solo così si farà uno spettacolo che abbia senso. Essere al Piccolo, significa calpestare palcoscenici che altri, in epoche diverse, hanno calcato nutrendo analoghe preoccupazioni. Non penso al Piccolo come al teatro dal grande prestigio internazionale – che è fuor di dubbio. Penso, piuttosto, che questo teatro sia quello che è perché molti artisti, nelle sue sale, si sono chiesti: «Che senso ha fare teatro? Perché lo faccio?». Il mio compito è difendere quel dubbio. Adoro la contraddizione di un teatro che si chiama Piccolo ma è grandissimo! È un paradosso che mi sembra avere una grande eco shakespeariana: il maestro inglese scriveva opere consacrate a momenti grandiosi della storia – Enrico V, Giulio Cesare, Riccardo III… – ma poi li portava in scena in piccoli teatri, con una compagnia ristretta. Questa dialettica grande / piccolo è profondamente teatrale, perché tutti noi, quando lavoriamo a un progetto, pensiamo di stare facendo qualcosa di gigantesco, mentre in realtà il nostro lavoro è minuscolo… Terza cosa, esiste un rapporto profondo del Piccolo con il mio Paese: un grande maestro del teatro uruguaiano – Antonio Larreta – fu assistente di Giorgio Strehler per due anni, a metà degli anni Cinquanta. Oggi è il mio turno, il mio momento per aggiungere un mattone a quella storia, perché altri artisti uruguaiani possano venire dopo di me.
Nel tempo dalla globalizzazione, tutto si muove, tutto è sempre più interconnesso, tranne gli artisti che hanno meno opportunità di spostarsi. Poter vivere un’esperienza teatrale qui è condividere gli stessi problemi, sicuramente con abissali differenze culturali e sociali, ma ponendosi le stesse domande: «Piaceremo al pubblico? Venderemo i biglietti? Riusciremo a far spegnere i cellulari ai ragazzi?» Questa possibilità di uno scambio è una forma di resistenza anche più importante dello spettacolo che nascerà. La gente di teatro si impegna molto nella completa inutilità; al contrario, tante persone di potere – imprenditori, politici… – vogliono avere ma non intendono fare. Noi teatranti siamo un monito costante, che ricorda loro che la vita non è solo possedere e conservare, come in un museo delle cere, ma è perdere tempo nel mettersi alla prova insieme …. per non ottenere niente! Riccardo III è maestro nel tendere a qualcosa che non è capace di mantenere e questo fa sì gli rivolgiamo uno sguardo di umana comprensione. Ed ecco la meraviglia di Shakespeare: inventare un personaggio terrificante, che incute timore quando carica come un cinghiale, ma forse è migliore di quel che abbiamo sempre pensato.
OLTRE LA SCENA:
TEATRO IN PLATEA
I problemi del fare – masterclass con Gabriel Calderón
Gabriel Calderón, regista e autore di Storia di un cinghiale. Qualcosa su Riccardo III, dedica al pubblico del Piccolo Teatro una masterclass di drammaturgia, tra pratica e teoria, legata ai “problemi del fare”. Non essere. Non sapere cosa fare. Non venire compresi. Una triade che rimanda al rapporto diretto dell’autore con la pagina bianca, ma anche all’identità dell’artista e alla sua capacità di saper cambiare di segno alle proprie debolezze. Perché scrivere significa anche «accettare tutto ciò che non siamo, tutto ciò che non sappiamo, per trasformare le nostre risorse imperfette in parte fondante della creazione».
Sabato 15 marzo, ore 11, Teatro Studio Melato
con Gabriel Calderón e Teresa Vila (traduttrice del testo)
CHI È DI SCENA?
Incontri pre-spettacolo a pochi minuti dall’andata in scena: un momento informale di confronto tra pubblico e operatori del teatro sui temi dello spettacolo.
Martedì 18 e giovedì 27 marzo, ore 18, Teatro Studio Melato
PAROLE IN PUBBLICO
Variazioni Shakespeariane: da Riccardo al “cinghiale”
L’opera di Shakespeare, fin dalle origini, è stata oggetto di variazioni, innesti e commistioni, ispirando varianti teatrali e, in epoca più recente, cinematografiche. Da queste premesse, Arturo Cattaneo, professore di Letteratura inglese all’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, illustrerà alcune delle varianti e “contraffazioni” più significative di Riccardo III, avviando un confronto con Francesco Montanari, protagonista del monologo di Gabriel Calderón, dove la materia shakespeariana si stempera in un gioco di rifrazioni e travestimenti, trasformandosi una intensa meditazione sui meccanismi del teatro e della rappresentazione.
Mercoledì 26 marzo, ore 18, Chiostro Nina Vinchi
con Arturo Cattaneo e Francesco Montanari. Modera Anna Piletti
Piccolo Teatro Studio Melato (via Rivoli 6 – M2 Lanza), dal 14 marzo al 6 aprile 2025
Storia di un cinghiale. Qualcosa su Riccardo III
liberamente ispirato a Riccardo III di William Shakespeare
scritto e diretto da Gabriel Calderón
traduzione Teresa Vila
scene Paolo Di Benedetto
costumi Gianluca Sbicca
luci Manuel Frenda
con Francesco Montanari
produzione Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, Carnezzeria
foto di scena Masiar Pasquali
Orari: martedì, giovedì e sabato, ore 19.30; mercoledì e venerdì, ore 20.30; domenica ore 16.00.
Le recite dal 4 al 6 aprile sono sovratitolate in italiano e inglese.
Durata: 75 minuti
Prezzi: platea 40 euro, balconata 32 euro

ENEIDE di Virgilio
2025-03-18 19:30 - 2025-03-23 16:00 | Teatro Out Off, Via Mac Mahon 16, Milano, 20155, Italia
Foto © Teatro Out Off Milano
Dal 18 al 23 marzo
Teatro Out Off, Milano
ENEIDE
di Virgilio
Traduzione Rosa Calzecchi Onesti
Adattamento e interpretazione Paolo Musio
Spazio sonoro/Composizione Francesca Fabrizi
Produzione TPE – Teatro Piemonte Europa / Festival delle Colline Torinesi
Lettura dei 12 libri del poema Eneide di Virgilio articolata in sei serate.
Martedì 18 marzo ore 19:30 Libri 1-4: durata h 2:30
Mercoledì 19 marzo ore 19:30 Libri 5-8: durata h 1:40
Giovedì 20 marzo ore 19:30 Libri 9-12 durata h 1:30
Venerdì 21 marzo ore 19:30 Prima metà. Libri 1-6: durata h 3:35
Sabato 22 marzo ore 19:30 Seconda metà. Libri 7-12: durata h 2:15
Domenica 23 marzo ore 16:00 Lettura integrale. Libri 1-12: durata h 6
L’Eneide racconta la fuga da una città in fiamme per una guerra. Molti, oggi fuggono o tentano invano di fuggire da città in fiamme. L’Eneide racconta quanto poco operi la ragione nelle cose umane, mostrando l’insensatezza della guerra, racconta viaggi pericolosi di profughi per mare, naufragi, separazioni e abbandoni, lutti, errori nel tenere la rotta, errori nell’interpretazione dei segni dai quali ognuno cerca di far derivare le proprie scelte, cerca di decifrare il proprio destino, sia esso o no quello di fondare una città. L’Eneide racconta collisioni ma anche incontri tra mondi, Oriente ed Occidente tra dialogo e conflitto. In questo scenario la diversità delle culture è all’origine della complessità del presente al punto che, ora come allora, possiamo felicemente scoprire che gli stranieri, i diversi, i senza patria siamo noi.
Fuori dalla logica antologica, il percorso completo attraverso i 12 libri dell’Eneide di Virgilio dà la possibilità di trovare le relazioni tra le parti, percepire il quadro complessivo, seguire i vari motivi che vi si intrecciano come correnti sottomarine visibili da increspature sul mare.
La lunga durata, il permanere a lungo nel racconto, nell’intrico di emozioni, azione e riflessioni della più alta poesia è un tentativo di rispondere con lo strumento attivo dell’immaginazione al consumo di microscopiche parti, di brandelli di emozioni, per lo più orrori, ma anche stupore o bellezza da stereotipi, che ci vengono somministrati ogni giorno.
Brecht chiama “pensieri paralizzanti” quei pensieri che ci impediscono azioni di contrasto nei confronti di chi o cosa con il suo operato nega la nostra libertà, crea e perpetua ingiustizia e così facendo distrugge le fondamenta del nostro vivere civile. La lettura pubblica dell’Eneide, esperienza insieme intima e condivisa, è vissuta da Paolo Musio come un atto politico, contro i “pensieri paralizzanti”, a partire da un’idea di mondo come modificabile.
“Alla fine del primo libro dell’Eneide, Didone ordina che si prepari una grande festa in onore di Enea e dei suoi compagni, per celebrare l’incontro. Tutti gli invitati, come anche gli ospiti, sono arrivati lì da terre lontane, c’è una città nuova da costruire, tante aspettative, ma nessuno sa nulla di cosa li attende in futuro. È una lunga notte in cui tutto sembra possibile. Un aedo intona una canzone, la musica riecheggia nelle grandi stanze del palazzo. Dopo tanto dolore, tanta fatica, tanti pericoli sempre diversi e – noi lo sappiamo – prima di altrettante difficoltà, speranze tradite, rovesci di fortuna, per una notte, donne e uomini riuniti in nome dell’ospitalità ascoltano un cantore che ricorda loro l’avvicendarsi delle stagioni, il cielo stellato che tacitamente gira sopra le loro teste, il corso della luna e del sole. Quella notte essi sentono in sé tutto lo splendore e la fragilità della condizione umana. Sul finire della notte, Didone, sul nascere di un amore, chiede ad Enea di raccontare la sua storia. Ripercorrerla è doloroso ma necessario. L’eco di quella notte giunge fino a noi, ci chiama, siamo tutti, a pieno diritto, invitati a partecipare.” Paolo Musio
Paolo Musio Attore e autore di testi e di adattamenti teatrali. Diplomatosi come attore presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” di Roma nel 1987, ha collaborato, in parti di rilievo o come protagonista, in Italia e all’estero, con i seguenti registi: Trionfo, Patroni Griffi, Salveti, Testori, Squarzina, Castri, Terzopoulos, Barberio Corsetti, Waas, Cirillo, Nekrosius, Ronconi, Cobelli, Martone, Rambert, Bogomolov, Popolizio, Lenton, Deflorian. Nel 1993 fonda la compagnia Quellicherestano, con la quale realizza spettacoli da testi di autori come Brecht, Jarry, Achternbusch, Büchner, Müller, Lorca, Strindberg, Plauto, Schwab, Moravia. Tra gli adattamenti: Il banchiere anarchico da F. Pessoa, Eremos da C. Michelstaedter, L’uomo invisibile da H. G. Wells e E. M. Cioran, Il bosco da Robert Walser. A partire dal 2002 avvia una ricerca personale che lo porta a promuovere progetti interdisciplinari che coinvolgono artisti e musicisti tra cui Thorsten Kirchhoff, Daniel Bacalov, Riccardo Ancona. Nel 2012 inaugura lo spazio Idiòt a Torino, nel quartiere di Porta Palazzo, uno studio d’artista che si apre al pubblico in occasione di eventi. Idiòt è un progetto interdisciplinare basato su educazione e sguardo sulla società, ricerca teatrale, attenzione ai vari linguaggi dell’arte contemporanea. Per Idiòt allestisce gli spettacoli Voce, con Thorsten Kirchhoff, Uomo invisibile, Furore da Steinbeck, Sotto la scure silenziosa dal De rerum natura di Lucrezio. È tra i docenti collaboratori dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico” di Roma.
INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI:
Teatro OUT OFF via Mac Mahon 16, Milano
Orari spettacoli:
Martedì 18 marzo ore 19:30 Libri 1-4: durata h 2:30
Mercoledì 19 marzo ore 19:30 Libri 5-8: durata h 1:40
Giovedì 20 marzo ore 19:30 Libri 9-12 durata h 1:30
Venerdì 21 marzo ore 19:30 Prima metà. Libri 1-6: durata h 3:35
Sabato 22 marzo ore 19:30 Seconda metà. Libri 7-12: durata h 2:15
Domenica 23 marzo ore 16:00 Lettura integrale. Libri 1-12: durata h 6
Le durate si intendono con intervalli.
BIGLIETTERIA:
Tel. 0234532140 | Mail biglietteriaoutoff@gmail.com
Biglietteria aperta da lunedì a venerdì dalle ore 10.00 alle ore 16.00.
Ritiro biglietti negli uffici in via Principe Eugenio 22 dal lunedì al venerdì dalle ore 11.00 alle ore 13.00.
Ritiro biglietti in botteghino via Mac Mahon 16 dal martedì alla domenica un’ora prima dello spettacolo.
PREZZI:
Intero: 20€ | Under26: 14€ | Over65: 10€
ABBONAMENTI:
OutCard 50€ 4 ingressi a scelta per uno o più spettatori.
J&S Card – Junior (under26) & Senior (over65) 45€ 6 spettacoli.
Passepartout Promozione riservata ai residenti del Municipio 8; acquistando la tessera a 10€ ingresso a 6€ per tutti gli spettacoli in programma.
Trasporti pubblici: M5 FERMATA CENISIO; TRAM 14; TRAM 12; AUTOBUS 78

AUTORITRATTO di Davide Enia
2025-03-25 19:30 - 2025-04-17 19:30 | Piccolo Teatro Grassi, via Rovello, 2 – M1 Cordusio, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Festival dei Due Mondi © Andrea Veroni
Al Teatro Grassi, dal 25 marzo al 17 aprile 2025
Davide Enia
Autoritratto
Tra orazione civile e racconto personale:
Cosa Nostra e la quotidianità del male
«A Palermo, tutti possediamo una costellazione del lutto in cui le stelle sono persone ammazzate da Cosa Nostra». Partendo dalla cronaca degli anni Ottanta e dalle bombe del ‘92, intorno alla quale costruisce una coinvolgente intelaiatura biografica, Davide Enia, artista associato, torna al Teatro Grassi – dal 25 marzo al 17 aprile – dopo la rappresentazione sacra di Eleusi, nel giugno 2023, per tracciare «un autoritratto intimo e collettivo» di una comunità costretta a convivere con la continua epifania del male.
A partire dallo spettacolo, Davide Enia firma
Autoritratto. Istruzioni per sopravvivere a Palermo
pubblicato l’11 marzo per i tipi di Sellerio
«Affrontare per davvero Cosa Nostra – racconta Davide Enia – significa iniziare un processo di autoanalisi. Non volere quindi capire in assoluto la mafia in sé, quanto cercare di comprendere la mafia in me.»
Intrecciando cunto e parole, corpo e dialetto, «gli strumenti che il vocabolario teatrale ha costruito nella mia Palermo», Enia esplora quella che definisce la nevrosi dei suoi concittadini nei confronti della criminalità organizzata: «Per diverse ragioni, da noi la mafia è stata minimizzata, sottostimata, banalizzata, rimossa o, al contrario, mitizzata. Ovvero: non è mai stata affrontata per quello che è.»
Lo spettacolo racconta i continui incontri con Cosa Nostra: i cadaveri incontrati per strada, le persone conosciute uccise dalla mafia, le bombe in città, l’apparizione del male, «il sacro nella sua declinazione di tenebra», alla quale l’artista risponde con «un lavoro che è una tragedia, un’orazione civile, una interrogazione linguistica, un processo di autoanalisi personale e condiviso. Un autoritratto al contempo intimo e collettivo.»
Nel suo romanzo d’esordio, Così in terra (2012), Davide Enia scriveva: «Se c’è una cosa che la Mafia non ha, ed è quello che prima o poi la fotterà, è la capacità di capire la bellezza». Ed è proprio la bellezza – intesa non come vuoto estetismo, sfoggio esteriore di artifici, ma come capacità di fare a meno del “superfluo” per andare dritto al cuore della realtà – a contraddistinguere da sempre il percorso artistico dello stesso Enia, animato da una palpitante e urgente passione etico-civile e sorretto da una vivida architettura epico-corale.
Ne è ulteriore prova quest’ultimo lavoro, Autoritratto: distillato purissimo di una tradizione monologante che si radica nel cunto e risplende in una partitura di suoni e ritmi, dove le parole si sposano con i gesti e i silenzi, perché – secondo un adagio palermitano spesso ricordato da Enia – «’a megghiu parola è chìdda ca ’un si rìce» («la miglior parola è quella non detta»). Il lavoro di Enia vive, riluce, si innerva del patrimonio espressivo del dialetto siciliano, atto d’amore per la propria terra e la propria lingua: e, in quanto tale, manifesto di denuncia che, con lucido rigore e umana pietas, scava tra le devastazioni di Cosa Nostra, presenza pervasiva e insieme fantasmatica.
Con la sua testimonianza, Enia racconta una storia che è di tutti noi: ci aiuta, così, a cambiare il nostro respiro e a liberarci dagli effetti anestetizzanti dell’epoca del «trauma senza trauma» (Daniele Giglioli). C’è in lui una maestria antica – e, dunque, profondamente contemporanea – che lo porta a incarnare quanto lo studioso di teatro Claudio Meldolesi affermava a proposito dell’attore in scena: «non è fino in fondo un uomo dell’attualità; […] egli avvicina il pubblico con sapienza lontana. L’attore ci offre una dimensione primitiva del presente».
Claudio Longhi
Autoritratto di una generazione
Conversazione con Davide Enia
(estratto dell’intervista per il programma di sala dello spettacolo)
Perché, dopo venticinque anni di lavoro teatrale, oggi hai sentito la necessità di portare in scena uno spettacolo in cui parli dell’impatto che la mafia ha avuto sul tuo personale vissuto?
Autoritratto è una riflessione sulle strutture linguistiche che hanno costruito il deposito di inconscio collettivo della realtà in cui sono nato e cresciuto. Racconta il rapporto nevrotico di un intero bacino culturale, quello del Mediterraneo – nel caso specifico la città di Palermo – con Cosa Nostra. La parola nevrosi riassume l’atteggiamento di chi ha sottostimato Cosa Nostra, l’ha minimizzata, l’ha banalizzata, l’ha negata, l’ha rimossa o l’ha mitizzata: si è fatto di tutto, insomma, pur di non affrontarla per quello che era. Diventa quindi una riflessione, l’ennesima, sull’atto della scrittura e sul dispositivo del teatro: perché scrivere un testo che parla di Cosa Nostra pensato per la scena? Perché mi interessa il movimento che è proprio del teatro: riuscire, astraendosi dal tempo della rappresentazione, a condividere un’esperienza che impatta, a livello comunitario, sulla coscienza collettiva e, al tempo stesso, sull’esperienza intima di ogni singolo spettatore e spettatrice. Parlo di alcuni episodi cruciali della storia d’Italia che coincisero con le settimane del mio esame di maturità: le bombe che uccisero Giovanni Falcone e Paolo Borsellino, vicende sulle quali, ancora oggi, non è stata stabilità la verità dei fatti. Diceva uno dei miei compagni di scuola di allora: come si può vivere nel Paese delle mezze verità? Noi sappiamo benissimo – è il teatro che ce lo insegna – che la verità è sempre innominabile e richiede la mediazione artistica perché ne affiorino i contorni, perché emerga dai luoghi dell’inconscio. Così, con Autoritratto, spogliamo i teatri, li lasciamo vuoti, privi di quinte, quasi fossero il deposito dell’inconscio. Non sappiamo che cosa troveremo su ogni singolo palcoscenico, come non sappiamo che cosa si annida nell’intimo di ciascuno di noi: ne scorgiamo dei segni, che è necessario nominare perché possa avere inizio l’opera di cicatrizzazione. Tutto questo per dire che Autoritratto è l’ennesimo lavoro che si inscrive nella logica del rituale, della necessità di dare un nome alle cose perché possano essere risolte, superate, affrontate e quindi, finalmente, abbandonate.
Come hai costruito la drammaturgia dello spettacolo?
Nel lavoro di ricerca per Autoritratto, oltre a consultare la sterminata letteratura sul tema, ho parlato a lungo con i miei coetanei di allora, tutte persone che vissero a Palermo in quel tempo. Ho avuto inoltre il privilegio di incontrare tre funzionari, ora in pensione, della DIA, la Direzione Investigativa Antimafia. Perciò anche questo, come tutti i miei lavori – ma come, credo, ogni testo che viene scritto – è un’operazione plurale, sempre filtrata dalla soggettività di chi scrive, che prende la responsabilità di firmare o a volte “si appropria” delle parole di altri. È un lavoro che non può prescindere dalla pluralità delle voci, anche perché, in un momento dello spettacolo, lo dichiaro in maniera molto trasparente: io non ho memoria alcuna del 23 maggio 1992, del giorno in cui Giovanni Falcone, Francesca Morvillo e gli agenti della scorta furono uccisi. In una città in cui tutti si ricordano dov’erano in quel momento, cosa stavano facendo e con chi, io sono stato sicuramente attraversato da un carico emotivo di tale portata che mi ha trapassato e svuotato. Così, per quella parte dello spettacolo, mi sono aggrappato ai ricordi degli altri, mentre ho ricordi precisi, come racconto, di tutto il resto. Un altro elemento riguarda la dinamica di relazione che abbiamo a Palermo: i “gradi di separazione” tra noi e quei nomi sono pochissimi. Padre Pino Puglisi non è stato il mio professore di religione: lo è stato di migliaia di ragazzi e ragazze che frequentavano il liceo Vittorio Emanuele II; se io abitavo di fronte alla casa di Paolo Borsellino, altri vivevano nella strada del giudice Falcone; io racconto di aver visto a otto anni, tornando da scuola, il primo morto ammazzato, ma se non l’avessi visto io, sarebbe toccato a mia madre, a mio padre o a mio fratello, perché di questi numeri, di queste entità si parla…
Si chiama Autoritratto ma a parlare è un’intera generazione, che in quegli anni stava diventando maggiorenne, un’intera città, un intero bacino culturale che prova in qualche modo a confrontarsi con quanto è accaduto, a richiedere con urgenza che venga raccontata la verità di quegli eventi. Fino a qualche anno fa non mi ritenevo pronto ad affrontare un tema così capitale, per la costruzione linguistica dell’essere umano, che si fonda su tutta quella foresta di simboli, ipotesi e prospettive, di luoghi bui e baratri che vive dentro di noi perché ero ancora troppo vicino alle vicende di cui avrei dovuto parlare: il filtro del tempo permette allo sguardo di farsi chirurgo, consente di non essere sconvolti trovando tratti di somiglianza con quello che si vorrebbe fosse il più lontano possibile da noi. È ovvio – come lo è stato per un altro mio spettacolo, L’abisso – che se non avessi fatto terapia per dieci anni non avrei avuto gli strumenti per riuscire a rianalizzarmi e ad ascoltare anche le voci delle persone che mi parlavano, voci che con enorme generosità mi hanno offerto prospettive nuove e hanno trovato le parole che io stesso non riuscivo a far emergere dall’oscurità che ho dentro.
Che cos’è, per te, Palermo?
Palermo è una città che o si vive con immediata ostilità epidermica o ti irretisce in maniera viscerale e ti lascia a terra innamorato in un lago di sangue: io faccio parte di questa seconda schiera di persone. È una città che, a volte, alimenta dentro di me molta rabbia; è piena di occasioni perdute, ha talento, una fortissima commistione multiculturale e un’enorme carica di energia fertile. Non è una città morta, nonostante attraversi nuovamente un periodo di crisi. Sta subendo una violentissima turisticizzazione di massa, ma continua ad avere grandi riserve di vitalità, che sgorgano tutte dal basso, da ragazzi e ragazze che s’impegnano tantissimo nel volontariato. Io avevo semplicemente un bisogno disperato di tutta quell’energia: c’è molto egoismo nel mio essere tornato, da Roma, a vivere a Palermo che, dal punto di vista artistico, non avevo però mai abbandonato.
Come hai lavorato, con Giulio Barocchieri, alla parte musicale dello spettacolo?
Affronto ogni operazione di scrittura – sia essa una drammaturgia, una semplice regia o un romanzo – come fosse una sinfonia, un organismo compatto che, al suo interno, ha momenti di pausa e di accelerazione, temi che ritornano, con uno sviluppo lineare, anche se poi, quella linea tende a divenire sempre un cerchio… Pensando ad Autoritratto, avevo chiaro che gli interventi musicali di Giulio Barocchieri avrebbero avuto il suono dei primi anni Novanta, dei Portishead per capirci; un suono elettronico, sporco, perché sporca è quella realtà, difficile da decifrare, priva di nitidezza, torbida, cattiva. Gli altri suoni sono quelli che il corpo può ricreare cercando di spostare immediatamente la geografia del presente della sala in un altrove che è Palermo. Ci sono le abbanniate, le urla dei venditori, che immediatamente ti fanno pensare di trovarti al mercato di Ballarò. Sono nate il primo giorno di prove, quando ho iniziato ad abbanniare insieme a Giulio e Ciccio (Francesco) Vitaliti, che cura il suono dello spettacolo. Loro mi hanno registrato e poi abbiamo trascorso un giorno cercando di trascrivere quello che avevo detto, che era incomprensibile perché volevo confondermi con la voce di un muezzin dal minareto, come se davvero si trattasse di qualcosa che ti trasporta in un altrove… In un altro momento dello spettacolo, dopo una scena terribile – la deposizione processuale relativa all’omicidio del piccolo Giuseppe Di Matteo – non sapevo come proseguire: ne usciamo con un’abbanniata prima, poi con una pagina musicale di Giovanna Marini, che è sempre stata un po’ la mia “Diego Armando Maradona”… È un Miserere che cantiamo innestandolo in un percorso di profanazione del sacro o sacralizzazione del profano, perché i suoni possiedono già il nucleo del significato, sono il significante in grado di slabbrare la percezione del presente per entrare emotivamente in chi ascolta, facendogli comprendere il calibro esatto del sentimento che si sta provando a descrivere.
Parlaci ancora delle abbanniate…
Le parole della prima abbanniata che pronuncio non sono casuali, tutt’altro. Dicono: «Affacciatevi, tutti quanti, uscite sul balcone, scendete in strada che devo vendere le cose, domani non ci sono, non mi trovate più, ho le quaglie, ho cose da mangiare, ho cose che non ho, ho cose che neanche desideri, ho cose che non sai e se non le compri devi buttare il sangue». Era interessante: un’antica tecnica pubblicitaria di vendita molto cruda, ma che racconta in poche parole Palermo. Ce n’è poi un’altra, che ho scritto io, che dice: «Che sono belle queste cose, le ho portate io, che al mondo non c’è nessuno bello come me, quanto sono bello!» Mi piaceva questa sorta di auto incensazione dell’abbanniatore: inizia Giulio e poi, sempre attraverso le abbanniate, cominciamo a costruire un mercato. È un momento che si inscrive anch’esso nella ritualità: l’unica parte di spettacolo ogni sera diversa è il racconto dell’esplosione in autostrada, a Capaci.
Qui abbiamo un rapporto davvero “uno a uno” tra frantumazione del reale e frantumazione del discorso: la frase non riesce più a chiudersi, è sbriciolata dal cunto che è quello spazio di abbandono totale al mistero presente in ogni mio lavoro. Non riesco e non voglio predeterminare tutto l’organismo dello spettacolo: mi lascio sempre una finestra, uno spiraglio per abbandonarmici e scoprire quello che accade. È uno spiraglio da cui, il più delle volte, non filtra luce, bensì m’investe l’orrore di polvere e plastica bruciata, della terra massacrata di quei giorni del mio esame di maturità, dei miei diciotto anni, di una Palermo militarizzata [l’operazione Vespri Siciliani, N.d.R.] completamente riempita di ragazzini di vent’anni, sotto il sole con i mitra spianati.
Con Eleusi, andato in scena la scorsa stagione per 24 ore, in contemporanea al Teatro Grassi e al Teatro Studio Melato, avviasti una riflessione sull’intreccio tra il sacro e il male nell’esperienza umana. Questo nuovo spettacolo prosegue quell’esplorazione?
Il lavoro su Autoritratto come sugli altri miei testi ci porta, per chi vuole, a un livello di accettazione del fatto che è necessario reimmettersi in dinamiche di ritualità per riuscire a comprendere il piano di realtà che abitiamo. Il teatro è un rituale, lo è da parte di chi ne fruisce in quanto pubblico, vestendosi e uscendo di casa per andare in una sala, pronto ad accettare la logica della finzione; lo è da parte di chi lo pratica, ritualmente svegliandosi, mangiando a un determinato orario, seguendo un preciso training fisico che è anche palestra emotiva. E quando il teatro accade, si manifesta quel mistero che mette assieme la parte che sta fruendo con quella che sta agendo, per trasportare tutti quanti in un altrove.
Il tema del sacro è presente in tutti i miei spettacoli: lo era in Italia-Brasile 3 a 2 [riproposto anche al Teatro Grassi, nella stagione 2022/23, N.d.R.], dove compariva la logica sacrale dell’effimero del gioco del calcio, dove i vivi e i morti erano insieme, nel comune ricordo della partita; il sacro era istinto di sopravvivenza in Maggio 43 [al Chiostro Nina Vinchi e nei municipi milanesi nell’estate 2020; al Teatro Grassi nella stagione 2020/21, N.d.R.]; in Eleusi abbiamo provato a edificare, tutti quanti assieme, una cattedrale che servisse da contraltare agli orrori che furono perpetrati tra le mura di via Rovello. Qui il sacro emerge nella sua declinazione di tenebra. Sacro è una vox media: indica tanto ciò che tende alla luce, quanto ciò che sprofonda nella tenebra. Il punto è che, se si coltivano una terra, una città, una regione con i semi della ferocia e della violenza, della soperchieria e dell’omertà, inevitabilmente, prima o poi, il male apparirà. L’unico mezzo per arginarlo è l’inserimento in una ritualità: non è così diverso dalla pratica quotidiana dell’atleta che si esercita a saltare l’asta, a correre i 200 metri, a stoppare il pallone o a ripetere le bracciate in piscina. Il rito non è altro che reiterare gesti, sillabe, suoni, per far scoccare la scintilla, senza pietra focaia, quando ci sia bisogno di fuoco. Il rito è imprescindibile dal confronto con chi sono io in quanto individuo, con chi siamo noi come comunità, di pari passo con la necessità di comprendere perché stiamo facendo teatro, perché privilegiamo questo mezzo espressivo e non un altro… Scelgo di portare in teatro Autoritratto perché mi interessa una riflessione collettiva e comunitaria, ma contemporaneamente intima e personale; nel momento in cui si dà il teatro, siamo sospesi dalla schiavitù del tempo e iniziamo a tessere il deposito di ciò che fu – il passato – con la prospettiva della speranza – il futuro –: questa tessitura è ciò che chiamiamo presente.
OLTRE LA SCENA:
| SEGNALIBRO
Presentazione del libro Autoritratto | Istruzioni per sopravvivere a Palermo
Le parole di Davide Enia corrono sul palcoscenico ma anche “furiose” sulla pagina scritta «tra le strade e i vicoli di una città assuefatta al silenzio come al boato delle bombe». Autoritratto | Istruzioni per sopravvivere a Palermo è, infatti, anche un libro, edito da Sellerio nella collana “il divano”, che Enia presenta con Lorenzo Gramatica (Lucy. Sulla cultura) presso la Libreria Verso, il giorno prima del debutto.
Evento organizzato da Verso Libri e Sellerio Editore in collaborazione con Lucy. Sulla cultura
Lunedì 24 marzo ore 19, Verso Libri, Corso di Porta Ticinese 40
con Davide Enia, Lorenzo Gramatica
| PAROLE IN PUBBLICO – per filo per segno
Il regno dei discorsi incompiuti
«Cosa Nostra è il regno dei discorsi incompiuti»: un’invisibilità delle intenzioni – spiega Davide Enia cercando di interpretare la definizione di Tommaso Buscetta – finalizzata a una non assunzione di responsabilità. Autoritratto, al contrario, è un «processo di autoanalisi personale e condiviso» capace di aprire le porte a una riflessione ampia e stratificata (che nulla vuole rimuovere o lasciare in sospeso) su come la mafia abbia condizionato la psicologia di un’intera nazione e, soprattutto, dei suoi cittadini. Trauma, silenzio, nevrosi diventano allora i nodi da cui partire in questo incontro di “per filo e per segno” che vede in dialogo Davide Enia, Nando Dalla Chiesa, professore di Sociologia della criminalità organizzata presso l’Università di Milano, dove dirige anche l’Osservatorio sulla criminalità organizzata e Camilla Giraudi, psicoterapeuta specialista in Psicologia clinica e psicoanalista SPI e IPA.
Modera Roberta Carpani, docente di Discipline dello Spettacolo presso l’Università Cattolica di Milano.
Venerdì 28 marzo ore 18, Chiostro Nina Vinchi
con Davide Enia, Nando Dalla Chiesa, Camilla Giraudi. Modera Roberta Carpani
CHI È DI SCENA?
A pochi minuti dall’andata in scena, gli spettatori incontrano gli operatori del teatro, per approfondire, tra riflessioni, aspettative e curiosità, lo spettacolo che stanno per vedere.
Giovedì 3 e 10 aprile, ore 18, Teatro Grassi
| STORMI #6
Qual è il tuo potere? – Mafia e potere tra cinema e rappresentazione
Dal Padrino di Marlon Brando fino al Traditore di Pier Francesco Favino, cinema e televisione hanno spesso offerto ritratti ambigui – affascinanti tanto quanto pericolosi – dei capi delle organizzazioni criminali: un esercizio di rappresentazione che ha contribuito a scolpire, talvolta cristallizzare l’immaginario collettivo, nel bene e nel male. In occasione della presentazione del nuovo numero di STORMI, dal titolo Qual è il tuo potere?, Davide Enia e Cristina Battocletti, scrittrice, giornalista per la “Domenica” del “Sole 24 Ore” e critica cinematografica, dialogano intorno ai modi in cui sono stati dipinti i volti del potere mafioso, e di ciò che quei volti rivelano di noi osservatori. Modera Alessandro Iachino.
Mercoledì 16 aprile ore 18, Chiostro Nina Vinchi
con Davide Enia, Cristina Battocletti. Modera Alessandro Iachino
Piccolo Teatro Grassi (via Rovello, 2 – M1 Cordusio), dal 25 marzo al 17 aprile 2025
Autoritratto
di e con Davide Enia, musiche composte ed eseguite da Giulio Barocchieri
luci Paolo Casati, suono Francesco Vitaliti
si ringrazia per gli abiti di scena Antonio Marras
coproduzione CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli Venezia Giulia,
Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, Accademia Perduta Romagna Teatri, Spoleto Festival dei Due Mondi
con il patrocinio di Fondazione Falcone
Per le immagini © Fondazione Festival dei Due Mondi, foto Andrea Veroni
Orari: martedì, giovedì e sabato, ore 19.30; mercoledì e venerdì ore 20.30 (salvo 9 aprile, riservata scuole);
domenica, ore 16. Lunedì riposo.
Durata: 90 minuti senza intervallo
Prezzi: platea 40 euro, balconata 32 euro
Informazioni e prenotazioni 02.21126116 – www.piccoloteatro.org

IL SOGNO DI UN UOMO RIDICOLO di Fëdor Dostoevskij
2025-04-03 20:30 - 2025-04-17 20:30 | Teatro Out Off, Via Mac Mahon 16, Milano, 20155, Italia
Foto di scena: Mario Sala – Il sogno di un uomo ridicolo, regia di Lorenzo Loris © Erica Falcinelli
Da giovedì 3 a giovedì 17 aprile
Teatro Out Off, Milano
Traduzione e adattamento Fausto Malcovati e Mario Sala
Regia Lorenzo Loris
Con Mario Sala
Scena Daniela Gardinazzi
Costumi Nicoletta Ceccolini
Consulenza musicale Ariel Bertoldo
Produzione Teatro Out Off
Spettacolo inserito nell’abbonamento Invito a Teatro
Recensione di Claudio Elli del 31 maggio 2019
Da giovedì 3 a giovedì 17 aprile torna in scena al Teatro Out Off Il sogno di un uomo ridicolo, traduzione e adattamento di Fausto Malcovati e Mario Sala del racconto fantastico di Fëdor Dostoevskij scritto intorno al 1876. La regia di Lorenzo Loris, con l’interpretazione di Mario Sala (produzione Teatro Out Off), mette al centro dello spettacolo la necessità dell’utopia proprio in un momento in cui il presente, più che un sogno fantastico, sembra essere un incubo distopico.
Un uomo ripercorre la sua vita e le ragioni per cui si sente estraneo alla società del suo tempo. Ogni interesse, ogni impulso vitale sembra in lui ormai drammaticamente destinato a esaurirsi nel nulla, quando ecco che la svolta salvifica sembra presentarglisi in forma di sogno, suggerendo un’improvvisa quanto inaspettata opportunità di riscatto. Il racconto decolla così insieme al suo protagonista, si sposta di piano e approda in altri mondi: le anguste pareti di una povera stanza in affitto esplodono letteralmente nello spazio, e una rivelazione di trascinante potenza si offre disinteressata agli occhi dell’uomo con la forza di una resurrezione per il suo corpo segnato dal dolore e dalla sconfitta. La felicità sulla Terra può esistere, e cercarla non solo ha senso, ma è forse l’unica cosa che abbia senso fare: questo ci dice ancora oggi Dostoevskij. L’uomo ridicolo lo sa, l’ha vista e toccata con mano; il suo sogno gliel’ha inequivocabilmente mostrata. La sua condizione allora non gli è più di peso, e il tempo della sua vita diventa un tempo pieno di parole da regalare, di semplici verità da confidare, senza patemi, a chi, tra una risata e l’altra le vuole ascoltare.
All’improvviso accade che quest’uomo, afflitto dall’inutilità di essere al mondo, riprenda forza e vigore attraverso un sogno e ritrovi la volontà e la gioia di vivere. Decide di trasmettere agli altri la propria straordinaria esperienza, basata su una verità incontrovertibile, tanto semplice ed evidente da non essere vista: l’amore salverà l’umanità e ciò che la circonda. Questo è ciò che lo stravagante protagonista vuole comunicarci e, per questo, viene scambiato per un pazzo. In fondo, il testo di Dostoevskij sta tutto qui. La nostra scelta per rappresentarlo è stata radicale: abbiamo prosciugato ogni aspetto predicatorio, cercando di far emergere oltre che un valore religioso più universale, anche una visione profeticamente apocalittica del mondo contemporaneo su cui poter riflettere, filtrata però attraverso il candore e la simpatia del protagonista. Sulle tavole di un teatro in disarmo, in uno spazio svuotato, uno spazio destinato alla finzione in cui non c’è più niente da fingere, assistiamo al confronto fra uno strano individuo e le sue avventurose fantasie; una specie di clown, che vorrebbe svelare una verità importante a coloro che lo ascoltano ma non intendono prenderlo sul serio. Lui ne è cosciente e ne soffre. Ma in fondo non gli importa. Basta che il suo messaggio salvifico prima o poi raggiunga qualcuno e risvegli le anime morte delle persone che incontra. Se ponessimo, per un attimo, l’attenzione sulle piccole meschinità quotidiane che tutti noi commettiamo nei confronti degli altri, allora capiremmo quante volte perdiamo l’occasione di tendere una mano a un nostro simile in difficoltà per trasmettergli anche il più semplice gesto d’amore. L’egoismo, la corruzione, la malvagità non sono inevitabili, il Male non è insito nella natura umana; una nuova via è possibile, una nuova umanità, in pace con sé stessa e con la Terra, può nascere e prosperare. Dostoevskij sceglie, per diffondere “la lieta novella”, un uomo insignificante, un emarginato: proprio dai più umili può iniziare il riscatto.
Lorenzo Loris, regista.
In questo testo affiora il grande tema dell’amore: l’uomo, ci dice Dostoevskij, è nato per amare, per dividere con i propri simili affetto, tenerezza, comprensione. E se siamo circondati da violenze, delitti, perversioni, guerre cerchiamo anche noi di far affiorare il sogno (forse, appunto, il sogno di un uomo ridicolo) di un’altra possibilità più umana, per noi umani. Troppo spesso ce ne dimentichiamo, anche noi travolti dal nostro quotidiano affanno: ma è così semplice un gesto d’amore verso chi ci sta vicino. Ecco quello che l’uomo ridicolo vuole predicare: amatevi. E lo prendono per pazzo. Non importa. Basta che il messaggio arrivi. Cadrà nel vuoto, forse. O germoglierà. E allora forse qualche frammento dell’età dell’oro si realizzerà su questa nostra terra così desolata. La bellezza salverà il mondo, ci dice Dostoevskij ne “L’idiota”: non è la bellezza esteriore, è una bellezza interiore che nasce dall’amore.
Fausto Malcovati
INFORMAZIONI e prenotazioni:
Teatro OUT OFF via Mac Mahon 16, Milano
Orari spettacoli:
martedì, giovedì ore 20:30 | mercoledì, venerdì e sabato ore 19:30 | domenica ore 16:00
Durata: 80 minuti
Prenotazioni e informazioni: T. 0234532140 | M. biglietteriaoutoff@gmail.com
Biglietteria aperta da lunedì a venerdì dalle ore 10.00 alle ore 16.30.
Ritiro biglietti negli uffici in via Principe Eugenio 22 dal lunedì al venerdì dalle ore 11.00 alle ore 13.00.
Ritiro biglietti in botteghino via Mac Mahon 16 dal mercoledì alla domenica un’ora prima dello spettacolo.
Prezzi:
Intero: 20€ | Under26: 14€ | Over65: 10€
Spettacolo inserito nell’abbonamento Invito a Teatro.
ABBONAMENTI:
OutCard 50€ 4 ingressi a scelta per uno o più spettatori/spettatrici.
J&S Card – Junior (under26) & Senior (over65) 45€ 6 spettacoli.
Passepartout Promozione riservata ai e alle residenti del Municipio 8; acquistando la tessera a 10€ ingresso a 6€ per tutti gli spettacoli in programma.
Trasporti pubblici: M5 FERMATA CENISIO; TRAM 14; TRAM 12; AUTOBUS 78

L’UOMO PIÙ CRUDELE DEL MONDO - Teatro Franco Parenti
2025-05-05 20:00 - 2025-05-07 19:45 | Teatro Franco Parenti Sala Grande, Via Pier Lombardo 14, Milano, Milano, 20135, Italia
Foto di scena: L’Uomo più crudele del mondo – Lino Guanciale e Francesco Montanari © Fondazione Teatro di Napoli
Dal 5 al 7 Maggio 2025 – Sala Grande
L’UOMO PIÙ CRUDELE DEL MONDO
testo e regia Davide Sacco
con Lino Guanciale, Francesco Montanari
scene Luigi Sacco
luci Andrea Pistoia
produzione Fondazione Teatro di Napoli – Teatro Bellini, LVF, Teatro Manini di Narni
Spettacolo presentato in collaborazione con Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa
Durata 1 ora
L’uomo più crudele del mondo è lo spettacolo dalle tinte noir, scritto e diretto da Davide Sacco, in scena dal 5 al 7 Maggio nella Sala Grande del Teatro Franco Parenti.
Una riflessione sulla violenza affidata all’interpretazione di Lino Guanciale e Francesco Montanari.
L’uomo più crudele del mondo, Paolo Veres, è seduto alla sua scrivania in una stanza spoglia di un capannone abbandonato. L’ambiente è freddo, immerso in un silenzio totale. Veres è proprietario della più importante azienda di armi d’Europa, ha fama di uomo schivo e riservato. Davanti a lui un giovane giornalista di una testata locale è stato scelto per intervistarlo, ma la chiacchierata prende subito una strana.
«Lei crede ancora che si possa andare avanti dopo questa notte… lei crede che questa vita domani mattina sarà la stessa che viveva prima?» dirà Veres al giornalista. In un susseguirsi di serrati dialoghi emergeranno le personalità dei due personaggi e il loro passato, fino a un finale che ribalterà ogni prospettiva.
NOTE DI REGIA
Fino a dove può spingersi la crudeltà dell’uomo? Qual è il limite che separa una brava persona da una bestia? A cosa possiamo arrivare se lasciamo prevalere l’istinto sulla ragione?
Queste domande mi hanno guidato durante la stesura del testo e, successivamente, nella direzione degli attori. Volevamo che il pubblico fosse costantemente destabilizzato e non avesse certezze, che si calasse insieme ai personaggi in un viaggio in cui il rapporto tra vittima e carnefice è di volta in volta messo in discussione e ribaltato. La “feccia” di cui parlano i protagonisti non è visibile nella scena, fatta essenzialmente di luci fredde e asettiche, ma deve emergere gradualmente fino al finale, in cui speriamo che il titolo dello spettacolo possa diventare nella testa degli spettatori non più un’affermazione ma una domanda per riflettere sulla natura del genere umano.
Davide Sacco
ORARI
lunedì 5 Maggio – 20:00
martedì 6 Maggio – 20:00
mercoledì 7 Maggio – 19:45
PREZZI
SETTORE A (file A–E)
intero 38€;
under26/over65/Carta giovani 28€
SETTORE B (file F–R)
intero 28€;
under26/over65/Carta giovani 20,50€
convenzioni 22€
SETTORE C (file S–ZZ)
intero 20,50€;
under26/over65/Carta giovani 18€
convenzioni 18€

INFO e biglietteria
Biglietteria
via Pier Lombardo 14
02 59995206
biglietteria@teatrofrancoparenti.it

Odin Teatret: LE NUVOLE DI AMLETO - Teatro Menotti Filippo Perego
2025-05-07 20:00 - 2025-05-11 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Le nuvole di Amleto © Stefano di Buduo
Dal 7all’11 maggio
LE NUVOLE DI AMLETO
Dedicato a Hamnet e ai giovani senza futuro
ODIN TEATRET
EUGENIO BARBA
Prima Nazionale
Attori Antonia Cioaza, Else Marie Laukvik, Jakob Nielsen, Rina Skeel, Ulrik Skeel, Julia Varley
Disegno luci e video Stefano Di Buduo
Consulente film Claudio Coloberti
Costumi Odin Teatret
Spazio scenico Odin Teatret
Direttore tecnico Knud Erik Knudsen
Assistenti alla regia Gregorio Amicuzi e Julia Varley
Testo, drammaturgia e regia Eugenio Barba
Testo Eugenio Barba e citazioni dall’Amleto di William Shakespeare
Drammaturgia e regia Eugenio Barba
Produzione Tieffe Teatro, Odin Teatret, Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale

Dal 7 all’11 maggio, al Teatro Menotti di Milano la Prima Nazionale del nuovo spettacolo di Eugenio Barba, prodotto da Tieffe Teatro con Odin Teatret ed Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale. Un evento molto atteso che segna il ritorno di uno dei maestri della scena contemporanea. Dopo il debutto milanese, lo spettacolo sarà dal 14 al 18 maggio all’Arena del Sole di Bologna e alla Biennale di Venezia dal 2 al 4 giugno.
Questa nuova creazione di Barba, regista e teorico tra i più influenti del Novecento, propone una lettura profonda e originale di uno dei temi più affascinanti della storia del teatro, intrecciando passato e presente in una riflessione intensa e appassionata.
«…perché oggi Amleto? – si chiede Barba – Cosa dice oggi a noi la vicenda di un padre il cui fantasma appare al figlio e gli lascia il compito di uccidere e vendicarlo? Qual è l’eredità che abbiamo ricevuto dai nostri padri e che trasmetteremo ai nostri figli? Cosa succederebbe se Amleto, come Antigone, affermasse: non sono nato per condividere l’odio, ma l’amore? Il dubbio rende l’uomo debole dice il principe di Danimarca».
Nel 1596, Hamnet, l’unico figlio maschio di William Shakespeare, muore all’età di undici anni. Cinque anni più tardi Shakespeare perde suo padre e durante il periodo di lutto scrive La tragica storia di Amleto, principe di Danimarca. Nell’ortografia irregolare dell’epoca “Hamnet” e “Hamlet” erano praticamente intercambiabili. Molti studiosi hanno scritto lunghi libri sulla relazione tra Hamnet e Hamlet.
Il testo racconta del re danese Amleto, che porta lo stesso nome del figlio, avvelenato dal fratello Claudio e dalla moglie Gertrude che sono amanti. La loro passione si intreccia con un’altra tragica storia d’amore tra il principe Amleto e la giovane Ofelia.
Cosa dice oggi a noi la vicenda di un padre il cui fantasma appare al figlio e gli lascia in eredità il compito di uccidere per vendicarlo? Qual è l’eredità che abbiamo ricevuto dai nostri padri e che trasmetteremo ai nostri figli?

NOTE DI REGIA DI EUGENIO BARBA
Quando le nuvole fanno cambiare casa alle parole
Cercai nell’Amleto le linee in cui Shakespeare parla di nuvole. Le misi insieme e le usai come nucleo da cui sviluppare le prime scene di uno spettacolo la cui storia e il cui senso erano da scoprire durante le prove. È importante “umanizzare” il processo. Lo spettacolo cresce come una creatura vivente, con una coerenza e un ritmo tutto suo. È un feto che deve essere difeso, che ha già un’identità, e quindi deve ricevere subito un nome. Battezzai lo spettacolo in gestazione Le nuvole di Amleto. Così Shakespeare entrò nello spazio delle nostre prove e delle nostre menti. È il processo intorno a un testo o a una storia reale o inventata a decidere. Sono le sue vicende a provocare le nostre reazioni e dobbiamo agire con cautela senza imporre la nostra volontà intrisa di pregiudizi. Non siamo noi a cercare le storie. Sono loro a bussare alla nostra porta, a convincerci ad accoglierle, a prenderci per mano e condurci nel loro mondo. Un certo tipo di processo creativo presume la rinuncia alle nostre propensioni e l’obbligo a seguire imprevisti, proposte astruse, malintesi e sbagli. Non è passività, cecità, o fede indolente nelle coincidenze. Seguo una storia ancora poco discernibile con tutti i miei sensi all’erta, come una madre segue i passi del bambino che apprende a camminare e ad aprirsi una strada in un mondo sconosciuto.
Perché oggi Amleto?
Hamnet e Hamlet (Amleto) erano nomi intercambiabili in Inghilterra nei registri di fine sedicesimo e inizi del diciassettesimo secolo. Shakespeare aveva battezzato suo figlio Hamnet/Hamlet con il nome di un amico, suo vicino di casa a Stratford. Nel 1596 Hamnet/Hamlet muore all’età di undici anni nella casa di Henley Street. Intorno al suo capezzale la madre, le sue due sorelle e i nonni paterni pensano al padre distante, a Londra, dove vive stabilmente guadagnandosi il pane come attore e scrittore di drammi. Come gli spiegheranno l’improvvisa malattia e il decesso del figlio? Cinque anni più tardi, nel 1601, Shakespeare perde suo padre. Ora è l’unico a portare il nome che scomparirà con lui. Durante il periodo di lutto scrive La tragica storia di Amleto, principe di Danimarca. Rielabora un testo esistente (oggi perduto) in cui aveva recitato nella sua gioventù il ruolo del fantasma. La storia di Amleto era stata narrata dal francese François de Belleforest che, a sua volta l’aveva presa da una cronica medioevale in latino del danese Saxo Gramaticus. Un racconto di assassinio e vendetta all’epoca pre-cristiana dei vichinghi in cui era dovere del figlio uccidere l’assassino del padre. Nell’Amleto di Saxo Gramaticus così come nel racconto di Belleforest non ci sono spettri. Non ce n’era bisogno perché l’assassinio era dominio pubblico, proprio come l’obbligo di vendicarsi. Shakespeare trasforma l’omicidio in un segreto. Da qui l’arrivo del fantasma, deus ex machina, che racconta come sia stato ucciso. La prima versione del testo di Amleto fu pubblicata in quarto nel 1603 e l’ultima in folio nel 1623 dopo la sua morte. La versione finale del folio è più lunga e più completa di quella del quarto. Include più scene e circa 600 nuove parole inglesi con sette lunghi monologhi che non sono azione ma riflessioni interiori. Oggi lo sappiamo bene: il monologo è una tecnica dei personaggi per trasmettere allo spettatore quello che sta succedendo dentro di loro. Il quarto del 1603 è la metà del testo del folio del 1623, circa 2.000 versi – ovvero due ore di recitazione, la durata abituale di uno spettacolo. È sicuramente la versione utilizzata dagli attori per la rappresentazione al Globe. La versione del folio comporta più di 4.000 versi, ben quattro ore di rappresentazione, impossibile per quel tempo. I soliloqui aggiunti all’ultima versione in folio sono “letteratura” pensata e aggiunta da Shakespeare per i lettori che compreranno le sue opere come libri.
Tutte queste informazioni, però, non mi aiutano a rispondere alla domanda: perché oggi Amleto? Cosa dice oggi a noi la vicenda di un padre il cui fantasma appare al figlio e gli lascia il compito di uccidere e vendicarlo? Qual è l’eredità che abbiamo ricevuto dai nostri padri e che trasmetteremo ai nostri figli? Cosa succederebbe se Amleto, come Antigone, affermasse: non sono nato per condividere l’odio, ma l’amore? Il dubbio rende l’uomo debole dice il principe di Danimarca. Forse in queste domande risiede il mio errore: giudicare il valore e il senso della mia esistenza e del mio agire secondo norme che appartengono alla società, a una causa, a una quantificabile utilità o a uno scopo del teatro. Siamo tutti influenzati da quelli che ci hanno preceduti e da quello che avviene nel presente. Il teatro, con la sua storia e le sue tecniche è un fiume. Anche senza volerlo, se tu ci entri dentro, ne esci bagnato. Se per me il teatro è il paese della nostalgia, è perché nutre il sogno del possibile nell’impossibile, della fantasia nella realtà, dello stupore nella banalità, della danza nella stasi. La possibilità di condividere l’azione insieme ad altre persone. Da qui la profonda gratitudine per i miei attori e per tanti vivi e morti che mi insegnarono un mestiere la cui energia può intensificare e illuminare il senso incomunicabile della mia vita. Avanzo tentando di capire se il mio corpo-mente ha trovato ancora una volta la strada. Mi identifico impulsivamente con le azioni degli attori: un abbraccio tra intelletto e istinto, tra disciplina e rischio. Sconosciuto mi è lo spettacolo e sconosciuto il suo senso. Non è un enigma, ma un mistero. Come la vita. Diceva T.S. Eliot: ogni generazione sbaglia a proposito di Shakespeare in modo nuovo.
ODIN TEATRET
L’Odin Teatret (www.odinteatret.org) è stato fondato da Eugenio Barba nel 1964 a Oslo, in Norvegia con quattro giovani rifiutati alla scuola nazionale di teatro. Nel 1966 l’Odin Teatret si trasferì in Danimarca e trasformò in laboratorio teatrale una stalla di una fattoria fuori Holstebro. Nel 1983, il nome fu cambiato in Nordisk Teaterlaboratorium/Odin Teatret come cornice di un’istituzione dalle numerose attività artistiche e didattiche, con una casa editrice, produzione di film, festival e iniziative nella comunità. Nel 2022 l’Odin Teatret ed Eugenio Barba hanno lasciato il Nordisk Teaterlaboratorium e continuano la loro attività in Danimarca e nel resto del mondo. Nel 2024, le attività dell’Odin Teatret includono spettacoli in Danimarca e all’estero, didattica e seminari, un intenso contatto con gruppi di teatro anche attraverso progetti europei, la residenza intensiva annuale Odin Home dalla durata di nove giorni a Ringkøbing-Skjern, l’annuale Transit Festival dedicato alle donne nel teatro a Stendis, e la Poesia del giovedì in collaborazione con altre istituzioni di Holstebro. In collaborazione con la Fondazione Barba Varley (www.fondazionebarbavarley. org) l’Odin Teatret è attivo nella produzione di film e video didattici, nella pubblicazione di libri, nell’appoggio a individui e gruppi in situazioni svantaggiate, in sessioni dell’ISTA (International School of Theatre Anthropology), spettacoli con il multiculturale Theatrum Mundi Ensemble, la rivista “JTA – Journal of Theatre Anthropology” e una serie di film sull’antropologia teatrale scaricabili gratuitamente. Al centro di questa collaborazione c’è il LAFLIS, Living Archive Floating Islands (www.LAFLIS.org), creato dopo la donazione di Barba della sua biblioteca e del suo patrimonio artistico alla Regione Puglia in Italia. È a Lecce, presso la Biblioteca Bernardini, che rivive la storia dell’Odin Teatret, così come l’ingente documentazione sul Transit Festival diretto da Julia Varley, sul Magdalena Project e sui gruppi del Terzo Teatro. È disponibile un archivio digitalizzato con documenti risalenti al 1960, quando Barba si recò in Polonia per studiare regia e incontrò il giovane Grotowski. I legami intrecciati durante 60 anni hanno portato allo sviluppo di un ambiente professionale e accademico in cooperazione con università, gruppi e associazioni culturali. Le esperienze dell’Odin Teatret, con 86 spettacoli presentati in 67 paesi e in contesti sociali diversi, hanno generato una particolare cultura con radici nella diversità culturale e nel principio del “baratto”: gli attori dell’Odin Teatret si presentano con il loro lavoro per un ambiente specifico, che a loro volta risponde con canti, musiche e danze della propria cultura.
STAGIONE 2024 | 2025
BIGLIETTERIA
PREZZI

Intero – 32.00 € + 2.00 € prevendita
Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
Abbonamento Menotti Card 4 ingressi €60, 8 ingressi €110

TEATRO MENOTTI
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org
ORARI BIGLIETTERIA
Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
Acquisti online
ORARI SPETTACOLI
Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

CON IL VOSTRO IRRIDENTE SILENZIO - Teatro Franco Parenti
2025-05-09 19:45 - 2025-05-11 16:15 | Teatro Franco Parenti Sala Grande, Via Pier Lombardo 14, Milano, Milano, 20135, Italia
Foto di scena: Fabrizio Gifuni – Con il vostro irridente silenzio © Studio Musacchio Ianniello Pasqualini
Dal 9 all’ 11 Maggio 2025 – Sala Grande
CON IL VOSTRO IRRIDENTE SILENZIO
Studio sulle lettere dalla prigionia e sul memoriale di Aldo Moro
ideazione e drammaturgia di Fabrizio Gifuni
si ringraziano Nicola Lagioia e il Salone internazionale del Libro di Torino,
Christian Raimo per la collaborazione, Francesco Maria Biscione e Miguel Gotor per la consulenza storica
produzione Cadmo
Durata 2 ore
Dopo averne vestito i panni nelle opere di due grandi registi del cinema italiano Romanzo di una strage (2011) Marco Tullio Giordana ed Esterno notte (2022) di Marco Bellocchio, Fabrizio Gifuni torna ad incarnare Aldo Moro nella Sala Grande del Teatro Franco Parenti. Dal 9 all’11 maggio Con il vostro irridente silenzio, da lui scritto e diretto a partire dallo scritto più scabro e nudo della storia d’Italia; il cosiddetto memoriale di Aldo Moro.
Nel periodo di detenzione attuato per mano delle Brigate Rosse, tra il 16 marzo e il 9 maggio 1978, giorno del ritrovamento del corpo esanime, Aldo Moro scrive instancabilmente giorno e notte, lettere che non verranno mai recapitate, lettere recapitate ma mai divulgate, ma anche scritti rinvenuti successivamente nel 1990.
Parla, ricorda, scrive, risponde, interroga, confessa, accusa, si congeda. Moltiplica le parole su carta: scrive lettere, si rivolge ai familiari, agli amici, ai colleghi di partito, ai rappresentanti delle istituzioni; annota brevi disposizioni testamentarie. E insieme compone un lungo testo politico, storico, personale – un memoriale – partendo dalle domande poste dai suoi carcerieri.
Sono le ultime parole di Moro, l’insieme delle carte scritte nei 55 giorni della sua prigionia: quelle ritrovate o, meglio, quelle fino a noi pervenute. Un fiume di parole inarrestabile che si cercò subito di arginare, silenziare, mistificare, irridere. Moro non è Moro, veniva detto.
La stampa, in modo pressoché unanime, martellò l’opinione pubblica sconfessando le sue parole, mentre Moro urlava dal carcere il proprio sdegno per quest’ulteriore crudele tortura.
A distanza di quarant’anni il destino di queste carte non è molto cambiato. Poche persone le hanno davvero lette, molti hanno scelto di dimenticarle.
I corpi a cui non riusciamo a dare degna sepoltura tornano però periodicamente a far sentire la propria voce. Le lettere e il memoriale sono oggi due presenze fantasmatiche, il corpo di Moro è lo spettro che ancora occupa il palcoscenico della nostra storia di ombre.
Dopo aver lavorato sui testi pubblici e privati di Carlo Emilio Gadda e Pier Paolo Pasolini, in due spettacoli struggenti e feroci, riannodando una lacerante antibiografia della nazione, Fabrizio Gifuni attraverso un doloroso e ostinato lavoro di drammaturgia mette in scena un ‘rituale scenico’, un rito collettivo più che mai necessario a un’intera comunità.
ORARI
venerdì 9 Maggio – 19:45
sabato 10 Maggio – 19:45
domenica 11 Maggio – 16:15
PREZZI
SETTORE A (file A–E)
intero 38€;
under26/over65 28€
SETTORE B (file F–R)
intero 28€;
under26/over65 20,50€
SETTORE C (file S–ZZ)
intero 20,50€;
under26/over65 18€
Tutti i prezzi non includono i diritti di prevendita.

INFO e biglietteria
Biglietteria via Pier Lombardo 14
02 59995206
biglietteria@teatrofrancoparenti.it

INTORNO AL VUOTO - Teatro Menotti Filippo Perego
2025-05-15 20:00 - 2025-05-18 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Intorno al vuoto © Bottega Teatro Marche/ Tieffe Teatro
Dal 15 al 18 maggio GIANLUIGI FOGACCI E PAOLA GIORGI
Intorno al vuoto
Di Benedetta Nicoletti
Con Gianluigi Fogacci, Paola Giorgi, Fabiana Pesce
Regia Giampiero Rappa
Scene Laura Benzi
Costumi Stefania Cempini
Disegno luci Paolo Vinattieri
Musiche Massimo Cordovani
Supervisione drammaturgia Giampiero Rappa
Assistente alla regia Michela Nicolai
Prodotto da Bottega Teatro Marche/ Tieffe Teatro
Con il patrocinio di
INRCA Istituto Nazionale di Ricovero e Cura a carattere Scientifico realizzato con il contributo della Regione Marche – Assessorato alla Cultura
Progetto vincitore del Premio Impronta d’Impresa Marche “le donne lasciano il segno “Camera di Commercio delle Marche
Dal 15 al 18 maggio al Teatro Menotti Intorno al Vuoto, il nuovo e intenso spettacolo scritto da Nicoletta Benedetti, diretto da Giampiero Rappa e interpretato da Paola Giorgi insieme a Gianluigi Fogacci e Fabiana Pesce.
Parlare di Alzheimer a teatro. Non solo si può, ma anche si deve talvolta, se è vero come è vero che Arte e Bellezza hanno il potere salvifico di rendere migliori le nostre vite. E portare sulle scene un tema difficile, che incute più di un timore in una società che tende ad essere estremamente longeva, può essere forse la chiave per comprenderlo meglio e, magari, guardarlo con meno angoscia. Nasce così ‘Intorno al Vuoto’, un lavoro che si preannuncia già carico di significati, che non ha la pretesa (né la volontà) di raccontare la malattia, bensì le persone che si trovano ad affrontarla.
Intorno al vuoto è, come una favola. È una pièce che parla di Alzheimer ed è innanzitutto la storia di una famiglia: Carol, cinquantenne, titolare di una importante cattedra universitaria di psicologia, cerca di imporre le scelte lavorative alla figlia Liz, appoggiata invece dal padre Paul, anche lui noto ricercatore, dal carattere apparentemente tranquillo, razionale e inflessibile. Quelle che vediamo in scena sono tre anime che vagano intorno alla memoria di questa storia familiare. Il viaggio di Carol dentro l’inferno della malattia è una realtà spesso sfocata, dove tutto è impalpabile, proprio come avviene con i nostri ricordi: non possiamo toccare le cose né le persone, possiamo solo immaginarle, rivederle nella nostra mente, provare a risentire i sensi e le emozioni di quel momento. Una storia di amore e consapevolezza, che punta all’obiettivo ambizioso di creare anche tanta Bellezza, sia pure di fronte ad un tema drammatico. Così come è nella missione primordiale del Teatro: essere portatore di etica, oltre che di estetica. Più modernamente, si è di fronte ad un luminoso esempio di ‘Welfare culturale’, ovvero la cultura che non ha solo scopi terapeutici, ma diventa fattore concreto di benessere e qualità di vita, perfettamente inserito nelle leve dello sviluppo armonioso di una collettività. In questo caso, il tocco ‘femminile’ dà un ulteriore valore aggiunto alla narrazione: ‘Intorno al vuoto’ è un progetto ideato da una donna, Paola Giorgi, e prodotto da un’altra donna: Agnese Paolucci, titolare di Bottega Teatro Marche, compagnia indipendente di cui la Giorgi è direttore artistico, nata nel solco del grande lavoro di Tommaso Paolucci, compianto e indiscusso talento del mondo teatrale italiano. Una compagine a cui si è aggiunta la prestigiosa co- produzione di Tieffe Teatro Menotti di Milano. Ci sono poi i partner scientifici ed istituzionali: lo spettacolo ha l’autorevolissimo patrocino dell’INRCA (Istituto Nazionale di Ricovero e Cura per Anziani), ha già vinto il Bando Cultura della Regione Marche e il Premio ‘Impronta d’Impresa’ della Camera di Commercio delle Marche.
STAGIONE 2024 | 2025
BIGLIETTERIA
PREZZI:

Intero – 32.00 € + 2.00 € prevendita
Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
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TEATRO MENOTTI:
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org
ORARI BIGLIETTERIA:
Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
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o a questo link
ORARI SPETTACOLI:
Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

ERODIÀS + MATER STRANGOSCIÀS - Piccolo Teatro Grassi
2025-05-20 19:30 - 2025-05-25 16:00 | Piccolo Teatro Grassi, via Rovello, 2 – M1 Cordusio, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Erodiàs + Mater strangosciàs © Daniela Neri
Piccolo Teatro Grassi
dal 20 al 25 maggio
Giovanni Testori
ERODIÀS + MATER STRANGOSCIÀS
con Anna Della Rosa
un progetto di Sandro Lombardi
Un viaggio nella sofferenza e nell’umanità delle protagoniste dei lai di Testori: Erodiade e la Mater Dolorosa esprimono il loro dolore per amori impossibili e perdite devastanti. Dal 20 al 25 maggio, al Teatro Grassi, Anna Della Rosa, guidata da Sandro Lombardi, ripropone queste poetiche voci femminili con intensa fragilità. Sabato 24 maggio, una versione in forma di concerto del primo dei Tre lai – Cleopatràs, con la regia di Valter Malosti – completa la trilogia
Sandro Lombardi, indimenticato interprete – tra il 1996 e il 1998 – dei Tre lai (Cleopatràs, Erodiàs, Mater strangosciàs) di Giovanni Testori, dopo averla vista nell’allestimento del primo, diretto da Valter Malosti, consegna ad Anna Della Rosa la sua interpretazione del secondo e del terzo dei lai. Non una regia, ma un vero e proprio dono, come nella tradizione del teatro orientale, in cui l’attore più esperto affida al più giovane una sua interpretazione.
Due laceranti monologhi poetici: Erodiade è ossessionata da un amore mai realizzato per Giovanni Battista, un desiderio che sfocia nella follia e nella disperazione; Maria è intrisa di un amore materno purissimo, mentre affronta l’atroce sofferenza per il sacrificio del Figlio durante il Calvario.
Sabato 24 maggio, alle ore 19.30, la replica di Erodiàs + Mater strangoscias, è preceduta da Cleopatràs: un distillato, in forma di concerto, dello spettacolo di Valter Malosti con Anna Della Rosa.
Piccolo Teatro Grassi (Via Rovello, 2 – M1 Cordusio)
Dal 20 al 25 maggio 2025
Erodiàs + Mater strangosciàs
da Tre lai di Giovanni Testori
un progetto di Sandro Lombardi
per Anna Della Rosa
assistente alla regia Virginia Landi
assistente alla drammaturgia Alberto Marcello
disegno luci Vincenzo De Angelis
produzione Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale, Compagnia Lombardi-Tiezzi
progetto realizzato in collaborazione con Associazione Giovanni Testori
Durata: un’ora e dieci minuti senza intervallo
si ringrazia Giovanni Agosti per la condivisione del suo sapere
si ringrazia Giorgio Bertelli per il trono di Erodiàs
si ringrazia Nicolò Rossi per aver concesso il testo della sua revisione critica dei Tre lai
si ringrazia Giovanna Buzzi per il costume di Anna Della Rosa
si ringrazia Federico Tiezzi senza il cui lavoro per i Tre lai tra il 1996 e il 1998 questo progetto non sarebbe neanche concepibile
Sabato 24 maggio
Cleopatràs
in forma di concerto
da Tre lai di Giovanni Testori
con Anna Della Rosa
regia Valter Malosti
progetto sonoro e live electronics Gup Alcaro
produzione Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale, TPE – Teatro Piemonte Europa
Durata: 70 minuti senza intervallo
Orari: martedì, giovedì e sabato ore 19.30; mercoledì e venerdì ore 20.30; domenica, ore 16.
Prezzi: platea 33 euro, balconata 26 euro
Il biglietto della recita di sabato 24 maggio comprende i tre spettacoli
Informazioni e prenotazioni 02.21126116 – www.piccoloteatro.org

IL GIOCO DELL’AMORE E DEL CASO di Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux
2025-06-24 20:30 - 2025-07-05 20:30 | MTM Teatro Litta, Corso Magenta 24, Milano, 20123, Italy
Foto di scena: Il gioco dell’amore e del caso © Alessandro Saletta
MTM Teatro Litta – dal 24 giugno al 5 luglio 2025
Il gioco dell’amore e del caso
di Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux
nuova traduzione di Michele Zaffarano
adattamento e regia Antonio Syxty
con Agnese Sofia Bonato, Gaetano Callegaro, Francesco Martucci, Jasmine Monti, Filippo Renda
regista assistente Filippo Renda

scene Guido Buganza
costumi Valentina Volpi
restyling e sartoria Francesca Biffi

disegno luci Fulvio Melli
assistente alla regia e delegata di produzione Susanna Russo
produzione Manifatture Teatrali Milanesi
Il gioco dell’amore e del caso di Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux è una commedia teatrale molto simile a un prezioso ingranaggio. Questo capolavoro, esaltato come uno dei vertici della drammaturgia francese, cattura l’attenzione degli spettatori con un intricato intreccio di travestimenti, inganni e amori segreti.
In questa vera e propria commedia degli equivoci, Marivaux mette in scena il classico scambio di ruoli, quello tra padroni e servi, che, pur proponendosi uno scopo chiarificatore, non porta altro se non ulteriori complicazioni di sentimenti e relazioni.
Una commedia molto simile a un prezioso ingranaggio che cattura l’attenzione degli spettatori con un intricato intreccio di travestimenti, inganni e amori segreti.
Silvia ama Dorante, ma per studiarne la virtù decide di vestire segretamente i panni della sua cameriera Lisetta. Ma anche Dorante ha avuto la stessa idea e si traveste dal suo servo Arlecchino.
Il testo esplora le sfumature dell’amore attraverso lo scambio di ruoli tra i personaggi, offrendo una vivace girandola di emozioni e colpi di scena e distinguendosi per la brillantezza delle interpretazioni e la profondità psicologica dei personaggi.
Marivaux offre uno sguardo penetrante sulla metafisica del cuore, evidenziando il trionfo della passione sull’egoismo e le convenzioni sociali, incantando il pubblico con il suo intrigo avvincente e la sua raffinata analisi dell’amore e della società.
A sovrastare il tutto, un’intrusione visiva che rende la scena quasi un’installazione, come le nuvole di Berndnaut Smilde, anche se qui al posto della nuvola c’è un gorilla warholiano fucsia che indossa anche lui una maschera, a voler emulare gli umani nei loro bizzarri traccheggiamenti, assurgendo a deus ex machina.
Note di regia:
Una nuova traduzione per Marivaux.
Quando faccio teatro la prima cosa, per il mio lavoro, è avere a disposizione una lingua che possa produrre un suono coerente con il testo e con il dispositivo che il testo mette in atto, inizialmente sulla pagina scritta e in un secondo momento nella trasposizione organica per la voce. Mi capita spesso – nella vita quotidiana – di notare come spesso scegliamo a caso le parole che pronunciamo per comunicare. Il più delle volte usiamo le parole con trascuratezza, con approssimazione, in modo sbrigativo perché ciò che ci preme è comunicare, ma nello stesso tempo utilizziamo il dispositivo verbale senza la consapevolezza della sua ricchezza e potenzialità allegorica, semantica, metaforica.
Il teatro non può e non deve uniformarsi al quotidiano, soprattutto nel caso di un testo del 1730, che è un dispositivo drammaturgico in grado di creare un disegno raffinato intorno a quelli che sono i meccanismi umani, che regolano verità e rappresentazione di sé e dei propri sentimenti.
Per questo ho chiesto a Michele Zaffarano, già traduttore di autori francesi come Francis Ponge, Christophe Tarkos, Michel Onfray, Alain Badiou, Chare Baudelaire, Jean-Marie Gleize e altri di fare una nuova traduzione dal testo francese originale di Marivaux.
Ogni traduzione è un tradimento dell’originale e il teatro è il luogo del tradimento, ma la scelta che si fa del dispositivo verbale è fondamentale, perché prima di ogni altra cosa la parola diventa suono e il suono entra nelle nostre orecchie generando vibrazioni di senso, immaginazione e pensiero.
Il dialogo fra traduttore e attori, nella fase di studio del testo, è stato fondamentale per scoprire le differenze culturali dell’utilizzo della lingua e dei modi di dire nel contesto culturale di origine contestualizzata in un periodo storico e a un contesto sociale e politico.
Antonio Syxty
Teatro Litta
da lunedì a sabato ore 20.30 – domenica riposo
intero € 30,00 – convenzioni € 24,00 – ridotto Arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) € 24,00 – Under 30 e Over 65 € 17,00 – Università € 17,00 – scuole di Teatro € 19,00 – scuole civiche Fondazione Milano, Piccolo Teatro, La Scala e Filodrammatici € 11,00 – Scuole MTM € 10,00 – ridotto DVA € 15,00 tagliando Esselunga di colore ROSSO
Invito a teatro Manifatture Teatrali Milanesi
durata: 120 minuti
Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it – 02.86.45.45.45
I biglietti sono acquistabili sul sito www.biglietti.mtmteatro.it e sul sito e punti vendita Vivaticket.
I biglietti prenotati vanno ritirati nei giorni precedenti negli orari di prevendita e la domenica a partire da un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.

L’ACQUAFORTE PER LEONARDO SCIASCIA: GIORGIO MORANDI, LUIGI BARTOLINI, GIUSEPPE VIVIANI, EDO JANICH
2025-08-11 08:00 - 17:00 | Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Longiano (FC), Piazza Malatestiana 1, Longiano, 47020, Italy
ALLA GALLERIA D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA DI LONGIANO (FC)
PER LA PRIMA VOLTA IN ITALIA UNA MOSTRA DEI QUATTRO INCISORI AMATI DA LEONARDO SCIASCIA
90 opere provenienti da collezioni private e dalla Fondazione Balestra a cura di Flaminio Balestra
PROROGATA FINO AL 19 OTTOBRE LA MOSTRA
TANTI GLI EVENTI COLLATERALI DAL COINVOLGIMENTO DELLE SCUOLE DI OGNI ORDINE E GRADO
AD INCONTRI DEDICATI E UN LABORATORIO
SULL’INCISIONE TENUTO DA EDO JANICH
La direzione del Museo Fondazione Tito Balestra ha prorogato la mostra L’acquaforte per Leonardo Sciascia – Giorgio Morandi, Luigi Bartolini, Giuseppe Viviani, Edo Janich fino al 19 ottobre 2025.
Una mostra, come detto più volte, unica in Italia e a detta dei tanti visitatori “di straordinaria bellezza”. 90 le opere provenienti da collezioni private e dalla Fondazione Balestra dei grandi incisori amati e segnalati in più occasioni da Leonardo Sciascia che per l’acquaforte aveva una passione particolare.
Partendo dalle indicazioni di Sciascia, la Fondazione Tito Balestra ha voluto realizzare una mostra capace di riportare l’attenzione su questi quattro grandi incisori – già presenti, tra l’altro, con proprie opere, nella collezione permanente – e di testimoniare i rapporti e le affinità tra lo scrittore siciliano e il poeta longianese.
Il curatore della mostra, Flaminio Balestra, grazie alla fondamentale collaborazione dei collezionisti privati (Paolo Bassano, Alberto Marcelletti, Luciana Bartolini) e dell’artista Edo Janich, ha individuato un’importante selezione di 60 opere (15 per ogni artista). In mostra si potranno ammirare il profondo sentimento dell’esistenza di Giorgio Morandi (opere dal 1924 al 1961), i prediletti soggetti naturalistici di Luigi Bartolini (opere dal 1920 al 1937), le atmosfere suggestive di Giuseppe Viviani (opere dal 1933 al 1958), i sogni di Edo Janich (opere dal 1972 al 1999). In tutti, la grande abilità tecnica, attenta ai dettagli, che tanto incantava Sciascia. Perché è nella tecnica che si fonda tutto ciò che l’invenzione riporta sulla carta appena uscita dal torchio.
A completare il percorso, sarà possibile visitare la sezione permanente della collezione donata da Anna Balestra alla Fondazione, con 7 acqueforti di Morandi (datate dal 1921 al 1956), 18 di Bartolini (datate dal 1926 al 1962), 1 linoleografia di Viviani (datata 1937), e alcune tra le opere recentemente donate da Edo Janich (datate dal 1974 al 2023).
Diverse attività accompagneranno la mostra. Verranno organizzati laboratori per le scuole primarie e secondarie, e l’artista Edo Janich terrà un incontro sull’incisione, rivolto ad accademie e istituti d’arte. Inoltre, la mostra interagirà con la rassegna “Sagge sono le Muse – In parole”, che vedrà la partecipazione degli storici dell’arte Giuseppe Appella e Marilena Pasquali.
La fondazione con questa mostra si conferma inoltre come volano per il turismo culturale della regione Emilia-Romagna.
La mostra è realizzata anche grazie al prezioso sostegno della Direzione Generale Educazione Ricerca e Istituti Culturali del Ministero della Cultura, del Settore patrimonio Culturale della Regione Emilia-Romagna, del Comune di Longiano, di Romagna Iniziative e gode del patrocinio della Fondazione Leonardo Sciascia e di Sellerio Editore.
La mostra sarà visitabile fino al 19 ottobre 2025 Orari di apertura dal martedì alla domenica e festivi ad agosto 16:00-20:00 e settembre e ottobre 10:00-12:00 / 15:00-19:00.
Per informazioni e prenotazioni 0547 665850 oppure via mail a info@fondazionetitobalestra.org
La mostra è visitabile con il biglietto del museo
Altre INFO

MODIGLIANI, PICASSO e le Voci della modernità dal Museo LaM
2025-10-16 10:00 - 2026-01-25 19:00 | Palazzo Zabarella, Via degli Zabarella 14, Padova, 35121, Italy
16 ottobre 2025 – 25 gennaio 2026
Palazzo Zabarella, Padova
Mostra organizzata da Palazzo Zabarella e LaM
Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut
In collaborazione con Manifesto Expo
Promossa da Fondazione Bano in collaborazione con Comune di Padova
Un’eccezionale collezione d’arte proveniente da uno dei più importanti musei del Nord Europa e della Francia sarà al centro di un nuovo importante appuntamento espositivo in programma, a partire dal prossimo autunno, a Palazzo Zabarella.
Nell’ambito del dialogo avviato dalla Fondazione Bano negli ultimi anni con importanti istituzioni museali di fama internazionale – dopo le collaborazioni con il Brooklyn Museum di New York e il museo di Grenoble – è ora la volta del LaM, Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut, che ci offrirà l’opportunità di ammirare 65 opere di 30 artisti d’avanguardia in una nuova grande mostra che si aprirà al pubblico il 16 ottobre. Ai protagonisti delle avanguardie storiche e agli artisti più noti, se ne affiancano altri che aprono a scenari artistici inediti più vicini alla contemporaneità. Tra i numerosi capolavori spiccano cinque dipinti di Pablo Picasso e sei di Amedeo Modigliani.
La creazione del museo LaM, situato a Villeneuve d’Ascq, una città dell’area metropolitana di Lille, avvenuta nel 1983, è legata al lascito di Geneviève (1922-2003) e Jean Masurel (1908-1991), membri di una nota famiglia di produttori tessili del nord della Francia. La donazione comprendeva le opere acquistate da Jean Masurel e quelle lasciategli in eredità dallo zio Roger Dutilleul (1872-1956) industriale e appassionato d’arte e uno dei più importanti collezionisti di Modigliani. In un arco temporale compreso tra i primi anni del Novecento e gli anni Settanta dello scorso secolo, Dutilleul e suo nipote Masurel hanno raccolto un’eccezionale collezione, molto personale e al tempo stesso rappresentativa dei principali movimenti artistici della prima metà del Novecento in Francia. Da allora, il LaM è diventato un’istituzione chiave sulla scena culturale europea e si è ulteriormente arricchito nel 1999 con una donazione di oltre 3.500 opere d’arte brut da parte dell’associazione L’Aracine – fondata da Madeleine Lommel, Claire Teller e Michel Nedjar – e divenendo così il Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut. Con una collezione di oltre 8.500 opere d’arte, il LaM è il primo museo francese a riunire questi ambiti artistici offrendo un panorama unico dell’arte del XX e XXI secolo.
Roger Dutilleul iniziò a collezionare opere d’arte nel 1904 per non smettere mai fino alla sua morte avvenuta nel 1956. Descritto dal gallerista Daniel-Henry Kahnweiler come un “uomo profondamente simpatico e stimabile … nella tradizione dei grandi amanti dell’arte” sembra che avesse un approccio molto istintivo nei confronti della pittura, mostrando la sua sensibilità verso il colore e favorendo la sincerità dell’opera. Dutilleul affermò di non avere “nessun credo” né “dogma a priori” sull’arte, osservando: “La cosa più importante è che il dipinto ti guardi. Non spetta all’amatore guardarlo – soprattutto con idee o sentimenti preconcetti – deve accontentarsi di vederlo, vale a dire di incrociare il suo sguardo con esso, per intuire il pensiero dell’artista o, meglio ancora, la sua più profonda, intima emozione. Due esseri viventi che comunicano come meglio possono!”
Dopo aver acquisito alcune opere fauviste, rimase colpito dalla pittura di Georges Braque e Pablo Picasso divenendo uno dei primi sostenitori e collezionisti dell’arte cubista. Seguendo il gusto del gallerista Kahnweiler, si interessò anche ai dipinti “Tubisti” di Fernand Léger e alle ricerche di Henri Laurens riguardanti la scultura cubista.
Jean Masurel, figlio della sorella minore di Roger Dutilleul, Françoise Collart-Dutilleul, e del commerciante di lana Jules-Paul Masurel, crebbe nel nord della Francia e, nei primi anni Venti, fu mandato da suo zio a Parigi per prepararsi al baccalaureato. Lì iniziò ad acquistare le prime opere della sua collezione. I suoi gusti rispecchiavano quelli dello zio prediligendo gli stessi artisti: Fernand Léger, Georges Braque, Pablo Picasso, Paul Klee, André Bauchant e, in seguito, Bernard Buffet. Tuttavia, mostrava anche interesse verso la pittura astratta e sostenne gli artisti locali del nord della Francia.
Roger Dutilleul lasciò in eredità la maggior parte della sua collezione al nipote Jean Masurel il quale, considerandosi solo il «custode» della collezione comune, decise di donarla a una comunità pubblica. Fu scelta l’area metropolitana di Lille, da dove proveniva, e il Musée d’art moderne de Villeneuve d’Ascq aprì nel 1983. Da amante della natura, Jean Masurel voleva che il luogo fosse circondato da un parco e aperto all’arte contemporanea. Questo desiderio fu il segno distintivo del museo e portò nel 1999 all’ingresso della donazione dell’eccezionale collezione dell’associazione L’Aracine comprendente diverse opere come disegni, dipinti, assemblaggi, oggetti e sculture di oltre 170 artisti francesi e stranieri riconducibili all’Art Brut.
Era stato l’artista Jean Dubuffet nel 1945 a coniare il concetto di ‘Art brut’, in un periodo in cui stava iniziando a mettere insieme una collezione d’arte altamente eclettica che mostrava il suo interesse verso opere realizzate sotto l’influenza di spiriti, negli ospedali psichiatrici o da persone emarginate e dagli ‘architetti’ autodidatti che seguivano l’esempio di Ferdinand Cheval. Oggi riconosciuta come un fenomeno chiave dell’arte del XX secolo, l’Art Brut – in inglese “outsider art”, si è ampliata e diffusa in tutto il mondo. Essa viene a legarsi all’interesse e all’apprezzamento nei confronti dell’arte autodidatta espressi dagli stessi Roger Dutilleul e Jean Masurel.
Curata da Jeanne-Bathilde Lacourt, Curatrice per l’arte moderna al LaM, la mostra è articolata in sei sezioni in cui il visitatore scoprirà a Padova un approfondimento sull’avanguardia cubista con i dipinti di Picasso come Pesci e bottiglie del 1909, Donna con cappello del 1942, e di Georges Braque come La Roche-Guyon del 1909 o Il Sacro Cuore di Montmartre del 1910, per poi considerare il “Tubismo” di Fernard Léger, rappresentato da ben sei dipinti, e le ulteriori versioni del cubismo testimoniate dalle opere pittoriche di Léopold Survage, Eugène Nestor de Kermadec, Francisco Borès e dalle pietre policrome di Henri Laurens. Di Amedeo Modigliani verranno esposti autentici capolavori quali il ritratto di Moïse Kisling, Ragazzo dai capelli rossi, Nudo seduto con camicia e Maternità.
Verranno quindi compresi ulteriori movimenti e avanguardie artistiche del primo e del secondo dopoguerra, come Joan Miró, André Lanskoy, Youla Chapoval, Joaquín Torres-García, le opere di Alexander Calder, e i dipinti stratificati e materici di Eugène Leroy.
Il mazzo di fiori di Séraphine de Senlis, Il chiosco di Gertrude O’Brady, Composizione decorativa di Augustin Lesage, Dipinto meraviglioso n. 35 di Fleury Joseph Crépin faranno scoprire le vie alternative di un’arte ‘autodidatta’, più spontanea, istintiva, naïf (proprio come erano definiti questi artisti), capace di esprimere altrettanta poesia e spiritualità.
Ci si confronterà infine con l’Art Brut vera e propria attraverso due sculture in granito di Antoine Rabany, che lo stesso Dubuffet (presente in mostra con l’opera Pane filosofico) aveva contribuito a far conoscere e una scultura in legno di Auguste Forestier.
ORARI DI APERTURA:
Dalla domenica al giovedì
10:00 – 19:00
Venerdì e sabato
10:00 – 20:00
Ultimo ingresso 45 minuti prima
Chiuso il 25 dicembre

STEVE McCURRY a Palazzo Pigorini di Parma
2025-11-22 10:00 - 2026-04-12 19:00 | Palazzo Pigorini, Strada della Repubblica n. 29/A, Parma, 43121, Italy
Foto: Palazzo Pigorini, Parma – Orizzonti lontani © Steve Mc Curry
Steve McCurry non è soltanto uno dei più grandi maestri della fotografia contemporanea, pluripremiato con il prestigioso World Press Photo Award – spesso considerato il “Premio Nobel” della fotografia –, ma continua ad essere un punto di riferimento per un vastissimo pubblico, specialmente tra i giovani. Nelle sue immagini, molti riconoscono un modo unico di guardare il mondo e, in qualche modo, se stessi
Dal 22 novembre 2025 al 12 aprile 2026, Steve McCurry sarà protagonista a Parma con una grande mostra allestita a Palazzo Pigorini, nei suggestivi spazi del primo e secondo piano. A curare l’esposizione sarà Biba Giacchetti, profonda conoscitrice del lavoro di McCurry. Le fotografie non seguiranno un criterio cronologico o geografico, ma saranno accostate per affinità di soggetti, emozioni e atmosfere, cercando quei fili invisibili che legano persone e luoghi, anche lontanissimi tra loro.
L’allestimento evoca quel senso profondo di umanità che si respira in ogni scatto di McCurry. In mostra non mancheranno le sue immagini più celebri, come l’indimenticabile ritratto della ragazza afghana, fotografie realizzate in oltre quarant’anni di carriera: scatti intensi dal Sud-Est asiatico, dalla Cina, dal Sud America e da molte altre parti del mondo. Ogni volto ritratto da McCurry è un concentrato di storie, emozioni, dolore, speranza, paura e bellezza. «Ho imparato a essere paziente. Se aspetti abbastanza, le persone dimenticano la macchina fotografica e la loro anima comincia a librarsi verso di te», racconta il fotografo.
Instancabile viaggiatore, McCurry ha fatto del movimento una filosofia di vita:
«Il solo fatto di viaggiare e conoscere culture diverse mi dà gioia e una carica inesauribile».
Prodotta da ARTIKA, in collaborazione con Orion57 e il Comune di Parma, la mostra rappresenta un’occasione imperdibile per tutti gli amanti della fotografia e per chi desidera lasciarsi toccare dallo sguardo profondo e autentico di uno dei più grandi narratori visivi del nostro tempo.
BIOGRAFIA
Nato a Philadelphia nel 1950, McCurry muove i primi passi come fotografo per un giornale locale. Dopo tre anni, intraprende un viaggio in India, da cui nasce il suo primo vero portfolio. La svolta arriva con il reportage sull’Afghanistan, che gli apre le porte delle più importanti riviste internazionali, come Time, Life, Newsweek, Geo e National Geographic. Inviato sui fronti più caldi del pianeta – da Beirut alla Cambogia, dal Kuwait all’ex Jugoslavia, fino di nuovo all’Afghanistan – McCurry ha sempre scelto di essere in prima linea, mettendo a rischio la propria vita pur di raccontare le conseguenze della guerra.
Membro dell’agenzia Magnum dal 1985 e vincitore di numerosi riconoscimenti fotogiornalistici, McCurry è autore di uno degli scatti più iconici della fotografia mondiale: il ritratto della ragazza afghana dagli occhi verdi, pubblicato sulle pagine di National Geographic e divenuto simbolo universale del conflitto.
INFO:
mostre@artika.it
www.artika.it

PRIMA DEL TEMPORALE al Piccolo Teatro Grassi di Milano
2025-12-02 19:30 - 2025-12-21 16:00 | Piccolo Teatro Grassi, via Rovello, 2 – M1 Cordusio, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Prima del Temporale- Diamara Ferrero, Umberto Orsini © Claudia Pajewski
Umberto Orsini
Prima del Temporale
Massimo Popolizio
Un maestro del teatro italiano attende, nel suo camerino, il momento di entrare in scena per recitare Strindberg: al Teatro Grassi, dal 2 al 21 dicembre, Umberto Orsini, diretto da Massimo Popolizio, dipinge il ritratto di un attore alle prese con i fantasmi del proprio passato
Con un rovesciamento della percezione del tempo tipica dei sogni, un vecchio attore – nella mezz’ora che lo separa dall’entrata in scena per recitare da protagonista nel Temporale di Strindberg – si trova a rivivere, in un tempo senza fine, alcuni momenti della propria vita. La colonna sonora della realtà di un teatro che si sta animando all’esterno del suo camerino diventa il pretesto e l’invito, a volte spensierato e a volte commosso, a incontrare e addirittura a dialogare con i fantasmi del proprio passato: dove un suono ne evoca un altro, una risata riporta a un momento di gioia, un lungo silenzio a una perdita lontana nel tempo. Massimo Popolizio ha voluto aggirarsi attorno alla figura dell’attore con la delicatezza con cui si tenta di svelare dei segreti che vogliono comunque restare misteriosi. In una scenografia di forte impatto evocativo – dove il suono e le immagini creano un dialogo immaginario con il protagonista – si assiste al lungo viaggio verso quel Temporale vissuto come un’ultima meta non ancora raggiunta, ma appena rimandata. Umberto Orsini si lascia guidare da Popolizio con la fiducia dell’anziano maestro che affida alla discrezione del più giovane il compito di raccontare i frammenti della sua vita, ma anche la storia del nostro Paese dal dopoguerra a oggi.
«Il titolo Prima del Temporale – racconta Umberto Orsini – testimonia un progetto che da tempo avevo in mente: allestire Temporale di Strindberg con la regia di Massimo e nove interpreti, progetto azzerato dallo scoppio della pandemia di Covid. Massimo allora mi ha spinto a raccontare la mia vita, prendendo spunto dal mio libro Sold out, ma riflettendo anche su episodi che in parte non sono nel libro, raccontandomi e dialogando con due figure tipiche del mondo teatrale, la sarta di compagnia e un addetto del teatro».
«Siamo in una città qualunque – aggiunge il regista Massimo Popolizio – prima dell’ultima replica del testo di Strindberg in una situazione “bernhardiana”. È la storia di un ragazzo italiano che, negli anni Cinquanta, parte dalla provincia con pochi soldi e arriva nella grande città, Roma, con il sogno di iscriversi all’Accademia d’Arte Drammatica e, nonostante il marcato accento novarese, viene accettato».
Dopo le repliche milanesi, lo spettacolo sarà in tournée a Parma (Teatro Due, 24 e 25 marzo), Bologna (Teatro Duse, dal 27 al 29 marzo), Correggio (Teatro Asioli, 31 marzo), Fidenza (Teatro G. Magnani, 1 aprile), Orvieto (Teatro Mancinelli, dall’11 al 12 aprile), Napoli (Teatro Diana, dal 14 al 26 aprile), Roma (Teatro Argentina, dal 5 al 10 maggio), Torino (Teatro Carignano, dal 26 al 31 maggio).

Piccolo Teatro Grassi (via Rovello, 2 – M1 Cordusio), dal 2 al 21 dicembre 2025
Prima del Temporale
da un’idea di Umberto Orsini e Massimo Popolizio
con Umberto Orsini
e con Flavio Francucci e Diamara Ferrero
regia Massimo Popolizio
scene Marco Rossi e Francesca Sgariboldi
costumi Gianluca Sbicca
video Lorenzo Letizia
luci Carlo Pediani
suono Alessandro Saviozzi
assistente alla regia Mario Scandale
produzione Compagnia Orsini
Orari: martedì, giovedì e sabato ore 19.30; mercoledì e venerdì ore 20.30;
domenica ore 16; lunedì riposo.
Durata: un’ora e 20 minuti senza intervallo
Prezzi: platea 33 euro, balconata 26 euro
Informazioni e prenotazioni 02.21126116 – www.piccoloteatro.org
