Punto e Linea Magazine

L’ALBERGO DEI POVERI dall’opera di Maksim Gor’kij
2024-03-07 19:30 - 2024-03-28 19:30 (Europe/Rome) | Piccolo Teatro Strehler, Largo Greppi, Milano, 20121
Foto di scena: L’albergo dei poveri – Da sinistra Raffaele Esposito, Massimo Popolizio © Claudia Pajewski
Piccolo Teatro Strehler (largo Greppi – M2 Lanza), dal 7 al 28 marzo 2024
L’albergo dei poveri
uno spettacolo di Massimo Popolizio
tratto dall’opera di Maksim Gor’kij, riduzione teatrale Emanuele Trevi
scene Marco Rossi e Francesca Sgariboldi, costumi Gianluca Sbicca
luci Luigi Biondi, disegno del suono Alessandro Saviozzi
movimenti scenici Michele Abbondanza
assistente alla regia Tommaso Capodanno
con Massimo Popolizio
e con Sandra Toffolatti, Raffaele Esposito, Michele Nani, Giovanni Battaglia,
Aldo Ottobrino, Giampiero Cicciò, Francesco Giordano, Martin Chishimba,
Silvia Pietta, Gabriele Brunelli, Diamara Ferrero, Marco Mavaracchio,
Luca Carbone, Carolina Ellero, Zoe Zolferino
produzione Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, Teatro di Roma – Teatro Nazionale
foto di scena Claudia Pajewski
Orari: martedì, giovedì e sabato, ore 19.30; mercoledì e venerdì, ore 20.30; domenica, ore 16.
Durata: 100 minuti senza intervallo
Dopo la prima nazionale, il 9 febbraio scorso, al Teatro Argentina di Roma, dove ha replicato con grande successo fino al 3 marzo scorso, arriva a Milano, al Teatro Strehler, da domani, 7 marzo, L’albergo dei poveri, il titolo che, nel 1947, inaugurò il Piccolo Teatro, ora coproduttore insieme al Teatro di Roma. Massimo Popolizio prosegue la sua ricerca artistica e civile portando in scena il dramma corale di Maksim Gor’kij, nella riduzione teatrale di Emanuele Trevi. In scena, una compagnia di 16 attori, incastonati nelle scene di Marco Rossi e Francesca Sgariboldi, con i costumi firmati da Gianluca Sbicca, le luci di Luigi Biondi, il disegno del suono di Alessandro Saviozzi e i movimenti scenici di Michele Abbondanza.
Conosciuto anche come I bassifondi, o Nel fondo, o ancora Il dormitorio, l’opera di Maksim Gor’kij fu rappresentata per la prima volta a Mosca nel 1902 con la regia di Stanislavskij e poi ribattezzata L’albergo dei poveri da Giorgio Strehler nel 1947, in occasione della regia che inaugurò il Piccolo Teatro di Milano il 14 maggio del 1947. In scena era lo stesso Strehler, nei panni di Aleška (oggi interpretato da un ex allievo della Scuola del Piccolo, Gabriele Brunelli), affiancato da attori del calibro di Lilla Brignone, Marcello Moretti, Salvo Randone, Gianni Santuccio.
Dopo 77 anni da quella prima, storica, rappresentazione italiana, Massimo Popolizio ripropone al pubblico il titolo voluto da Strehler, in virtù del suo valore emblematico e poetico, oltre che storico.
L’albergo dei poveri è un grande dramma corale che si potrebbe definire shakespeariano nel suo sapiente dosaggio di pathos, denuncia sociale, amara comicità, riflessione filosofica e morale sul destino umano. In scena una compagnia di 16 attori, che impone alla regia la ricerca di un ritmo adeguato al continuo mutare delle situazioni e dei punti di vista. Un crescendo di tensione reso ancora più evidente dall’angustia dello spazio evocato: un rifugio di derelitti e alcolizzati dove i personaggi trascorrono i loro giorni tentando di non soccombere alla disperazione e all’inerzia della sconfitta.
Si tratta di una sfida che, dopo Stanislavskij e Strehler, è stata raccolta anche da grandi maestri della regia cinematografica, tra gli altri, Renoir e Kurosawa. Se le grandi opere viaggiano nel tempo per essere rilette a ogni generazione da angolature diverse, lo stile di regia di Popolizio, la sua maniera di dirigere gli attori e il meccanismo teatrale nel suo complesso, sembra particolarmente adeguato a scrivere un nuovo capitolo di questa storia di interpretazioni. Il nostro non è il mondo del 1902, e nemmeno quello del 1947: è mutato anche il concetto stesso di «povertà», ma l’energia drammatica, la forza visionaria, la disperata lucidità dei personaggi di Gor’kij è ancora intatta, grazie anche alla nuova scrittura drammatica di Emanuele Trevi.
Ho sempre pensato che i Teatri pubblici, specie i Teatri Nazionali, debbano fare grandi spettacoli, con molti attori di grande livello, con grandi scene, il tutto realizzato possibilmente a grandi livelli.
Penso pure che ci sia teatro di grande qualità da festival, quello che di solito non parte da un testo o lo utilizza come pretesto, e quello dei grandi Teatri, che dovrebbe mettere invece autore e attore al centro del fatto teatrale. Meglio se si riesce a restituire nuova vita a grandi testi scivolati nell’oblio. Tutte queste caratteristiche si ritrovano ne L’albergo dei poveri, nella versione di Emanuele Trevi e nella messa in scena di Massimo Popolizio, che il Teatro di Roma coproduce col Piccolo di Milano.Un moralismo ipocrita e demagogico tende a vedere come un teatro reazionario il grande teatro, regno di sprechi e di supremazia del regista demiurgo, contrapposto alla politica dei mille piccoli spettacoli. È una concezione di teatro pubblico come sub assessorato che non condivido.
Da quando Massimo Popolizio ha intrapreso definitivamente la strada della regia, è stato con coerenza e coraggio dentro codesta linea, con spettacoli che ricordano le pagine migliori di questi ultimi, tormentati anni del Teatro di Roma, come Ragazzi di vita, Un nemico del popolo, M – Il figlio del secolo e quest’ultimo, tutti esempi di spettacoli “da teatro nazionale”. Massimo ha gestito con molto acume, intelligenza e un pizzico di astuzia la fase della sua carriera successiva al felicissimo sodalizio con Ronconi. Non ho una grande simpatia per il primo attore che si fa regista di spettacoli in cui è presente anche in scena: mi pare che in questo caso venga meno quel ruolo arbitrale che spesso è indispensabile al regista. Ma, mai come in questo caso, questa prevaricazione Massimo non la compie, realizzando forse la sua migliore regia. Mi permetto questo elogio perché, personalmente, non ho contribuito in alcun modo alla realizzazione dello spettacolo. Lodandolo, quindi non sto elogiando me stesso ma posso solo compiacermi della buona sorte che ha fatto coincidere il mio arrivo al Teatro di Roma con il debutto di questo Albergo dei poveri.
Luca De Fusco, Direttore Fondazione Teatro di Roma
Come una città dai mille volti e dalle infinite cavità, percorsa da tortuose traiettorie di destini che si perdono in baratri di tormento ed estasi, secondo un frenetico ciclo di dissoluzioni e tentativi di rinascita, L’albergo dei poveri di Maksim Gor’kij è un vorticoso teatro esistenziale dove risuonano fulminanti interrogazioni sul fato, sui flutti del tempo, sulla vita, sulla morale, sulle pieghe del dolore, sull’ineluttabilità del male, non ultimo sul nucleo ignoto della presenza di Dio. A partire dall’adattamento di Emanuele Trevi (fidato sodale in varie altre regie), Massimo Popolizio, sotto l’egida del Teatro di Roma e del Piccolo Teatro di Milano, ha scelto di scandagliare questo luogo di laceri incontri e conflitti, in senso letterale patetici, non per scioglierne i nodi quanto per attraversarne, in maniera rapsodica e obliqua, il fondo oscuro e misurarsi così con il mistero indecifrabile della condizione umana. Grazie allo slancio della nutrita compagnia di interpreti, abile nel donare ai personaggi una corposità concreta e insieme stregata e irreale, le ardenti passioni delle immonde e vibranti “storiacce”, affastellandosi lungo le severe e glaciali diagonali dell’edificio che le ospita, acquistano, a loro volta, una consistenza tangibilissima e spettrale. Una vertigine ilarotragica finisce per avviluppare lo spettacolo in cui precipitano nuove figure (Il Principe) e frammenti testuali di altri autori (Čechov, Florenskij, Tolstoj, Puškin, McCarthy, lo stesso Trevi), nel segno di uno sferzante dialogo con il dramma di Gor’kij che, com’è noto, conserva un indelebile valore fondativo per la storia del Piccolo Teatro di Milano.
Claudio Longhi, Direttore Piccolo Teatro di Milano
«Sono interessato al teatro di Massimo Popolizio e mi piace lavorare con lui, ma soprattutto rimango affascinato dalla sua tecnica e voglio scoprirla meglio, voglio entrare nella sua testa. Lavorando abbiamo passato dei mesi molto nutrienti dal punto di vista creativo: a definirti artisticamente non è solo quello che fai, ma anche quello che escludi di fare. Abbiamo cominciato a lavorare alla vecchia maniera, su dei testi non teatrali, i due grandi romanzi Satyricon di Petronio e Metamorfosi di Apuleio. Abbiamo avuto tra noi e con i produttori una interlocuzione; e però quel che a volte succede è che, se vuoi innovare, ti trovi a tornare su qualcosa di apparentemente più convenzionale, per cambiarlo dall’interno. Sono certo che, con ciò che abbiamo realizzato alle spalle, da quei due progetti avremmo tratto qualcosa di interessante; ma nelle fasi della vita germoglia anche l’istinto di non ripetere strade già percorse. Sono abbastanza certo che, se Massimo tornerà a lavorare su testi non teatrali, l’esperienza di passaggio dentro due testi teatrali così importanti (accanto a L’albergo dei poveri c’è stato anche Uno sguardo dal ponte di Arthur Miller) avrà aggiunto nuove prospettive anche al lavoro sulla lingua letteraria.» […]
«C’è anche da considerare che Massimo è in scena. Questa volta, oscillando tra estremi, ha tenuto in sospeso dentro se stesso il carattere del pellegrino Luka, tra l’idea di un truffatore e l’idea di un santo e una terza via, la più interessante: che un aspetto possa non escludere l’altro. Io faccio lo scrittore e questo è un lavoro molto diverso, perché si ha la sensazione di “lavorare per”. Uno scrittore non arretra mai del tutto rispetto a delle scelte che ha preso, mentre il lavoro dell’adattamento per un regista si può fare solo se davvero si ama il lavoro di quel regista, se si è interessati a quella specifica carriera artistica da essere felicissimo di dare un contributo. Ed è una collaborazione che insegna molto, che mi mette nella condizione di non avere io l’ultima parola, ma di poter inserire frammenti del mio mondo interiore. Quando si arriva a consegnare un materiale bisogna aspettarsi che nel periodo di prove quel materiale cambi. È un lavoro inizialmente solitario e poi ci si vede e si parla tanto: sono riunioni bellissime perché si entra con una postura e si esce con un’altra; nel frattempo registri delle variazioni sul file. Ma c’è un momento – una sorta di intervallo magico – in cui lo spettacolo va in prova: certi orientamenti anche molto decisi a tavolino devono operare una vera e propria retromarcia e tornare in un’ambiguità, altrimenti si nega a un artista ciò che ha di più prezioso, la libertà.»
Emanuele Trevi, estratti da Nella pancia del grande vascello a cura di Sergio Lo Gatto
Dopo un mese di recite al Teatro di Roma, nella sala di largo Argentina, il grande vascello dell’Albergo dei poveri approda al Piccolo, al Teatro Strehler. È l’occasione per tornare a ragionare, insieme a Massimo Popolizio, dei contenuti del testo, della sua contemporaneità
e del ruolo che il teatro può svolgere nella società dei nostri giorni.
Perché, secondo te, questo testo, come la freccia di Cupido, va dritto al cuore del pubblico?
L’albergo dei poveri è uno dei testi più “barbari” di Gor’kij, forse è anche il meno riconducibile a un canone, in quanto non ha una vera e propria trama; grazie a questo, però, non invecchia, perché affronta temi universali. Il corpo centrale, il nucleo dell’opera è estremamente violento, passionale, cinico e, a mio avviso, rispecchia la disperazione in cui viviamo oggi. C’è chi lo scopre a quaranta, chi a trenta, chi a sessant’anni, ma che il mondo sia un inferno è un dato di fatto oggettivo…
Il fascino dei personaggi che popolano il dormitorio dove si svolge la vicenda, i “perduti” – un microcosmo di magnaccia, ladri, bari, ex prostitute… – è che si comportano esattamente come le persone che vivono nel mondo “di sopra”: è un “bassofondo”, per citare l’altro titolo con cui spesso quest’opera è proposta, che rispecchia la società delle persone “rispettabili”, ma che è, al tempo stesso, animato da speranze e utopie, spesso tradite, e dal desiderio di un cambiamento impossibile.
Nel sottomondo dei “perduti”, tutti accomunati dalla miseria e dalla disperazione, sorprendentemente non sembra esistere solidarietà…
In realtà si formano coalizioni che mutano velocemente: ci si allea con qualcuno perché si ha un obiettivo comune che cambia nell’arco di cinque battute. Così, si sceglie qualcun altro. La situazione è molto dinamica, per i caratteri, gli umori, i preconcetti dei protagonisti. Capita che ce l’abbiano con uno perché prega sempre, a prescindere da chi e per cosa prega. Si coalizzano tutti progettando l’uccisione del padrone dell’albergo, ma poi non commettono il delitto perché preferiscono demandarlo a Pepel, a quello che “lavora sempre di coltello”. Anche gli amori cambiano… si ama qualcuno e, dieci battute dopo, lo si odia.
E Luka, il tuo personaggio, chi è?
Un pellegrino. Che cosa significa? Molte analisi critiche del testo dicono che non lo è davvero, ma semplicemente ha assunto l’aspetto del pellegrino. Uno dei temi principali dello spettacolo, infatti, è la potenza dell’immaginazione: il mondo è migliore se ce lo si inventa, oppure se lo si vive per quel che realmente è? C’è addirittura un personaggio del dormitorio, Nastja, una ragazzina, che vive immersa nel racconto di un libro, Amore fatale, una specie di Liala del tempo. Il romanzo le dà la forza di sopravvivere in quel mondo… Allora, immedesimarsi nel racconto di qualcun altro è meglio o è peggio che vivere la propria vita? Lo spettacolo non offre soluzione, ma pone il problema: forse, immaginarsi una storia è meglio. Può aiutare. A questo si collega un altro tema fondamentale: la verità. Che cos’è? È utile? Serve conoscere la verità su di sé o, in certi casi, è meglio non sapere? Ed ecco che Luka forse è un santo, ma anche un peccatore, un cialtrone, una specie di guru, uno che si ubriaca. Mi ricorda figure nelle quali qualche volta mi sono imbattuto, ex preti che hanno lasciato i voti, persone che sono rimaste depositarie di una forte spiritualità, che vedono più in là. Non è necessario essere cattolici o credenti per essere spirituali, anzi Luka cerca di valorizzare questa componente negli altri. Mente? Probabilmente sì. Ci crede? Probabilmente sì. Esprime concetti filosofici in modo mai retorico, tra un bicchiere e l’altro, tra uno schiaffo e una bevuta. Ha il terrore della morte e non sa come fronteggiarla. In questo testo, muoiono ben tre personaggi: Kostylev, il padrone dell’albergo, ucciso da Pepel; la moglie di Klešč, una sposa bambina, che muore di tisi; l’attore alcolizzato, che si impicca. Di fronte a questi episodi, ciascun personaggio mostra di avere un rapporto diverso con la morte: Pepel è quello più spavaldo, l’arrogante; Klešč non fa che augurare la morte ad Anna, la moglie agonizzante, per levarsela di torno, ma una volta che lei è scomparsa, resta smarrito, solo, privo di difese e il suo carattere cambia completamente. Io, quando quella ragazza muore, le sono vicino e non so cosa fare per lei. Anna mi chiede: «Come sarà l’altro mondo?». Non lo so. M’invento che sarà dolce, che la porteranno dal Signore che dirà di sapere tutto di lei… Le racconto una fiaba perché non so come comportarmi. Del resto, tutti noi abbiamo un diverso approccio con la morte e questa mi sembra una cosa estremamente contemporanea. Quanti di noi hanno paura a entrare in un ospedale o non sanno come reagire di fronte a una malattia che li travolge come un treno. La domanda che sta sotto a tutto è: Dio esiste? Se ho una vita atroce, se mi trovo in un mondo orrendo, devo ancora credere? Se vivo, poniamo il caso, a Gaza, è Dio che lo consente e che ha permesso la Shoah? Perché dobbiamo credere? Cos’è la fede? È un atto indiscusso? Un altro spunto, per me interessantissimo, è quando Anna, sempre negli ultimi istanti della sua vita, a Luka, che le spiega come Dio parli a tutti, risponde non solo di non aver mai pregato, ma soprattutto di non aver mai sentito la voce di Dio. Luka, allora, le dice che quando quella voce cesserà, sarà allora che lei saprà di averla sempre udita. Pronunciando questa battuta mi sono chiesto che cosa succederà a me, sul letto di morte, se invocherò mia madre, o se pregherò anche io, che pure non ho mai creduto né in Dio, né nell’Inferno e nel Paradiso…
Cos’è quest’amo che ci tiene tutti legati? Come possiamo chiamarlo? Umanità? Spiritualità? Fede? Quando la domanda, di Pepel, è «Dio esiste?», Luka risponde «Quello in cui credi esiste. Quello in cui non credi non esiste». Sembra una battuta di spirito, ma in questo spettacolo, anche attraverso le apparenti cialtronerie di Luka, si lanciano in platea spunti di riflessione che la vita di tutti i giorni ci ha fatto scordare. La colpa di questo oblio sta nella tecnologia, che ci ha disumanizzati, rendendoci dipendenti da qualcosa che decide per noi, per la nostra anima, per il nostro cuore, che modifica il nostro carattere. In questo spettacolo “all’antica”, un vascello completamente in mano agli attori, siamo una ciurma che parla con il corpo e la voce e racconta, alle persone sedute in sala, che «È una cosa magnifica l’uomo. Suona maestoso. Bisogna rispettarlo, non umiliarlo con la compassione».
Potrebbe essere questa frase ad aver suggerito a Strehler di scegliere “L’albergo dei poveri” come spettacolo che inaugurò il Piccolo Teatro, il 14 maggio del 1947?
Credo che Strehler abbia avuto anche questo motivo, ma non solo. L’incantesimo del teatro, dove un individuo, sulla scena, si rivolge a un suo simile che lo ascolta dalla platea non smette mai di meravigliarmi. Anzi, ogni volta mi domando come sia possibile che uomini e donne, dopo una giornata di lavoro, si rechino in un teatro, contro tutto e tutti, traffico, stanchezza, problemi… Forse perché hanno bisogno di questa esperienza dal vivo – come accadeva anche nella Milano di Strehler, nel dopoguerra – e noi, attori e attrici, che ci cambiamo e ci vestiamo con abiti non nostri, indossiamo barbe e parrucche, ci trucchiamo, abbiamo il dovere di offrire uno spettacolo che sia all’altezza di quella domanda.
Il teatro è un antidoto alla disumanizzazione tecnologica di cui parlavi?
Sì, anche se sarebbe retorico dire che lo sia sempre. Lo è il buon teatro, come la letteratura di qualità. È meglio leggere un libro che stare sui social? Dipende. Se si legge un buon libro sì, altrimenti è meglio Facebook.
OLTRE LA SCENA | L’ALBERGO DEI POVERI
PAROLE IN PUBBLICO | Incontro con la compagnia
Grande dramma corale, L’albergo dei poveri di Massimo Popolizio vede alternarsi sulla scena ben sedici interpreti, chiamati a evocare dai “bassifondi” il groviglio di umanità tratteggiato da Gor’kij. Un’orchestra di corpi e voci che vale la pena ascoltare anche fuori di scena, in questo incontro dedicato, per scoprire – insieme a Popolizio e alla compagnia – le dinamiche, i temi e il percorso di costruzione dello spettacolo.
Chiostro Nina Vinchi – mercoledì 13 marzo, ore 17.30
con Massimo Popolizio e le attrici e gli attori della compagnia
modera Anna Piletti
WALK TALK | La Milano dei “miracoli”
Un itinerario ad attraversare i luoghi, immaginati o reali, che costituirono il racconto della Milano “dei miracoli” di Vittorio De Sica e Cesare Zavattini nel film Miracolo a Milano. Una città ancora ferita dalla guerra, dove “i poveri disturbano” – così avrebbe dovuto inizialmente intitolarsi il film – e dove viene ricreato il famoso “villaggio Brambi”, baraccopoli di fantasia, situata in via Valvassori Peroni. Un luogo immaginario, che ricorda, tuttavia, le baracche e gli “alberghi dei poveri” realmente esistiti sul territorio, e che rimanda a quell’orizzonte storico, sociale e urbano in cui Giorgio Strehler decise di realizzare L’albergo dei poveri di Maksim Gor’kij, facendone un primo manifesto del suo “teatro umano”.
Il percorso attraverserà il quartiere di Lambrate, intrecciando il racconto della città con la ricostruzione cinematografica e con le letture tratte dallo spettacolo di Massimo Popolizio.
Piazzale Basilica SS.MM. Nereo e Achilleo, Viale Argonne 56 – domenica 17 marzo, ore 11 con le attrici e gli attori della compagnia
In collaborazione con Circolo Acli Giovanni Bianchi Lambrate
PAROLE IN PUBBLICO | PRESA DI PAROLA
Un passeggero di nome Gor’kij
Nel ridisegnare l’umanità frastagliata, ferina e dolente di Gor’kij, Massimo Popolizio ed Emanuele Trevi non si sono ispirati solo al testo del drammaturgo russo, ma, calatisi in altre profondità letterarie, questa volta a stelle e strisce, sono andati a interrogare le parole di Cormac McCarthy. Ed è proprio dal passo di uno dei suoi ultimi romanzi, Il passeggero, che prende vita questo “presa di parola”, per mettere a fuoco, grazie agli interventi di Giuseppe Genna, scrittore, e Damiano Rebecchini, ordinario di Letteratura russa all’Università degli Studi di Milano, la riflessione filosofica e morale sull’umano e il desiderio di trascendenza, che lo spettacolo innesca. Ma anche per far dialogare due autori apparentemente agli antipodi – per tradizione, penna, cronologia –, che trovano nel palcoscenico il loro minimo comun denominatore.
Chiostro Nina Vinchi – mercoledì 20 marzo, ore 18.30
con Giuseppe Genna e Damiano Rebecchini
modera Roberta Ferraresi
SEGNALIBRO | Un teatro necessario
Il 14 maggio 1947 si inaugurava la sala di via Rovello: ad andare in scena era L’albergo dei poveri, prima regia di Giorgio Strehler al Piccolo Teatro di Milano. Il resto è storia. A distanza di quarant’anni, fu lo stesso regista a ripercorrere, in una lunga riflessione, i primi otto anni di vita del teatro che aveva fondato insieme a Paolo Grassi.
Quei pensieri, in dialogo con una selezione di testi e articoli, scritti tra il 1942 e il 1945 – alcuni dei quali mai pubblicati prima –, danno vita a Un teatro necessario, volume che prosegue la serie di pubblicazioni dedicate a Strehler, realizzate in collaborazione con il Saggiatore. A presentarlo nella cornice del Chiostro Nina Vinchi, insieme al direttore, Claudio Longhi, sono Alberto Bentoglio, professore di Storia del Teatro all’Università degli Studi di Milano e Giovanni Soresi, storico direttore della comunicazione del Piccolo, che ha supervisionato la pubblicazione degli scritti strehleriani conservati negli archivi del teatro. Michele Nani, che di Strehler è stato allievo, leggerà dei passi scelti del volume a ritrovare le parole del Maestro. Perché, come scrive lo stesso Strehler: «Mai nulla cambia nel teatro. E cambia tutto. Mai la vita si ripete pur restando se stessa».
Chiostro Nina Vinchi – giovedì 21 marzo, ore 17.00
con Alberto Bentoglio, Claudio Longhi, Giovanni Soresi
Letture di Michele Nani
In collaborazione con il Saggiatore
Tutti gli appuntamenti sono a ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria su piccoloteatro.org

ASPETTANDO GODOT di Samuel Beckett
2024-03-05 20:30 - 2024-03-10 16:00 | Piccolo Teatro Grassi, via Rovello, 2 – M1 Cordusio, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Paolo Musio (in alto), Giulio Germano Cervi (in basso), Enzo Vetrano © Johanna Weber
Teatro Grassi, dal 5 al 10 marzo
Theodoros Terzopoulos
Dal 5 al 10 marzo, al Piccolo Teatro Grassi, va in scena Aspettando Godot nella versione diretta da Theodoros Terzopoulos. Il regista greco, tra i più grandi maestri della ricerca teatrale, dirige un cast d’eccezione – Paolo Musio, Stefano Randisi, Enzo Vetrano, Giulio Germano Cervi e Rocco Ancarola – per offrire una lettura contemporanea e universale del capolavoro di Samuel Beckett
Aspettando Godot
di Samuel Beckett
copyright Éditions de Minuit
traduzione Carlo Fruttero
regia, scene, luci e costumi Theodoros Terzopoulos
con (in ordine alfabetico) Paolo Musio, Stefano Randisi, Enzo Vetrano
e Giulio Germano Cervi, Rocco Ancarola
musiche originali Panayiotis Velianitis
consulenza drammaturgica e assistenza alla regia Michalis Traitsis
training attoriale – Metodo Terzopoulos Giulio Germano Cervi
produzione Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale, Fondazione Teatro di Napoli – Teatro Bellini
in collaborazione con Attis Theatre Company
Il regista greco Theodoros Terzopoulos, riconosciuto a livello internazionale fra i grandi maestri del teatro del Novecento, si confronta con Aspettando Godot di Samuel Beckett, uno dei testi più celebri del “teatro dell’assurdo”, in scena al Piccolo Teatro Grassi dal 5 al 10 marzo.
Scritto alla fine degli anni quaranta, pubblicato in lingua francese nel 1952 e andato in scena per la prima volta al Theatre de Babylone di Parigi il 5 gennaio 1953, Aspettando Godot è tra i drammi che hanno maggiormente segnato la storia del teatro novecentesco. La vicenda si concentra su un dialogo inconcludente tra due personaggi, sospesi in una misteriosa condizione d’attesa.
Con una pratica che coniuga arte antica e moderna, Theodoros Terzopoulos è noto per il suo originale approccio alla tragedia greca e ai testi classici, vere e proprie fonti per indagare questioni universali dell’essere umano. Nella sua versione, la vicenda è ambientata in un mondo futuro ferito e in rovina, che apre l’interrogativo su quali siano le condizioni minime per pensare a una vita degna di essere vissuta. Con la sua cifra stilistica Terzopoulos crea un vivo scambio tra la contemporaneità e il dramma beckettiano, trattato come una lente per leggere e interpretare il presente e le sue profonde contraddizioni.
«Tutto deve essere profondamente radicato nella tradizione, deve poter attraversare la realtà del presente ed essere indirizzato verso il futuro. Il riflesso dal futuro probabilmente potrebbe essere la realtà che desideriamo. Una realtà nuova» ha dichiarato il regista. «In Aspettando Godot – commenta – vengono date due risposte possibili, da cui vogliamo far partire il nostro lavoro. La prima è il tentativo di comunicare e coesistere con l’Altro, nonostante gli ostacoli, anche quando questi sembrano insuperabili. La seconda è il tentativo di mettersi in comunicazione con l’Altro dentro di noi, quest’area buia e imperscrutabile densa di desideri repressi e paure, istinti dimenticati, regione dell’animalesco e del divino, in cui dimorano la pazzia e il sogno, il delirio e l’incubo. Questo è il viaggio che cercheremo di fare: verso l’Altro dentro di noi e verso l’Altro al di fuori di noi, all’opposto, lontano da noi».
«I personaggi beckettiani – conclude – si muovono in una zona grigia, in un paesaggio del nulla, quello dell’annientamento dei valori umani. […] Il sarcasmo alla ricerca di una fine che non ha fine è l’espressione dominante dei loro esercizi di sopravvivenza. […] Ogni nuovo inizio è la definizione di una nuova fine. Pessimismo estremo. I personaggi tacciono aspettando la rivelazione dell’indicibile, che non si rivela mai. Alcune domande, che riguardano la natura umana e il futuro, forse avranno risposte, la maggior parte però no. Forse alcune arriveranno dagli stessi spettatori. L’arte del teatro esiste e persiste proprio in virtù̀ delle domande senza risposta».
Piccolo Teatro Grassi (via Rovello, 2 – M1 Cordusio), dal 5 al 10 marzo 2024
Orari: martedì, giovedì e sabato, ore 19.30; mercoledì e venerdì, ore 20.30; domenica, ore 16
Durata: 90 minuti senza intervallo
Prezzi: platea 33 euro, balconata 26 euro
Informazioni e prenotazioni 02.21126116 – www.piccoloteatro.org

CANOVA - Tra innocenza e peccato
2024-02-27 20:45 - 2024-02-28 23:30 | Teatro Manzoni di Milano, Via Alessandro Manzoni 42, Milano, 20121, Italia
Foto: Vittorio Sgarbi
27 e 28 febbraio 2024
ore 20,45
Corvino Produzioni
presenta:
Vittorio Sgarbi
CANOVA
Tra innocenza e peccato
di Vittorio Sgarbi
con:
Carlo Bergamasco Piano
Marcello Corvino violino
Antonio Canova ha incarnato, con le sue sculture, l’ideale di una bellezza eterna, fondata su principi di armonia, misura, equilibrio, affermandosi come massimo esponente del Neoclassicismo italiano e lasciando in eredità un ideale estetico che continua a vivere fino a oggi.
Canova tra innocenza e peccato intende indagare come questa eredità abbia influenzato i linguaggi artistici contemporanei, nella ricerca di un concetto di bellezza che trova declinazioni diverse – dalla fotografia alle esperienze scultoree più recenti – fino a venire talvolta negato in maniera radicale.
BIGLIETTI
Prestige € 35,00 – Poltronissima € 32,00 – Poltrona € 23,00 – Poltronissima under 26 anni € 20,00
Per acquisto:
biglietteria del Teatro
online
circuito Ticketone

ORAZIO incautamente ispirato dall'Amleto di W. Shakespeare
2024-02-27 20:00 - 2024-03-03 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto: Paolo Mazzarelli © Mario Spada
testo e regia
Paolo Mazzarelli
con
Antonio Bandiera, Beatrice Vento, Francesco Jacopo Provenzano, Paolo Mazzarelli
scene e costumi Paola Castrignanò
sound design e musiche originali Luca Canciello
luci Carlo Pediani
maschere Tiziano Fario
aiuto regista Gianluca Bonagura
produzione
Teatro Stabile di Bolzano – a.ArtistiAssociati – Compagnia Orsini
Durata spettacolo 80’
Dal 27 febbraio al 3 marzo in scena al Teatro Menotti in prima milanese Orazio, spettacolo incautamente ispirato all’Amleto di William Shakespeare, scritto e diretto da Paolo Mazzarelli.
“Orazio” è un racconto avvincente che esplora il mondo degli antieroi, dei giovani che inciampano, si rialzano e, nelle macerie lasciate dai padri, cercano la forza per immaginare, costruire e raccontare un orizzonte diverso. Una commedia che si sviluppa con un finale vagamente apocalittico, impreziosito da una tragedia permeata di umorismo che permette di riflettere sulla complessità della vita.
Il testo, scritto in modo originale, attinge ispirazione dall’Amleto di Shakespeare, dando vita a un’opera che si distingue per la sua autenticità e profondità. “Orazio” è un’ode commovente a un personaggio shakespeariano amato – Orazio stesso – e a coloro che, come lui, sanno restare in secondo piano, accettando il ruolo di spalla, compagno e testimone.
NOTE DI REGIA
La prima cosa che mi viene da dire su ORAZIO è che si tratta di una commedia, di qualcosa, cioè, che aspira (anche) a divertire.
La seconda è che i tre protagonisti della vicenda – Orazio, Anna, Mahdi – sono ragazzi poco più che ventenni. L’intera operazione nasce dal mio desiderio di guardare la realtà attraverso i loro occhi, occhi di ragazzi che si muovono, per un motivo o per l’altro, tra le macerie del presente. Dietro i ragazzi, in secondo piano, mi sono divertito ad interpretare le figure dei loro padri: padri dannati, spesso ridicoli, a volte assenti.
La terza cosa da dire è che sì, ORAZIO è una storia che parla di teatro, si svolge in un teatro, e addirittura contiene al suo interno frammenti dell’Amleto; ma proprio Shakespeare ci insegna che parlare di teatro non vuol dire altro che parlare della realtà, e guardare ad Amleto non vuol dire altro che guardare all’essere umano. Di Amleto, Orazio è il migliore amico, il compagno silenzioso cui l’eroe morente affida il compito di raccontare la sua storia, una storia nella quale Orazio è l’unico superstite, il testimone, l’antieroe. Dal mio amore per la sua figura nasce questa commedia che ha al suo centro un Orazio di oggi, anch’egli un antieroe, anch’egli alle prese con un amico in difficoltà, anch’egli perso in una realtà che lo inchioda -teatro o non teatro, questo è il problema- al ruolo di testimone.
Paolo Mazzarelli
PAOLO MAZZARELLI
Nato a Milano da famiglia napoletana, Mazzarelli si diploma nel 1999 alla Scuola d’arte drammatica Paolo Grassi; quindi, intraprende la carriera di attore lavorando soprattutto a teatro con alcuni fra i più importanti registi (Nekrosius, Stein, Martone, De Rosa, Tolcachir, Baracco, Veronese, Andò, Carsen). Il primo lavoro di cui è autore e regista -Pasolini Pasolini! – vince nel 2001 il premio speciale Scenario e nel 2005 il Premio Franco Enriquez, dando inizio al suo percorso autoriale. Nel 2009, insieme al collega Lino Musella, fonda la compagnia teatrale MusellaMazzarelli con cui scrive, dirige e interpreta diversi spettacoli. La Compagnia si afferma negli anni come una delle più interessanti realtà italiane, vincendo nel 2010 il premio IN-BOX per Figlidiunbruttodio, nel 2014 il Premio della Critica ANCT per La società, nel 2016 il premio HYSTRIO alla drammaturgia per Strategie Fatali. Nel 2017 insieme a Lino Musella e Monica Nappo vince il Premio Enriquez come miglior attore per Orphans di Dennis Kelly. Oltre al teatro Mazzarelli ha preso parte a diverse pellicole cinematografiche, lavorando con registi quali Paolo Sorrentino (La grande bellezza), Silvio Soldini (3/19), Michele Placido (Vallanzasca), Gipi (L’ultimo terrestre), Mario Martone (Noi credevamo), Renato De Maria (Italian gangsters), Laura Chiossone (Genitori quasi perfetti). Ha inoltre preso parte a diversi film e serie per la televisione, tra cui 1994 (serie SKY diretta da Giuseppe Gagliardi), La porta rossa (serie RAI diretta da Gianpaolo Tescari), È arrivata la felicità (serie RAI diretta da Riccardo Milani e Francesco Vicario), Rossella (serie RAI diretta da Carmine Elia), L’assalto (film TV diretto da Ricky Tognazzi), Hache (serie Netflix diretta da Jorge Torregrossa e Fernando Trullols), Blocco181 (serie SKY diretta da Ciro Visco).
TEATRO MENOTTI
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Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

QUANDO LE PORTE DELLE CASE RESTERANNO DI NUOVO APERTE
2024-02-23 07:00 - 2024-02-25 16:30 | Teatro Franco Parenti Sala Tre, Via Pier Lombardo 14, Milano, 20135, Italia
Foto di scena: Quando le porte delle case resteranno di nuovo aperte © Nutrimenti Terrestri
una creazione also.known.as.
testo e messa in scena Simone Corso
dramaturg Jovana Malinarić
con Carmelo Crisafulli, Paola Francesca Frasca
senza Annibale Pavone
collaborazioni artistiche Gabriele Anzaldi, Luca D’Arrigo, Simone Cammarata
produzione Nutrimenti Terrestri
con il sostegno del Comune di Patti e di Fondazione Orestiadi di Gibellina
Vincitore del Premio #cittàlaboratorio – Orestiadi di Gibellina 2022
Premio Renato Palazzi – Tindari Festival 2022
Finalista Borsa teatrale Anna Pancirolli 2022
Finalista InBox 2023
Nel maggio del 2019 Antonio Stano morirà all’ospedale di Taranto dopo aver passato giorni dentro casa senza sfamarsi. A Manduria, dove abitava, Antonio era chiamato il Pazzo e questo bastava a tutti gli altri per “collocarlo” all’interno della comunità, riducendone il suo ruolo, nei risvolti più tragici di questa vicenda, a quello d’oggetto del giogo d’una squadra di giovani tra i 16 e i 22 anni che lo perseguitavano col fine di poter filmare e condividere su WhatsApp le loro azioni. Antonio, per sfuggire loro, si era chiuso dentro casa senza più mettere piede fuori.
Quando le porte delle case resteranno di nuovo aperte prende forma da questa vicenda senza volerne tracciare la cronaca, ma cercando piuttosto di indagare le dinamiche sociali che la connotano: i beni di consumo e la cultura audiovisiva prima, i social poi, sono lentamente entrati a far parte di noi stessi, del modo in cui ci rapportiamo gli uni agli altri, col rischio pressante di marginalizzare il singolo dentro la sola forma dello spettatore, chiuso dietro delle porte sbarrate a fare da guardia ai propri averi o dietro degli schermi dietro cui imparare a recitare un nuovo sé stesso.
NOTE DI REGIA:
I mutamenti sociali che hanno coinvolto la nostra società dal primo dopoguerra sino ad oggi (con l’espandersi delle reti di comunicazione, i media sempre più presenti e aderenti al nostro quotidiano, il linguaggio pubblicitario che, col tempo, è andato via via a conformare significati e problematiche alle categorie della brevità e della semplificazione) hanno influito sull’acuirsi delle differenze sociali e sfibrato i lacci che ricamano il tessuto della comunità cui ognuno di noi appartiene. Il potere dell’avere premia il singolo omologando, di contro, tutti, su una stessa scala di bisogni.
Nel mondo degli spett-autori, in cui continuamente tutti guardiamo e produciamo contenuti, rappresentiamo e auto-rappresentiamo la nostra vita, lo spettacolo sceglie di mettere l’accento su questo cambiamento culturale della nostra epoca imbastendo un dialogo onesto tra scena e platea che tenta di far diventare l’evento teatrale un’occasione assembleare di indagine e confronto oltre che di spettacolo.
ORARI SPETTACOLO:
venerdì 23 Febbraio – 19:00
sabato 24 Febbraio – 19:00
domenica 25 Febbraio – 16:30

STORIA DI UNA CAPINERA di Giovanni Verga
2024-02-13 20:00 - 2024-02-18 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Storia di una capinera © Francesco Maria Attardi
ENRICO GUARNERI e NADIA DE LUCA
Prima Milanese
Produzione Teatro Abc Catania – Ass. Progetto Teatrando
Regia Guglielmo Ferro
Con Enrico Guarneri e Nadia De Luca
Con la partecipazione straordinaria di Emanuela Muni
E (in ordine alfabetico)
Rosario Marco Amato – Verdiana Barbagallo – Federica Breci
Alessandra Falci – Elisa Franco – Loredana Marino – Liborio Natali
Regista collaboratore Giampaolo Romania
Scene Salvo Manciagli – Musiche Massimiliano Pace – Costumi Sartoria Pipi
Durata spettacolo 90’ con intervallo

Storia di una capinera, in scena al Menotti dal 13 al 18 febbraio, è la passionale narrazione della novizia Maria con il riadattamento di Micaela Miano, per la messinscena di Guglielmo Ferro, che ne ricodifica la struttura drammaturgica del romanzo per fare emergere il rigido impianto culturale e umano delle famiglie dell’epoca.
La vicenda si concentra su un unico nucleo narrativo: la storia della povera Maria, raccontata attraverso le lettere che scrive ad una compagna di convento (Marianna). Il cambiamento interiore di Maria nasce da una sua provvisoria liberazione, dal contatto con la natura, dal suo ritrovarsi con la famiglia nelle terre di Monte Ilice mentre a Catania infuria il contagio del colera. “Il mio pensiero non è imprigionato sotto le oscure volte del coro, ma si stende per le ombre maestose di questi boschi, per tutta l’immensità di questo cielo e di quest’orizzonte…”
La storia si snoda tutta sul filo di un progressivo itinerario spirituale: quella esperienza fa sorgere in lei il senso d’una vita più libera e aperta, e l’avvia a concepire una crescente avversione per l’ambiente conventuale dove ha trascorso da educanda gli anni dell’adolescenza. Di qui, scopre l’amore. Il giovane Nino è l’idolo un po’ sfocato che accende nella protagonista la fiamma di una passione inestinguibile. Ma il rapporto è troncato sul nascere dall’intervento dei familiari: Nino sposerà la sorella di Maria (Giuditta), acconciandosi a un matrimonio giudizioso e senza fantasticherie. Maria sarà costretta a rientrare in convento dove si spegnerà dopo una lunga e penosa agonia.
Timida e fragile come una capinera, e rinchiusa come l’uccellino in gabbia, fra le grigie mura di un convento: così è Maria, nel celebre romanzo epistolare di Giovanni Verga, che regala un affresco della Sicilia borghese ottocentesca, ma anche un toccante esempio di scrittura introspettiva, di critica sociale, di partecipazione per il destino dei più deboli… “Storia di una capinera” – di cui rimane memorabile la versione cinematografica di Franco Zeffirelli – arriva a teatro con il nuovo allestimento a cura del regista Guglielmo Ferro e, fra gli interpreti, Enrico Guarneri e Nadia De Luca.
NOTE DI REGIA:
Ecco perché l’ho intitolata Storia di una Capinera, così Giovanni Verga introduce il suo romanzo epistolare, una di quelle intime storie, che passano inosservate tutti i giorni, storia di un cuore tenero, timido, che aveva amato e pianto e pregato senza osare di far scorgere le sue lagrime o di far sentire la sua preghiera, che infine si era chiuso nel suo dolore ed era morto.
Perché, se Maria è vittima, non lo è dell’amore peccaminoso per Nino che fa vacillare la sua vocazione, ma lo è del vero peccatore ‘verghiano’ che è il padre Giuseppe Vizzini.
Giuseppe che, rimasto vedovo, manda in convento a soli sette anni la primogenita, condannandola all’infelicità. Un uomo che per amore, paura e rispetto delle convenzioni causa a Maria la morte del corpo e dello spirito. È sul drammatico rapporto padre figlia, sui loro dubbi e tormenti che si mette in scena la storia della Capinera. La stanza del convento è il centro della scena, Maria non esce da quella prigione, e il padre Giuseppe ne è il carceriere. Entrambi dolorosamente vittime e carnefici. Ogni evento che deflagra nella mente di Maria, ogni personaggio altro che scardina il viaggio del noviziato di Maria, sono gli elementi drammaturgici per sviscerare il dramma interiore di un padre che finisce per uccidere la figlia. È il racconto di legami infelici, di dinamiche familiari per noi oggi impossibili da immaginare ma che Verga racconta con l’inesorabilità di una condanna.
Non c’è redenzione per Maria, non c’è redenzione per il padre Giuseppe, e nemmeno per noi. Perché la redenzione non appartiene alla Sicilia di Giovanni Verga.
(Guglielmo Ferro)
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Torna UCCELLI di ARISTOFANE
2024-02-01 20:00 - 2024-02-11 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto di scena: Uccelli di Aristofane © Gianfranco Ferraro
Produzione TieffeTeatro Milano
Adattamento e regia Emilio Russo
Con Enrico Ballardini, Camilla Barbarito, Giulia D’Imperio, Nicolas Errico, Claudio Pellegrini, Maria Vittoria Scarlattei, Emilia Scatigno, Jacopo Sorbini, Chiara Tomei
Voce Camilla Barbarito
Produzione e arrangiamenti musicali Fabio Marconi
Scene Francesco Fassone
Costumi Pamela Aicardi
Interventi di teatro d’ombra della Compagnia Controluce
Durata spettacolo 100’ con intervallo
Recensione di Claudio Elli del 1° febbraio 2019
Torna in scena al Menotti dal 1°all’11 febbraio Uccelli, la commedia senza tempo di Aristofane che il regista Emilio Russo ha realizzato intrecciando parole e musica e affidandosi a una compagnia di giovani e talentuosi attori.
Pisetero ed Evelpide, cittadini ateniesi, decidono di lasciare la polis per andare in cerca di un posto dove trascorrere la vita senza grattacapi, lontano dai meccanismi complicati della vita sociale e istituzionale di Atene.
In un immaginario luogo tra terra e cielo, lontano da noie e dispiaceri, i due realizzano un sogno utopico: quello di una città che rinnovi la perduta età dell’oro, quando gli uccelli, più antichi di Crono e dei Titani, padroni del tempo, erano sovrani di una patria dolce e materna, senza leggi né violenza.
Spettacolo vincitore del Premio Nazionale Franco Enriquez 2019, sezione migliore adattamento e regia.
«Aristofane nella Grecia del 414 A.C., mentre il suo mondo si sgretola tra guerre e scontri ideologici e generazionali, riesce a fermare il tempo, a cercare una via di fuga nell’immaginario, a disegnare un impossibile mondo possibile. Uomini e Dei accumunati da corruzione e avidità, saranno da ora in poi divisi da Nubicuculia, la città costruita sulle nuvole, e dal sogno di libertà e partecipazione degli uccelli suoi abitanti, che decideranno per una vita senza leggi e senza denaro.
Sarà proprio in questo “spazio”, quello della voglia di cambiamento, quello della rivoluzione possibile, quello delle pulsioni adrenaliniche, che proveremo a raccontare il capolavoro del più grande poeta comico della commedia classica.
Un racconto senza tempo, attualizzato nel linguaggio, tra Cervantes, George Orwell e Alfred Jarry, ma anche Totò, eppure con estrema fedeltà alle dinamiche e agli intrecci dei personaggi originari.
In scena una compagnia di giovani interpreti tra parole e musica in uno spettacolo che restituisce la forza comica e le emozioni della straordinaria e controversa opera del grande poeta ateniese. Per il racconto/viaggio dei due “profughi” alla ricerca della città e della vita ideale utilizzeremo diversi linguaggi, dal teatro d’ombre, al canto, al movimento all’interno di una scenografia che richiama gli spalti di un teatro antico, specchio della platea reale in un gioco ad incastro tra il tempo e lo spazio».
Emilio Russo
PREZZI
Intero – 32.00 € + 2.00 € prevendita
Ridotto over 65/under 14 – 16.00 € + 1.50 € prevendita
TEATRO MENOTTI
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INTERNO BERNHARD di Thomas Bernhard
2024-01-23 19:30 - 2024-01-28 16:00 | Piccolo Teatro Strehler, Largo Greppi, Milano, 20121
Foto di scena: Glauco Mauri – Interno Bernhard © Manuela Giusto
Minetti. Ritratto di un artista da vecchio
Con Glauco Mauri, regia di Andrea Baracco
Teatro Strehler, dal 23 al 28 gennaio
Giovedì 25 gennaio, ore 17, al Chiostro Nina Vinchi
Presentazione del libro
LE LACRIME DELLA DUSE – Ritratto di un artista da vecchio
In attesa di portare in scena, per l’ultima volta, il suo celebre Re Lear, un attore anziano e disilluso si abbandona ai ricordi e alle spietate riflessioni sulla sua professione: al Teatro Strehler, dal 23 al 28 gennaio, guidato da Andrea Baracco, Glauco Mauri affronta per la prima volta il teatro tragicomico e crudele di Thomas Bernhard
Durante la notte di Capodanno, in un’anonima hall d’albergo, il celebre attore Bernhard Minetti, ormai anziano e disilluso, attende di indossare per l’ultima volta i panni di Re Lear. Si abbandona così ai ricordi, alle riflessioni sulla propria vita, sul mestiere d’attore, sugli intriganti meccanismi del mondo teatrale, manifestando tutto il suo odio per la letteratura classica ed esprimendo giudizi spietati su una società sempre più confusa e su un teatro sempre più privo di senso…
Dall’alto di una carriera di oltre settant’anni, trascorsa tra i capolavori di Shakespeare, Beckett, Sofocle e Dostoevskij, Glauco Mauri giunge a confrontarsi con la scrittura di Thomas Bernhard.
«La scena su cui si aprono le pagine o si levano i sipari di Bernhard – spiega il regista Andrea Baracco – è quella del day after: l’esplosione è già avvenuta, è ormai lontana. Il mondo, intatto solo in apparenza, è scardinato in profondità: follia, gelo, malattia e devastazione; ruota come impazzito seguendo un’orbita indecifrabile e assurda
Il superstite, con facoltà di parola, si pone di fronte a questo caos, a questo perturbamento: tenta di decifrarlo, di contrapporglisi, persegue questo scopo con folle determinazione, pur essendo conscio che porterà soltanto alla dissoluzione fisica e mentale. L’unica possibilità di sopravvivenza sembra essere allora la ricerca della perfezione in campi che fino a poco tempo fa erano il luogo della bellezza, del senso: il teatro, la musica, la letteratura, la filosofia».
Giovedì 25 gennaio, alle ore 17, al Chiostro Nina Vinchi, si terrà la presentazione del libro LE LACRIME DELLA DUSE – Ritratto di un artista da vecchio. Intervengono Glauco Mauri e Mauro Palladini. Modera Anna Piletti.
L’ingresso è gratuito con prenotazione obbligatoria sul sito del Piccolo Teatro
Piccolo Teatro Strehler (largo Greppi – M2 Lanza), dal 23 al 28 gennaio 2023
Interno Bernhard
Minetti. Ritratto di un artista da vecchio
di Thomas Bernhard
traduzione di Umberto Gandini
con Glauco Mauri
e con Stefania Micheli, Federico Brugnone, Danilo Capezzani, Francesca Trianni, Pietro Bovi, Giuliano Bruzzese
regia Andrea Baracco
scene e costumi Marta Crisolini Malatesta
musiche Giacomo Vezzani, Vanja Sturno
luci Umile Vainieri
produzione Compagnia Mauri Sturno
Orari: martedì, giovedì e sabato, ore 19.30; mercoledì e venerdì, ore 20.30; domenica, ore 16.
Durata: 60 minuti senza intervallo
Prezzi: platea 33 euro, balconata 26 euro
Informazioni e prenotazioni 02.21126116 – www.piccoloteatro.org

ZIO VANJA (scene di vita) di Anton Cechov
2024-01-11 20:30 - 2024-01-28 20:30 | MTM Teatro Litta, Corso Magenta 24, Milano, 20123, Italy
MTM Teatro Litta – dall’11 al 28 gennaioe 2024
traduzione e adattamento Fausto Malcovati
da un’idea di Antonio Syxty
regia di Antonio Syxty e Claudio Orlandini
con Fernanda Calati, Gaetano Callegaro, Margherita Caviezel, Pietro De Pascalis, Maurizio Salvalalio, Debora Virello
scene Guido Buganza
costumi Valentina Volpi
quadri in scena di Aurelio Gravina
disegno luci Fulvio Melli
direzione di produzione Elisa Mondadori
produzione Manifatture Teatrali Milanesi

Foto di scena: Zio Vanja – MTM Teatro Litta, regia di Antonio Syxty e Claudio Orlandini © Fabio Benato

Zio Vanja dall’11 gennaio 2024 al Teatro Litta, con tutta la verità, l’onestà e il destino di questa scelta che è anche una prova di vita teatrale
Un progetto anomalo e fuori dalle convenzioni della pratica consueta: da un’idea di Antonio Syxty
regia Antonio Syxty e Claudio Orlandini
Antonio Syxty ha sempre manifestato un talento artistico poliedrico. Dalle opere su carta negli anni ’70 alla art-performance, nel decennio successivo il suo percorso si orienta verso il teatro, trasformandolo in una piattaforma comportamentale e capace di sfidare i confini dell’identità fra realtà e finzione.
…Non avevo un’idea di regia. Non perché mi mancassero le idee, ma perché non volevo averla…
Un gruppo di attori riuniti nella vita dalla missione di insegnare il teatro alle nuove generazioni attraverso una scuola.
Lo fanno tutti i giorni da molti anni, quando un giorno arrivo io – un uomo che nella vita non ha fatto l’attore o il formatore, ma solo il regista – e propongo loro di impersonare quelle scene di vita che ci sono in Zio Vanja di Anton Cechov, uno dei capolavori del teatro contemporaneo.
Così è nata la mia idea. Un’idea semplice: quella che Pietro De Pascalis potesse incaricarsi di essere Zio Vanja, e procedendo in questa via Debora Virello potessero essere Sonja, Fernanda Calati potesse essere Marina (la balia) e Maurizio Salvalalio potesse incaricarsi di essere Astrov.
Questo gruppo di persone sono stati e sono tuttora anche attori, ma soprattutto formatori, testimoni di un mestiere come è quello del teatro. Queste persone sono gli insegnanti di una scuola che esiste da 50 anni a Milano: Grock Scuola di Teatro. Tutto qui.
Mancavano però – nella compagine dei personaggi di Zio Vanja – i due “estranei”, che si rivelano tali anche nella narrazione di Cechov: il Professore (in pensione) Serebrjakov e la sua giovanissima moglie Elena Andreevna. E così sono entrati a far parte di questa “riunione di famiglia” Gaetano Callegaro (attore, ma anche Presidente della Cooperativa che ha in carico la scuola) e Margherita Caviezel (una allieva diplomata dalla stessa scuola, nel 2022).
E così mi sono chiesto: potrà succedere che “la vita vera”, condivisa attraverso il teatro come destino, pratica e lavoro diventi la vita che Cechov racconta in quelle scene di campagna che io arbitrariamente (ma non tanto) ho chiamato scene di vita?
Per fare tutto questo avevo bisogno di un “complice” che li conoscesse – come persone e come attori – molto più di me. Per questo ne ho parlato con Claudio Orlandini, votato anche lui all’insegnamento, che nella vita ha fatto e fa il regista.
Alla fine di questo “incontro nella vita” ci saranno le rappresentazioni in un teatro, come molte altre già fatte, tante volte, da altri attori, in altri teatri. Ma questa rappresentazione di Zio Vanja sarà diversa perché nata dai rapporti della vita vera di coloro che hanno deciso di raccontarsi attraverso i personaggi del più grande autore contemporaneo del teatro moderno…”
Perché Zio Vanja di Cechov?
Più di 20 anni fa mi ero avventurato con coraggio in un Giardino dei ciliegi al Teatro Litta di Milano. Ho usato la parola “coraggio”, ma a distanza di tempo potrei aggiungere anche la parola ‘incoscienza’, anche se fu uno spettacolo riuscito per il pubblico e per la critica di allora. Lo ricordo con affetto e piacere. Credo, a distanza di anni, che fosse anche un buon lavoro.
Qualche anno dopo Il Giardino mi sono messo in testa che potevo portare in scena anche il Gabbiano. E ci ho provato, ma non so se ci sono riuscito. Lo ricordo come uno spettacolo che non so giudicare ancora oggi (se mi era piaciuto o no). Mi piacevano alcune scene nell’ insieme, le ombre degli attori proiettate a testa in giù su un grande velario che sovrastava la scena, e poi alcuni altri momenti che mi avevano ispirato (dalla scena nel deserto di Zabriskie Point di Antonioni al Gabbiano cinematografico di Bellocchio, forse).
In genere non conservo nella memoria tutti gli spettacoli che ho fatto. Amo anche dimenticarli.
E allora perché Zio Vanja, dopo le esperienze a cui ho accennato?
Una ragione è quella del “tempo”.
In Cechov c’è il rapporto con il tempo che è misterioso e determinante. Il tempo nel suo scorrere degli anni, le età, gli avvenimenti. Ma anche il tempo delle stagioni e quello atmosferico con temporali, schiarite, piogge, sole, afa.
E poi c’è lo scorrere del tempo attraverso le ore del giorno e della notte, quando non si riesce a dormire e si parla, ci si lamenta, si fanno discorsi di “bassa filosofia”.
Attraverso i suoi drammi, attraverso le battute dei suoi personaggi, Cechov crea delle sinfonie. Cechov è un compositore dei movimenti dell’animo umano e riesce a farlo suonare (e risuonare) come nessuno scrittore moderno di teatro ha mai fatto.
Le sue battute sono note musicali che procedono in minuetti, in assoli, in concertati, che si ripetono, si avvicendano in variazioni sullo stesso tema, fino a commuovere l’animo di chi ascolta, in accordo con quello di chi racconta e parla di sé.
Il guaio di noi che lo abbiamo messo in scena – con più o meno frequenza – nel comportamento del palcoscenico è quello di aver pensato con insistenza di dare vita e forma solo ai personaggi creati da Cechov e non alle loro anime, che sono imprendibili, sfuggenti, ma drammaticamente vere, reali, come sono quelle di chi è seduto in sala.
Il più delle volte Cechov lo si affronta pensando di avere già un’idea. Alla fine quell’idea si rivela solo una banale convenzione derivata da un teatro borghese, solo parlata e non vissuta, che si è sedimentata nel corso dei decenni, nelle numerose messe in scena dei suoi drammi…
Antonio Syxty
Zio Vanja (in russo Дядя Ваня?, Djadja Vanja) dramma scritto nell’autunno del 1897 di Anton Pavlovič Čechov. È considerata una delle sue opere più importanti.
È uno dei capolavori assoluti del teatro cechoviano. Nei quattro atti si intrecciano le monotone conversazioni e le banalissime vicende di un gruppetto di personaggi. La ricostruzione minuziosa di atmosfere sospese e vagamente inquietanti, l’indifferenza abulica dei personaggi intorno agli eventi, l’indefinito senso di attesa di una catastrofe incombente rendono questo testo una geniale anticipazione della drammaturgia novecentesca.
La commedia intreccia temi ricorrenti nelle opere maggiori di Čechov, basta guardare i personaggi: Zio Vanja amministra la tenuta del professor Serebrjakov, dove vive con la madre e con Sonja, figlia di primo letto del professore. Zio e nipote vivono una vita di lavoro e di affetti silenziosi e rinuncia alle speranze segrete. Quando il professore arriva con la sua seconda moglie Elena, la vita di campagna viene turbata: emergono le frustrazioni di Elena, delusa dalla vanità presuntuosa del marito, ma decisa a non rispondere all’amore di Vanja e al corteggiamento del dottor Astrov, di cui è segretamente innamorata Sonja.
All’amarezza delle illusioni (di Sonja, di Elena, di Vanja e del dottore) si accompagna una riflessione di fondo sul senso della vita degli individui e sulle trasformazioni sociali (e anche sul rapporto fra uomo e natura). Quando Elena e il professore torneranno alla loro vita cittadina, ai più consapevoli Vanja, Sonja e Astrov, ecologista profetico, non resterà che tornare al silenzio operoso e rassegnato della loro solitudine.
Teatro Litta
martedì/sabato ore 20.30 – domenica ore 16.30
intero € 30,00 – convenzioni € 24,00 – ridotto Arcobaleno (per chi porta in cassa un oggetto arcobaleno) € 24,00 – Under 30 e Over 65 € 17,00 – Università € 17,00 – scuole di Teatro € 19,00 – scuole civiche Fondazione Milano, Piccolo Teatro, La Scala e Filodrammatici € 11,00 – Scuole MTM € 10,00 – ridotto DVA € 15,00 tagliando Esselunga di colore ROSSO
durata: 90 minuti
Invito a Teatro Manifatture Teatrali Milanesi
Info e prenotazioni biglietteria@mtmteatro.it – 02.86.45.45.45
Scarica l’App di MTM Teatro e acquista con un clic
Abbonamenti: MTM Serendipity, MTM Serendipity Over 65, MTM Serendipity Under 30 x2, MTM Serendipity Under 30 x4, MTM Il piacere di sorridere.
Biglietti sono acquistabili sul sito www.mtmteatro.it e sul sito e punti vendita vivaticket.it.
I biglietti prenotati vanno ritirati nei giorni precedenti negli orari di prevendita e la domenica a partire da un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.

LA NOTTE di Pippo Delbono
2024-01-09 20:00 - 2024-01-14 16:30 | Teatro Menotti Filippo Perego, Via Ciro Menotti, 11, Milano, 20129, Italia
Foto: Pippo Delbono – La Notte © Lorenzo Porrazzini © Tieffe Milano
Produzione Tieffe Teatro Milano
Uno spettacolo-concerto di  Pippo Delbono
Da La nuit juste avant les forêts di Bernard-Marie Koltès
Con Pippo Delbono
Musiche Piero Corso
Delbono, in scena al Menotti dal 9 al 14 gennaio, si confronta per la prima volta con un autore come Bernard-Marie Koltès dando voce alla sua versione di ‘La notte poco prima della foresta’, testo che irruppe per la prima volta ad Avignone nel 1977 e restò una voce lancinante nella scrittura contemporanea fino alla morte di Koltès, scomparso prematuramente nel 1989.
Un viaggio quasi autobiografico per Delbono che apre la serata con una lettera di François Koltès, fratello di Bernard- Marie, da cui l’artista ligure ha ricevuto il consenso a tagliare, operare, quasi stracciare il testo originale per intrecciare due vite e due voci.
Un monologo forte, intenso, provocatorio, rabbioso che Delbono, accompagnato dalla chitarra di Piero Corso, interpreta con grande musicalità, modulando voce, toni e ritmi. La Notte si chiude con una lettera di Bernard-Marie alla madre: alla critica di pensare quasi soltanto al sesso, l’autore risponde rivendicando il suo concetto di amore, usando parole aspre, dolci e malinconiche per esprimere un sentimento di resistenza al nonsense del mondo che ci circonda.
PIPPO DELBONO BIOGRAFIA
Autore, attore e regista, Pippo Delbono nasce a Varazze nel 1959. Negli anni ‘80 fonda la Compagnia Pippo Delbono, dando vita a numerosi spettacoli che hanno segnato la storia del teatro contemporaneo. L’incontro con persone in situazioni di emarginazione e diversità determina una svolta nella sua ricerca. Nasce così Barboni – Premio Speciale UBU nel 1997 “per una ricerca condotta tra arte e vita”. Da oltre vent’anni gli spettacoli realizzati con la sua Compagnia in un flusso di ricerca continua fra teatro, poesia, musica, cinema e danza, sono presentati in prestigiosi teatri e festival di tutto il mondo, inclusi il Festival d’Avignon, la Biennale di Venezia, l’Holland Festival, l’Hong Kong Arts Festival, il Festival de Otoño, il Festival Grec di Barcellona, il Theater Spektakel di Zurigo, il Wiener Festwochen, il Festival TransAmeriques di Montréal: Il tempo degli assassini, La rabbia, Guerra, Esodo, Gente di plastica, Urlo, Il silenzio, Racconti di giugno, Questo buio feroce, La menzogna, Dopo la bataglia, Orchidee, Vangelo, La gioia e la co-produzione internazionale Amore nata in Portogallo nel 2021 e da allora in tournée insieme a La gioia che dal 2018 è in tournée in tutto il mondo – fin ora lo spettacolo è stato presentato in 17 Paesi, 53 città per un totale di 128 recite.
Nel 2003 Delbono realizza il film Guerra (Mostra del Cinema di Venezia e Miglior film documentario David di Donatello 2004); a seguire: Grido (2006), La paura (Festival di Locarno 2009), Amore carne (68° Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia 2011), Blue Sofa (miglior film alla 32° edizione del Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand), Sangue (66° Festival di Locarno), La Visite-Versailles (2016) e Vangelo (2017).
Nella lirica ha firmato le regie: Studio per Obra Maestra (Teatro Lirico Sperimentale di Spoleto 2007), Don Giovanni (Teatr Wielki di Poznan, Polonia 2014), Cavalleria rusticana e Madama Butterfly (Teatro San Carlo di Napoli 2012 e 2014), La Passione secondo Giovanni (Teatro Massimo di Palermo 2017) e I Pagliacci (Opera di Roma 2018). Realizza con grandi musicisti i concerti: Amore e carne con Alexander Balanescu, Il sangue sull’Edipo di Sofocle con Petra Magoni, Bestemmia d’amore con Enzo Avitabile e La notte con Piero Corso.
Ha pubblicato Barboni – Il teatro di Pippo Delbono, Racconti di giugno, Corpi senza menzogna, Dopo la battaglia – scritti poetico-politici, Sangue. Dialogo tra un artista buddista e un ex terrorista tornato in libertà, L’uomo che cadde sulla terra, Le don de soi. Ha ottenuto il Premio Speciale Ubu per Barboni, il Premio della Critica per Guerra, i Premi Olimpici per Gente di plastica e Urlo, a Wroclaw, Polonia (2009), il Premio Europa per le nuove realtà teatrali, nel 2022 lo spettacolo Amore vince il Premio Speciale della Giuria del Festival MESS di Sarajevo per le scene e per le luci. Nel 2021 Pippo Delbono riceve un Premio alla Carriera all’International Theatre Festival IKSV di Istanbul nel 2021.
TEATRO MENOTTI
Via Ciro Menotti 11, Milano – tel. 0282873611 – biglietteria@teatromenotti.org
ORARI BIGLIETTERIA
Dal lunedì al sabato dalle ore 14.00 alle ore 18.30, dalle 19.00 alle 20.00 solo nei giorni di spettacolo
Domenica ore 14.30 | 16.00 solo nei giorni di spettacolo
Acquisti online
Con carta di credito su www.teatromenotti.org
ORARI SPETTACOLI
Dal martedì al sabato ore 20
Domenica ore 16.30
Lunedì riposo

IL CANTO DI NATALE
2023-12-28 19:30 - 2024-01-07 16:00 | Piccolo Teatro Studio Melato, Via Rivoli, 6, Milano, 20121, Italia
Foto di scena: Il canto di Natale © Carlo Colla & Figli
Piccolo Teatro Studio Melato
liberamente tratto dal racconto di Charles Dickens
riduzione per marionette su appunti di Eugenio Monti Colla
musica originale di Danilo Lorenzini
nuove sculture, scene e luci di Franco Citterio
costumi di Maria Grazia Citterio e Cecilia Di Marco
direzione tecnica di Tiziano Marcolegio
regia di Franco Citterio e Giovanni Schiavolin
via Rivoli, 6 – Milano
M2 Lanza
dal 28 dicembre 2023 al 7 gennaio 2024
giovedì 28 dicembre 2023 – ore 19:30
da venerdì 29 dicembre 2023 a domenica 7 gennaio 2024 – ore 16:00
lunedì 1° gennaio – riposo
biglietti
da 10€ a 25€
www.piccoloteatro.org
durata
75’ senza intervallo
i marionettisti
Franco Citterio, Maria Grazia Citterio, Piero Corbella,
Camillo Cosulich, Debora Coviello, Carlo Decio, Cecilia Di Marco,
Michela Mantegazza, Tiziano Marcolegio, Pietro Monti,
Giovanni Schiavolin, Paolo Sette
voci recitanti (edizione registrata nel 2023)
Loredana Alfieri, Marco Balbi, Maria Grazia Citterio,
Lorella De Luca, Carlo Decio, Lisa Mazzotti, Gianni Quillico,
Riccardo Peroni, Franco Sangermano, Giovanni Schiavolin
musicisti (edizione registrata nel 2023)
Mattia Bossio, pianoforte; Lorenza Merlini, viola;
Antonio Papetti, violoncello; Rita Pepicelli, violino;
Fausto Polloni, fagotto; Carlotta Raponi, flauto e ottavino
Paolo Sartori, clarinetto in Sib
canto
Michela Mantegazza
coordinamento musicale
Daniele Sozzani Desperati
direzione tecnica musicale
Luca Volontè
Paolo Sportelli: tecnico di registrazione presso Il borgo della Musica
Nuova produzione 2023
ASSOCIAZIONE GRUPPORIANI
Comune di Milano – Teatro convenzionato
Next – Laboratorio delle idee per la produzione e la programmazione dello spettacolo lombardo
Il canto di Natale è uno dei racconti più iconici che narrano la magica notte che è divenuta, col tempo, un momento atteso da tutti i popoli e da tutte le culture, laiche o credenti. Anche le marionette della Carlo Colla & Figli, con il loro repertorio, hanno avuto modo di raccontare la trasversalità di questo avvenimento dell’anno da tutti atteso come evento che scuote gli animi e le sensibilità umane. Così, dopo gli spettacoli storici La capanna di Betlemme e I nani burloni e dopo il più recente Lo schiaccianoci, i piccoli attori di legno adottano uno dei racconti più famosi che Charles Dickens scrisse nel 1844 e che da allora è stato spunto per innumerevoli versioni e interpretazioni.
La trama non racconta le sacre vicende religiose o le straordinarie situazioni attorno a maghi ed elfi che abitano attorno alla dimora di Papà Natale. Tantomeno di situazioni che scaturiscono dalla fantasia dei bimbi incantati dal mondo dei balocchi e dei giochi. Questa parabola narrativa descrive insieme le straordinarie “voci” che risuonano in questa particolare notte e gli effetti che queste possono avere sulla natura dell’essere umano e, quando ascoltate, possono condurre anche per il più terribile, cinico e avaro animo a una mutazione per essere migliori.
Mantenendo la struttura pentapartita del racconto pensato dall’autore, le marionette si calano nei panni del vecchio bisbetico imprenditore Ebenezer Scrooge e dei personaggi che attorno a lui si muovono, disegnando i caratteri, le personalità e i temperamenti della società che Dickens ha sempre indagato e descritto.
Al protagonista, nel cammino di presa di coscienza della realtà e di mutamento della propria indole, fanno da contrappunto personaggi come spettri e fantasmi frutto dell’immaginazione e della fantasia che la penna dell’autore ha saputo creare e che difficilmente possono trovar riscontro nelle comuni messe in scena teatrali.
La realtà parallela e atemporale del mondo delle marionette, proprio come quella mostrata dallo “Spirito del Natale passato”, quello “presente” e quello “futuro” pensati da Dickens, accompagnano i protagonisti, come gli spettatori, in una sorta di camera degli specchi che permette di guardare e scrutare il proprio io per conquistare una presa di coscienza propedeutica e introspettiva.
Anche in questo nuovo allestimento, ogni “carattere” diviene “maschera”, ogni ambiente, realistico od onirico che sia, diviene illusione e ogni situazione si sublima nell’incanto e nella “maraviglia” dell’oggetto inanimato che prende vita.
Infine, qualche numero:
in totale sono coinvolti nell’operazione 134 individui di cui 34 umani (14 marionettisti, 12 musicisti, 8 attori) e un centinaio di teste di legno, delle quali 40 realizzate ex novo, con relativi costumi. Le scene dipinte totalizzano 360 metri quadri di superficie, per realizzare una ventina di situazioni sceniche differenti.
